Curso de escultura y modelado (Retrato en barro: Modela un rostro a escala real), por Efraïm Rodríguez, Domestika

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Vancouver Timelapse by Ryan Emond

Frase de la semana: Alberto Giacometti

La Noche estrellada, 1.889, por Vincent van Gogh, (Postimpresionismo), MoMA Museo de Arte Moderno NY

La Noche estrellada de Vincent van Gogh es junto con La Libertad guiando al pueblo de Delacroix o El Beso de Gustav Klimt, entre otros, uno de los cuadros más famosos de todos los tiempos. Se trata de un lienzo de 73,7 x 92,1 cm. cargado de vida y gran fuerza expresiva, en el que Van Gogh nos muestra la belleza nocturna de la naturaleza a través de un bonito paisaje estrellado. El artista alcanzó un estilo tan personal y distinguido, —yendo un paso más allá que los maestros impresionistas—, que lo han hecho mundialmente famoso convirtiéndose junto con Cézanne o su gran amigo Paul Gauguin en una de las figuras más destacadas y representativas del movimiento postimpresionista. A pesar de que el artista solía pintar de madrugada a causa del gran número de transeúntes que le sorteaban a su paso cuando pintaba de día, el artista pintó La Noche Estrellada desde la ventana de la habitación del asilo de Saint Paul en Saint-Rémy, al sur de francia, donde se recluyó voluntariamente durante un año, entre 1889 y 1890, y en donde buscó cierto respiro, tranquilidad y desahogo para tratarse sus enfermedades mentales: « He puesto mi corazón y mi alma en mi trabajo, y he perdido mi mente en el proceso. ». A pesar de tratarse de un paisaje estrellado con un pueblo a sus pies, en el que destaca y sobresale la torre puntiaguda de una iglesia en el centro, éste fue fruto de la imaginación del artista, al igual que el ciprés, extremadamente alto, (apuntando hacia el cielo), y que figura a la izquierda, en primer término; « Sueño con pintar y luego pinto mis sueños. », Vincent van Gogh.

Curso de Diseño y reforma de viviendas, por el Estudio de arquitectura y diseño de interiores Himera ( Domestika )

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Frase de la semana: Frank Lloyd Wright

Guernica, 1937, por Pablo Picasso, Óleo sobre lienzo, 349,3 x 776,6 cm., Museo Reina Sofía, Madrid, España

El famoso Guernica de Picasso está considerado obra fundamental para el arte del siglo XX, y desde su creación “aparece como emblema ante cualquier episodio de violencia o vulnerabilidad de la población civil, convirtiéndose en un símbolo atemporal y a la vez universal, que viene a denunciar la destrucción implacable y criminal de la guerra abriendo un intenso debate artístico sobre la representación de conflictos bélicos”. Para ponernos en antecedente, el Gobierno Republicano encarga a Picasso un gran lienzo de 11 metros para el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París de 1937 previsto para el verano de ese año, ese es el origen de la obra. Sin embargo, esto ocurre cuatro meses antes del bombardeo de la ciudad de Guernica, en diciembre de 1936. El artista, que en ese momento está atravesando una crisis personal y creativa, sigue trabajando en otros proyectos y encargos particulares, y no será hasta finales de abril del año siguiente tras el incidente, cuando Picasso toma la tragedia de Guernica para llevar a cabo su más grande obra maestra. Como denuncia a la barbarie y el terror ocasionado por la guerra, Picasso toma este suceso para crear esta enorme y sobrecogedora tela de estilo surrealista y cubista que sorprendió al mundo.

Frase de la semana: Gustav Klimt

Saturno devorando a un hijo, 1820-23, por Francisco de Goya, (Romanticismo), Museo del Prado, Madrid, España

Saturno devorando a un hijo forma parte de una de las catorce escenas que componen las famosas Pinturas Negras de Goya (1820-1823). Originalmente, la pieza fue pintada directamente sobre revoco en una de las habitaciones de la planta baja de la Quinta del Sordo, una casa de campo a orillas del río Manzanares en Madrid, que el pintor adquirió en 1819. Concretamente, la aterradora escena se encontraba frente a los Dos viejos sorbiendo sopa y junto a Judith y Holofernes, en una estancia que formaba parte del comedor o salón principal. De forma muy similar a lo que ya había hecho Rubens casi dos siglos atrás, Goya elige el momento en el que el Dios del tiempo desgarra el cuerpo ya mutilado de su hijo para que no pueda destronarle. El fondo oscuro y tenebroso hace destacar aún más los rasgos deformes y monstruosos del personaje principal, que devora de manera despiadada a uno de sus hijos. El gesto de apretar con fuerza y estrujar con sus puños al niño mientras se lo come denota que el dios Saturno quiere seguir insuflando vida, aferrándose a la misma. Sus ojos terroríficos vienen a reflejar una de las obsesiones del pintor en los últimos años de su vida, la idea de que el tiempo lo devora todo. A su vez, el artista sordo y ya algo enfermo muestra con estos tonos oscuros y tenebrosos bastante tristeza y melancolía.

Cabeza de Medusa, 1600-01, por Caravaggio (Barroco Italiano), Galería de los Ufizzi, Florencia, Italia

En la mitología clásica, Medusa era un monstruo tremebundo con cuerpo femenino cuya cabellera estaba formada por serpientes venenosas. Varios de los mitos dicen que Medusa sedujo a Poseidón, y por eso fue desterrada. La criatura era tan fea y espantosa, que su mirada petrificaba (convertía en piedra) a todo aquel que la mirase fijamente o se acercase a ella. La leyenda cuenta que el héroe griego Perseo pudo localizarla con el reflejo de su escudo y sin mirarla directamente, logró decapitarla. Al cortarle la cabeza, el semidiós salvaba a Andrómeda y de la sangre del cuello que salía a borbotones nacía Pegaso (el caballo alado). Utilizando su propio rostro como modelo mediante un espejo convexo, de forma muy similar a lo que hizo Parmigianino con uno de sus autorretratos, el artista logra escenificar magistralmente el momento en el que Perseo degolla a la Gorgona, monstruo infernal, y de cuyos gestos, —especialmente el de la mirada—, podemos intuir el tremendo dolor y sufrimiento que debió sentir la tan desdichada protagonista en tal acto fatídico. Medusa era una de las tres Gorgonas, hijas monstruosas de los dioses marinos Forcis y Ceto.

Frase de la semana: Claude Monet

Curso de retrato creativo ilustrado con Procreate, por Samuel Rodriguez (Un Curso de Domestika)

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Aprende a combinar lettering y elementos abstractos para crear retratos digitales muy potentes y llamativos

New Wave, 30.48 x 30.48 cm. (12"x12"), por Samuel Rodriguez, Acrílico sobre panel de madera, Colección particular

La Venus del espejo, 1647-51, por Diego Velázquez (Barroco español), Óleo sobre lienzo, National Gallery de Londres

La famosa Venus del espejo de Velázquez es el único cuadro conservado del artista en el que aparece una mujer desnuda, aunque se cree que no fue el único pintado por el maestro. La pincelada suelta y espontánea se pone aquí de manifiesto en este espléndido lienzo de grandes dimensiones, nada menos que 122 x 177 cm., que podemos admirar en la actualidad en la National Gallery de Londres. Las dos figuras representadas a tamaño natural se corresponden con Venus, la Diosa de la belleza, y su hijo pequeño Cupido, el dios del amor, que arrodillado sostiene un espejo en el que se ve reflejado el rostro de la diosa, quien se muestra recostada de espaldas al espectador en la más absoluta intimidad, como si acabase de tomar un baño. Esta sutil y sensual pose define la composición horizontal, en la que no podemos adivinar de quien es el rostro de la protagonista debido a sus rasgos difuminados, lo que hace pensar que representa a todas las mujeres. No obstante, el propio aspecto contemplativo de la diosa nos invita a recorrer y admirar el cuadro visualmente de principio a fin. El tema es mitológico, pero Velázquez nos presenta a una Venus totalmente humanizada. Existe un bello contraste entre los tonos color carne y los grises y rojos del cortinaje del fondo, que le confieren gran carga erótica al asunto. Estamos acostumbrados a ver a Venus representada por numerosos pintores con el pelo largo y suelto por debajo de la cintura, —que desde la antigüedad siempre ha sido considerado sinónimo de gran belleza—, pero en este caso Velázquez nos muestra a la diosa con el cabello recogido para no perdernos detalle del cuerpo femenino en ningún momento, « Una mujer no es un ser humano, es la razón de los seres humanos. », Diego Velázquez.

El Beso, 1908-09, por Gustav Klimt, (Simbolismo), Óleo y pan de oro sobre lienzo, Galería Belvedere, Viena, Austria

El Beso (Der Kuss), también llamado “Los Amantes”, es la obra más célebre de Gustav Klimt (1862-1918), y uno de los cuadros más famosos de todos los tiempos. Se trata de una pieza de gran formato, 180 x 180 cm., cargada de gran simbolismo, en la que una pareja de amantes está a punto de fundirse con un beso de amor apasionado, aunque con la emoción muy contenida. Las dos figuras arrodilladas se sitúan al borde de un precipicio representado por una especie de prado repleto de florecillas, —para recrear de algún modo ese momento tal especial—, pero sin ningún tipo de perspectiva, lo que acentúa la bidimensionalidad. No obstante, los pies de la protagonista se aferran a dicho precipicio, lo que de pronto hace pensar que podría estar peligrando la relación. El fondo dorado, creado a base de finas láminas de pan de oro, característica incansable de Klimt en la mayor parte de sus obras, tal y como podemos apreciar en Adele Bloch-Bauer I (1907) o La Lluvia Dorada, Dánae (1907), realza el protagonismo de ambas figuras convirtiendo el momento en eterno. El beso fue exhibido por primera vez junto a Las Tres Edades de la Mujer (1905) en la Exposición de Arte de Viena (Kunstschau Wien) que se celebró entre junio y octubre de 1908 y donde tuvo un éxito inmediato; por ese entonces el autor afirmaba: « concebimos el término artista con tanta amplitud como el concepto de obra de arte. Llamamos artistas no sólo a los creadores, sino también a los que se recrean, aquellos que son capaces de comprender sensiblemente lo creado y apreciarlo. ». A pesar de que el dorado es el color predominante, Klimt hizo el empleo de una variada gama de tonalidades como los verdes, azules, naranjas y violetas, que armonizan de forma bella en un todo cósmico, adquiriendo una dimensión universal.

Frase de la semana: Philip Johnson