Frases y citas célebres: Henri Matisse



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Henri Matisse (1869-1954)

Henri Émile Benoît Matisse (Pintor, Escultor, Dibujante, Muralista, Grabador, Litógrafo, Artista Universal) Fauvismo

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« Cuando pongo verde, no es yerba; cuando pongo azul, no es el cielo. »

« Una obra de arte debe ser armoniosa en su totalidad: cualquier detalle superfluo se debe sustituir por otro esencial. »

« El trabajo cura todo. »


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Lujo, calma y voluptuosidad, (1905)

« Poco a poco he descubierto el secreto de mi arte. Se trata de la meditación sobre la naturaleza, en la expresión de un sueño que siempre está inspirado en la realidad. »

« Estudia, aprende, pero guarda un poco de ingenuidad. Tiene que estar dentro de ti, como el deseo de beber del borracho o el amor en el amante. »

« Sin pasión no hay arte. »


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La línea verde-Madame Matisse, (1905)

« Es agradable ver cómo un buen poeta transporta la imaginación de otro artista, permitiéndole crear su propio equivalente de la poesía. El artista plástico, para sacar el mejor partido de su obra, debe evitar adherir de manera demasiado servil al texto. Por el contrario, debe trabajar libremente, enriqueciendo su propia sensibilidad mediante el contacto con el poeta que va a ilustrar. »

« Manet fue el primero que obró por reflejos y simplificó así el oficio de pintor... no expresando sino lo que le impresionaba a sus sentidos inmediatamente. »

« Siempre hay flores para el que desea verlas. »


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Estudio de Matisse en Collioure, (1905)

« Las ventanas siempre me han interesado porque son pasajes entre el exterior y el interior. »

« Dibujar es como hacer un gesto expresivo con la ventaja de la permanencia. »

« Sólo después de varios años de preparación, el joven artista debiera atreverse a tocar el color, no como descripción sino como medio de expresión íntimo. (…) Empleará entonces el color con discernimiento. Lo colocará de acuerdo con un dibujo natural, no formulario y enteramente oculto, que surgirá directamente de sus sentimientos; eso es lo que le permitió a Toulouse Lautrec exclamar, al final de su vida, “¡por fin!, ya no sé dibujar“. »

CURIOSIDADES ARTE Y ARQUITECTURA (Pág. 19)



Chicago Picasso Sculpture


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¿Sabías qué...? En función del punto de vista desde el que observemos la escultura creada por Picasso para la Plaza Daley de Chicago, ésta puede representar un animal, un objeto abstracto, y hasta el rostro de una mujer de perfil. La escultura cubista totalmente abstracta, —de 15 metros de altura en acero corten y 162 toneladas de peso—, está inspirada en la cabeza monumental de una mujer que Picasso estuvo estudiando durante al menos un año mediante diferentes bocetos y maquetas. La obra de Picasso se asienta sobre una plataforma rectangular que el artista ya había previsto en sus primeros bocetos, con la particularidad de contar con la altura suficiente para que las personas se puedan sentar a su alrededor, conviertiéndola así de este modo en un lugar de encuentro y recreo.


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Eros y Psique, por Antonio Cánova, (Neoclasicismo), Museo del Louvre, París, Francia, 1786-1793

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Cliente: John Campbell (Lord Cawdor)
Escultor: Antonio Cánova
Nombre Oficial: Psique reanimada por el beso del amor
Nombre alternativo: Eros y Psique
Tema: Mitológico
Material: Mármol blanco de Carrara
Técnica: Talla
Dimensiones: 155 x 168 cm.
Estilo: Neoclásico
Tipología: Grupo escultórico de bulto redondo
Localización: Museo del Louvre, París, Francia


Eros y Psique protagonizan una de las más bellas y tiernas historias de la mitología griega. La maravillosa historia, —narrada por una anciana con la intención de mitigar los temores de una jovencita a quien el destino había preparado funestos sucesos—, quedó inmortalizada en "Las Metamorfosis" de Apuleyo, o también conocida como el "Asno de Oro" de Apuleyo, única novela latina completa que se conserva, que fue creada por el escritor romano más importante del siglo II a. C. Lucio Apuleyo (125 d. C.-180 d. C) como una adaptación de un original griego. La preciosa historia cuenta que Psique era la menor y más hermosa de tres hermanas hijas de los Reyes de Anatolia (Turquía). A pesar de que sus dos hermanas mayores poseían gran atractivo y estaban bien proporcionadas, su belleza no podía compararse ni de lejos con la de Psique. La muchacha era tan bella, que provocó los celos de la mismísima Afrodita (Venus), la Diosa de la belleza. Para vengarse de su competidora, Venus ordenó a su hijo alado Eros (Cupido), que visitara a la joven y le clavase una flecha maligna que la hiciese enamorarse del hombre más feo, cruel y detestable del inframundo. Para cupido (el dios del amor), un trabajo de este tipo era coser y cantar..

Frase de la semana: Paul Cézanne

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jmhdezhdez_art, arte de José Miguel Hernández Hernández (Diseñador Gráfico e Ilustrador)

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(En construcción...)








HH205-Fibonacci Spiral











HH204-Sears Tower










HH202-Chrysler Building










HH201-Lady Liberty









HH200-Turning Torso


Frases y citas célebres: Gustav Klimt



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Gustav Klimt (1862-1918)


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Pintor Simbolista, Secesión de Viena-Sezessionstil (Artista Universal)




« Sé pintar y dibujar. Yo mismo me lo creo, y también otras personas dicen que se lo creen. Pero no estoy seguro de que sea cierto. Sin embargo, hay dos cosas que sí son seguras:

1. No existe ningún autorretrato mío. No me interesa mi propia persona como “motivo del cuadro”, sino más bien otras personas, sobre todo femeninas; aunque me interesan más otros fenómenos. Estoy convencido de que como persona no soy especialmente interesante. Nada hay en mí de especial. Soy un pintor que pinta un día sí y otro también, de la mañana a la noche. Cuadros figurativos y paisajes, raramente retratos.

2. La palabra, sea hablada o escrita, no es mi fuerte, y mucho menos si tengo que hablar sobre mí mismo o sobre mi trabajo. Hasta cuando me veo obligado a escribir una simple carta experimento angustia y sensación de mareo.

Por estas razones, habrá que renunciar a un autorretrato artístico o literario de mi persona. Cosa que tampoco es como para afligirse. Quien quiera saber algo sobre mí –como artista, que es lo único digno de atención– deberá contemplar atentamente mis cuadros e intentar inferir de ellos qué soy y qué quiero. », Gustav Klimt


Puente del Alamillo, Sevilla, España, 1987 — 1992

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ESPAÑOL

Cliente: Junta de Andalucía
Arquitecto-Ingeniero: Santiago Calatrava
Construcción: 1987-1992
Tipo de puente: Atirantado con pilón de contrapeso
Vano: 200 metros
Altura del pilón: 142 metros
Uso: Mixto, Tráfico rodado y peatonal
Estilo arquitectónico: Postmoderno
Fotografías: © José Miguel Hernández Hernández

Las Autoridades Locales de Sevilla encargaban al arquitecto Santiago Calatrava un puente para dar acceso a la Isla de la Cartuja donde se iba a celebrar la Exposición Universal de Sevilla en el año 1992. Es importante señalar que en su primer diseño Calatrava había previsto dos puentes simétricos y opuestos a cada lado de la Isla de la Cartuja para dar acceso a la importante Exposición. Posteriormente, debido a recortes excesivos en el presupuesto, el cliente prefirió realizar un solo puente más un viaducto de 500 metros de longitud total. El Puente del Alamillo se situó finalmente en el lado este de la Ronda de Circunvalación, atravesando el meandro de San Jerónimo, un afluente del río Guadalquivir. La obra moderna y vanguardista se convirtió enseguida en un auténtico icono arquitectónico para la ciudad dado el bello enclave donde se erigió.

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Calatrava situó la pasarela peatonal unos metros más elevada que la destinada al tráfico rodado; de esta forma, aparte de ofrecer una mayor seguridad para los propios usuarios del puente, éste se convirtió no sólo en un lugar de paso, sino también en un lugar de encuentro y de recreo / Calatrava placed the walkway a few feet higher than the intended traffic, in this way and to offer greater security for the users of the bridge, it became not only a place of transit, but also a place of meeting and recreation

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La Piedad de Miguel Ángel Buonarroti, (Renacimiento Italiano), Basílica de San Pedro, Roma, Italia, 1498—1499



Cliente: Jean Bilhères de Lagraulas (Cardenal de Saint-Denis)
Escultor: Miguel Ángel Buonarroti (Artista Universal)
Nombre Oficial: Piedad (Pietà)
Nombres alternativos: Piedad del Vaticano; Virgen della Febbre
Fecha de creación: 1498-1499 (363 días)
Estilo: Renacimiento Italiano (Quattrocento)
Material: Mármol blanco (Alpes Apuanos-La Toscana)
Tema: Religioso
Dimensiones: 195 cm. ancho x 174 cm. alto
Planta: Elipsoidal
Único viaje de la Piedad: Feria Mundial de Nueva York en 1964
Restauración tras el ataque: 1972-73
Localización: Capilla del Crucifijo, 1ª Capilla a la derecha de la
Basílica de San Pedro del Vaticano, Roma, Italia


Aunque todavía desconocido para muchos, desde muy temprana edad Miguel Ángel Buonarroti ya destacaba enormemente por encima del resto de artistas, por lo que, durante su primera estancia en Roma, su grandioso arte llamó poderosamente la atención del cardenal de la Basílica de Saint-Denis, Jean Bilhères de Lagraulas, —embajador de Francia en la Santa Sede del Vaticano—, quien para dejar un digno recuerdo de sí en esta famosa ciudad, encargó a Miguel Ángel una Piedad de bulto redondo, que, al concluirse, sería ubicada en San Pedro. No obstante, el encargo se llevó a cabo bajo algunas condiciones, ya que, tal y como figura en el contrato firmado en Roma, el 27 de Agosto de 1498, se trataría de « una Piedad de mármol, hecha con una Virgen María vestida sosteniendo en sus brazos a su hijo Jesucristo muerto, a escala natural ». El artista florentino conseguía así su primer encargo importante, por el que iba a cobrar 450 ducados de oro en moneda pontificia, y que debía realizar en el plazo de un año.



arriba, imagen de la antigua cantera conocida como "ladera del Polvaccio" o "cueva del Polvaccio", cuya particularidad radica en que su mármol posee una gran calidad para la talla. Por este motivo, desde la ya Roma Imperial (Edad Antigua) con la construcción de los Arcos de Trajano, y más tarde durante el tercer período de la Historia Universal, concretamente en la Edad Moderna (1492-1749), —en el que se desarrollaron sus dos más importantes estilos artísticos, como son el Renacimiento y el Barroco—, prestigiosos artistas como Miguel Ángel Buonarroti o Gian Lorenzo Bernini, entre otros, eligieron este preciso lugar para extraer el material con el que confeccionaron algunos de sus más importantes encargos. Tanto la Piedad del Vaticano, como las estatuas de la Tumba del Papa Julio II, —de donde saldría su espléndido Moisés—, fueron extraídas de este casi inaccesible lugar, situado en lo alto de las montañas de Carrara, alejado de la civilización. Jacopo Galli, representante de Miguel Ángel en dicho contrato, aseguró al cardenal benedictino que la obra estaría concluida en el plazo de un año, y que sería « la escultura mas bella de toda Roma, ya que ninguno de los Maestros actuales serían capaces de superarla ».


arriba, marina de Carrara, con los Alpes Apuanos al fondo, lugar de donde Miguel Ángel extrajo el bloque de mármol blanco en el que crearía su primera obra maestra, la Piedad del Vaticano.





El David de Miguel Ángel, Florencia, Italia, 1501 — 1504



ESPAÑOL

Cliente: Catedral de Florencia
Escultor: Miguel Ángel Buonarroti
Material: Mármol blanco (de Carrara)
Altura: 5.17 metros (sin incluir el plinto)
Técnica: Talla
Peso: 5.5 toneladas
Tipología: Escultura de bulto redondo o entero
Localización original: Plaza de la Señoría, Florencia, Italia
Localización actual: Desde 1873 en la Galería de la Academia de Florencia
Estilo: Renacimiento Italiano-Cinquecento

Apodado como « el gigante », debido a sus dimensiones, El David de Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) se ha convertido en la escultura más famosa del mundo por excelencia. En origen fue una enorme pieza de mármol propiedad de la Fábrica de la Catedral de Florencia, cuya particularidad es que había permanecido abandonada en el patio de un taller de la catedral durante nada menos que 25 años. Varios fueron los artistas que quisieron hacerse con tan preciado material para esculpir una gran escultura, el maestro Andrea Contucci dal Monte Sansavino, en un primer momento, así como Simone da Fiesole, quien a pesar de haber tenido la suerte de poder comenzar su talla, estropeó el bloque de tal forma, que los fabriqueros de Santa Maria del Fiore tuvieron que prohibirle seguir con los trabajos.


Retrato de Piero Soderini, 1483-1561, (Renacimiento), por Ridolfo del Ghirlandaio, Pintura al aceite, 67,5 x 51 cm., Colección privada desde 1958, Wildenstein, Nueva York / Portrait of Piero Soderini, 1483-1561, (Renaissance), by Ridolfo del Ghirlandaio, Oil Painting, 67.5 x 51 cm., Private collection since 1958, Wildenstein, New York

Es importante señalar que el encargo ya había sido propuesto por Piero Soderini (el gonfaloniero de la ciudad) al propio Leonardo da Vinci, quien tenía bastante experiencia con la escultura en bronce, rehusando también la oferta. El confaloniero o gonfaloniero es un alférez o portaestandarte, y en ciertas ciudades italianas (especialmente en Florencia), dio nombre durante la Edad Media y el Renacimiento a un cargo municipal (en italiano, gonfaloniere). Por suerte, estando todavía en Roma, —Miguel Ángel acababa de tallar su primera obra maestra, La Piedad del Vaticano—, gracias a varios allegados que tenía Miguel Ángel, le llegaron rumores (mediante carta) sobre la enorme pieza y se interesó por el proyecto haciéndose finalmente con el bloque de mármol; sin duda Miguel Ángel tenía un gran reto por delante.