La ronda de noche, 1640-1642, por Rembrandt, Barroco flamenco (Flandes), Rijksmuseum, Ámsterdam
▷ Arte / Pintura / Barroco Flamenco / Rembrandt / La ronda de noche
Aunque mundialmente se la conoce como "La ronda de noche", la realidad es que este nombre se debe simplemente a que la pintura se ha ido oscureciendo con el paso del tiempo, lo que previsiblemente le ha dado ese aspecto nocturno tan peculiar. Pintado por Rembrandt entre 1640 y 1642, y también conocido como "Ronda nocturna" o "Guardia nocturna", está considerado como una auténtica obra maestra de la pintura universal. El cuadro representa a la Compañía del Capitán Frans Banninck Cocq y el Teniente Willem van Ruytenburch, quienes figuran en primer plano siendo los verdaderos protagonistas de la escena. La espontaneidad y los gestos más sencillos de los personajes se ponen aquí de manifiesto en este espléndido lienzo de grandes dimensiones, nada menos que 363 x 437 cm., que podemos admirar en todo su esplendor en el Rijksmuseum de Ámsterdam.
Aunque mundialmente se la conoce como "La ronda de noche", la realidad es que este nombre se debe simplemente a que la pintura se ha ido oscureciendo con el paso del tiempo, lo que previsiblemente le ha dado ese aspecto nocturno tan peculiar. Pintado por Rembrandt entre 1640 y 1642, y también conocido como "Ronda nocturna" o "Guardia nocturna", está considerado como una auténtica obra maestra de la pintura universal. El cuadro representa a la Compañía del Capitán Frans Banninck Cocq y el Teniente Willem van Ruytenburch, quienes figuran en primer plano siendo los verdaderos protagonistas de la escena. La espontaneidad y los gestos más sencillos de los personajes se ponen aquí de manifiesto en este espléndido lienzo de grandes dimensiones, nada menos que 363 x 437 cm., que podemos admirar en todo su esplendor en el Rijksmuseum de Ámsterdam.
Curso de Arquitectura y diseño de interiores, por Nook Architects, un Curso de Domestika (TOP VENTAS)
▷ Cursos / Domestika / Arquitectura y Espacios / Curso de diseño de interiores de principio a fin
CURSO RECOMENDADO!! 👍 ▷ Curso de Diseño de interiores de principio a fin ✅ dirigido a estudiantes de interiorismo y arquitectura, y a cualquier persona que le interese la reforma de viviendas y el diseño en general. Si quieres conocer más información acerca del "Curso de Arquitectura y diseño de interiores" impartido por la Arquitecta y diseñadora de interiores Ana, de Nook Architects, te enseñará.. ver curso: ▷ https://cutt.ly/3ELVxrh
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La Danza, 1910, por Henri Matisse, (Fauvismo), Óleo sobre lienzo, 260 x 389 cm., Museo Hermitage, San Petersburgo
▷ Arte / Pintura / Fauvismo / Henri Matisse / La danza
Ritmo, color y forma. Éstos son los tres elementos con los que Matisse nos emociona de forma sobrecogedora en este espléndido lienzo de grandes dimensiones, nada menos que 260 x 389 cm., que representan la danza, el baile y la alegría de vivir sin preocupaciones como sino hubiese un mañana. La majestuosa obra, de estilo fauvista y llena de movimiento y dinamismo, forma parte del encargo realizado por Serguéi Ivánovich Shchukin a Matisse en 1910, que se complementa con otra obra pictórica de aproximadamente las mismas dimensiones llamada "La música", que también presenta cierta similitud con la anterior por haber sido pintada con las mismas tonalidades. La Danza debía decorar el hueco de la escalera del Palacio Trubetskoy, residencia habitual del mecenas, donde llegó a atesorar hasta 250 obras pictóricas realizadas por algunos de los más importantes pintores en su mayoría impresionistas y posimpresionistas como Monet, Renoir, Van Gogh o Gauguin, entre muchos otros. En un primer momento el artista hace un boceto en acuarela de grandes dimensiones que no gusta al magnate, ya que las figuras femeninas quedaban representadas totalmente desnudas y estarían visibles en un espacio público, expuesta a los ojos de todos; este hecho motivó que Serguéi pidiera a Matisse que vistiera las figuras, aunque posteriormente le convencerá para cambiar de opinión.
Ritmo, color y forma. Éstos son los tres elementos con los que Matisse nos emociona de forma sobrecogedora en este espléndido lienzo de grandes dimensiones, nada menos que 260 x 389 cm., que representan la danza, el baile y la alegría de vivir sin preocupaciones como sino hubiese un mañana. La majestuosa obra, de estilo fauvista y llena de movimiento y dinamismo, forma parte del encargo realizado por Serguéi Ivánovich Shchukin a Matisse en 1910, que se complementa con otra obra pictórica de aproximadamente las mismas dimensiones llamada "La música", que también presenta cierta similitud con la anterior por haber sido pintada con las mismas tonalidades. La Danza debía decorar el hueco de la escalera del Palacio Trubetskoy, residencia habitual del mecenas, donde llegó a atesorar hasta 250 obras pictóricas realizadas por algunos de los más importantes pintores en su mayoría impresionistas y posimpresionistas como Monet, Renoir, Van Gogh o Gauguin, entre muchos otros. En un primer momento el artista hace un boceto en acuarela de grandes dimensiones que no gusta al magnate, ya que las figuras femeninas quedaban representadas totalmente desnudas y estarían visibles en un espacio público, expuesta a los ojos de todos; este hecho motivó que Serguéi pidiera a Matisse que vistiera las figuras, aunque posteriormente le convencerá para cambiar de opinión.
El Grito, 1893, por Edvard Munch, (Expresionismo), 91 cm. x 73,5 cm., Pastel, National Gallery de Oslo, Noruega
▷ Arte / Pintura / Expresionismo / Edvard Munch / El grito
El grito (The Scream) de Edvard Munch está considerado uno de los iconos más reconocidos de la Historia del Arte, y ha sido reproducido en diferentes contextos, desde carteles políticos hasta películas de terror, inclusive hasta teniendo su propio emoji. La obra, de la que existen hasta cuatro versiones, y llamada en un principio "Desesperación", debido al cuadro titulado "Sick Mood at Sunset" (Estado de ánimo enfermo al atardecer), que Munch había pintado un año antes en 1892, —y que guarda cierta similitud con El Grito, no sólo por tratarse del mismo tema y por encontrarse en la misma localización, sino también por el mismo tamaño de formato—, es reconocida a nivel internacional como una de las obras más importantes y representativas del arte contemporáneo; « Caminaba con dos amigos por la carretera; entonces se puso el sol. De repente el cielo se volvió de un rojo sanguinolento, y sentí un estremecimiento de tristeza. Un angustioso dolor me oprimía el pecho. Me detuve, me apoyé en la valla, increíblemente cansado –lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el fiordo negro azulado y sobre la ciudad. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba atrás, temblando aterrorizado– y sentí el grito inmenso, infinito de la naturaleza. », Edvard Munch.
El grito (The Scream) de Edvard Munch está considerado uno de los iconos más reconocidos de la Historia del Arte, y ha sido reproducido en diferentes contextos, desde carteles políticos hasta películas de terror, inclusive hasta teniendo su propio emoji. La obra, de la que existen hasta cuatro versiones, y llamada en un principio "Desesperación", debido al cuadro titulado "Sick Mood at Sunset" (Estado de ánimo enfermo al atardecer), que Munch había pintado un año antes en 1892, —y que guarda cierta similitud con El Grito, no sólo por tratarse del mismo tema y por encontrarse en la misma localización, sino también por el mismo tamaño de formato—, es reconocida a nivel internacional como una de las obras más importantes y representativas del arte contemporáneo; « Caminaba con dos amigos por la carretera; entonces se puso el sol. De repente el cielo se volvió de un rojo sanguinolento, y sentí un estremecimiento de tristeza. Un angustioso dolor me oprimía el pecho. Me detuve, me apoyé en la valla, increíblemente cansado –lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el fiordo negro azulado y sobre la ciudad. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba atrás, temblando aterrorizado– y sentí el grito inmenso, infinito de la naturaleza. », Edvard Munch.
Un baño en Asnières, 1884, por Georges Seurat, (Neo-impresionismo: Escuela Puntillismo), Óleo sobre lienzo, 201 x 300 cm., National Gallery de Londres
▷ Arte / Pintura / Neoimpresionismo / Georges Seurat / Un baño en Asnières
Un baño en Asnières es, junto con "Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte", una de las obras maestras de Georges Seurat (1859-1891). El gran pintor francés, máximo representante del Neo-impresionismo, estilo vanguardista y revolucionario creado a través de la denominada Escuela Puntillismo, cuyas otras figuras más destacadas son Paul Signac o inclusive Vincent van Gogh, —quien se atrevió más tarde a emplear la técnica del divisionismo para realizar alguno de sus últimos autorretratos—, consistía en emplear una pincelada suelta y descompuesta (a modo de puntos) mediante los colores primarios, que ya habían establecido los maestros impresionistas como Monet, Renoir o Degas, entre otros. El efecto de los puntos básicos de color se ordenan en la retina del espectador para terminar de crear la imagen final. Esta minuciosa y dificultosa técnica pictórica requería de unos contornos precisos, figuras estáticas y escenas compositivamente sólidas. El resultado es un aspecto pálido y academicista, pero de una belleza extraordinaria que va mucho más allá de la simple pintura impresionista. Debido a las figuras estáticas, a quienes vemos pasando un rato agradable y placentero a orillas del río Sena en las inmediaciones de París, se respira mucha calma alrededor de la obra; « El arte es armonía. La armonía es la analogía de elementos contrarios y la analogía de los elementos similares de tono, color y línea », Georges Seurat.
Un baño en Asnières es, junto con "Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte", una de las obras maestras de Georges Seurat (1859-1891). El gran pintor francés, máximo representante del Neo-impresionismo, estilo vanguardista y revolucionario creado a través de la denominada Escuela Puntillismo, cuyas otras figuras más destacadas son Paul Signac o inclusive Vincent van Gogh, —quien se atrevió más tarde a emplear la técnica del divisionismo para realizar alguno de sus últimos autorretratos—, consistía en emplear una pincelada suelta y descompuesta (a modo de puntos) mediante los colores primarios, que ya habían establecido los maestros impresionistas como Monet, Renoir o Degas, entre otros. El efecto de los puntos básicos de color se ordenan en la retina del espectador para terminar de crear la imagen final. Esta minuciosa y dificultosa técnica pictórica requería de unos contornos precisos, figuras estáticas y escenas compositivamente sólidas. El resultado es un aspecto pálido y academicista, pero de una belleza extraordinaria que va mucho más allá de la simple pintura impresionista. Debido a las figuras estáticas, a quienes vemos pasando un rato agradable y placentero a orillas del río Sena en las inmediaciones de París, se respira mucha calma alrededor de la obra; « El arte es armonía. La armonía es la analogía de elementos contrarios y la analogía de los elementos similares de tono, color y línea », Georges Seurat.
Curso de escultura y modelado (Retrato en barro: Modela un rostro a escala real), por Efraïm Rodríguez, Domestika
▷ Cursos / Domestika / Bellas Artes / Escultura
CURSO RECOMENDADO!! 👍 ▷ Curso de escultura y modelado en arcilla: modela un rostro a escala real, ✅ dirigido a cualquier persona interesada en el arte de la escultura y el modelado en tres dimensiones y que tenga ganas de experimentar con el barro. Modalidad del curso 100% online!! (Áreas: Escultura y Bellas Artes). Si quieres conocer más información acerca del "Curso de Retrato en barro" impartido por el escultor, profesor y artista Efraïm Rodríguez, te enseñará.. ver curso: ▷ https://bit.ly/3hbD9PI
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La Noche estrellada, 1.889, por Vincent van Gogh, (Postimpresionismo), MoMA Museo de Arte Moderno NY
▷ Arte / Pintura / Postimpresionismo / Vincent van Gogh / La noche estrellada
La Noche estrellada de Vincent van Gogh es junto con La Libertad guiando al pueblo de Delacroix o El Beso de Gustav Klimt, entre otros, uno de los cuadros más famosos de todos los tiempos. Se trata de un lienzo de 73,7 x 92,1 cm. cargado de vida y gran fuerza expresiva, en el que Van Gogh nos muestra la belleza nocturna de la naturaleza a través de un bonito paisaje estrellado. El artista alcanzó un estilo tan personal y distinguido, —yendo un paso más allá que los maestros impresionistas—, que lo han hecho mundialmente famoso convirtiéndose junto con Cézanne o su gran amigo Paul Gauguin en una de las figuras más destacadas y representativas del movimiento postimpresionista. A pesar de que el artista solía pintar de madrugada a causa del gran número de transeúntes que le sorteaban a su paso cuando pintaba de día, el artista pintó La Noche Estrellada desde la ventana de la habitación del asilo de Saint Paul en Saint-Rémy, al sur de francia, donde se recluyó voluntariamente durante un año, entre 1889 y 1890, y en donde buscó cierto respiro, tranquilidad y desahogo para tratarse sus enfermedades mentales: « He puesto mi corazón y mi alma en mi trabajo, y he perdido mi mente en el proceso. ». A pesar de tratarse de un paisaje estrellado con un pueblo a sus pies, en el que destaca y sobresale la torre puntiaguda de una iglesia en el centro, éste fue fruto de la imaginación del artista, al igual que el ciprés, extremadamente alto, (apuntando hacia el cielo), y que figura a la izquierda, en primer término; « Sueño con pintar y luego pinto mis sueños. », Vincent van Gogh.
La Noche estrellada de Vincent van Gogh es junto con La Libertad guiando al pueblo de Delacroix o El Beso de Gustav Klimt, entre otros, uno de los cuadros más famosos de todos los tiempos. Se trata de un lienzo de 73,7 x 92,1 cm. cargado de vida y gran fuerza expresiva, en el que Van Gogh nos muestra la belleza nocturna de la naturaleza a través de un bonito paisaje estrellado. El artista alcanzó un estilo tan personal y distinguido, —yendo un paso más allá que los maestros impresionistas—, que lo han hecho mundialmente famoso convirtiéndose junto con Cézanne o su gran amigo Paul Gauguin en una de las figuras más destacadas y representativas del movimiento postimpresionista. A pesar de que el artista solía pintar de madrugada a causa del gran número de transeúntes que le sorteaban a su paso cuando pintaba de día, el artista pintó La Noche Estrellada desde la ventana de la habitación del asilo de Saint Paul en Saint-Rémy, al sur de francia, donde se recluyó voluntariamente durante un año, entre 1889 y 1890, y en donde buscó cierto respiro, tranquilidad y desahogo para tratarse sus enfermedades mentales: « He puesto mi corazón y mi alma en mi trabajo, y he perdido mi mente en el proceso. ». A pesar de tratarse de un paisaje estrellado con un pueblo a sus pies, en el que destaca y sobresale la torre puntiaguda de una iglesia en el centro, éste fue fruto de la imaginación del artista, al igual que el ciprés, extremadamente alto, (apuntando hacia el cielo), y que figura a la izquierda, en primer término; « Sueño con pintar y luego pinto mis sueños. », Vincent van Gogh.
Curso de Diseño y reforma de viviendas, por el Estudio de arquitectura y diseño de interiores Himera ( Domestika )
▷ Cursos / Domestika / Arquitectura y Espacios / Diseño y reforma de viviendas
CURSO RECOMENDADO!! 👍 ▷ Curso de Diseño y reforma de viviendas ✅ dirigido a cualquier persona apasionada del diseño y el interiorismo que quiera mejorar y reformar su casa o cualquier espacio arquitectónico interior. Si quieres conocer más información acerca del "Curso de Diseño y reforma de viviendas" impartido por el Estudio de arquitectura y diseño de interiores Himera, te enseñará.. ver curso: ▷ https://bit.ly/3fLppeX
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Guernica, 1937, por Pablo Picasso, Óleo sobre lienzo, 349,3 x 776,6 cm., Museo Reina Sofía, Madrid, España
▷ Arte / Pintura / Cubismo / Pablo Picasso / Guernica
El famoso Guernica de Picasso está considerado obra fundamental para el arte del siglo XX, y desde su creación “aparece como emblema ante cualquier episodio de violencia o vulnerabilidad de la población civil, convirtiéndose en un símbolo atemporal y a la vez universal, que viene a denunciar la destrucción implacable y criminal de la guerra abriendo un intenso debate artístico sobre la representación de conflictos bélicos”. Para ponernos en antecedente, el Gobierno Republicano encarga a Picasso un gran lienzo de 11 metros para el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París de 1937 previsto para el verano de ese año, ese es el origen de la obra. Sin embargo, esto ocurre cuatro meses antes del bombardeo de la ciudad de Guernica, en diciembre de 1936. El artista, que en ese momento está atravesando una crisis personal y creativa, sigue trabajando en otros proyectos y encargos particulares, y no será hasta finales de abril del año siguiente tras el incidente, cuando Picasso toma la tragedia de Guernica para llevar a cabo su más grande obra maestra. Como denuncia a la barbarie y el terror ocasionado por la guerra, Picasso toma este suceso para crear esta enorme y sobrecogedora tela de estilo surrealista y cubista que sorprendió al mundo.
El famoso Guernica de Picasso está considerado obra fundamental para el arte del siglo XX, y desde su creación “aparece como emblema ante cualquier episodio de violencia o vulnerabilidad de la población civil, convirtiéndose en un símbolo atemporal y a la vez universal, que viene a denunciar la destrucción implacable y criminal de la guerra abriendo un intenso debate artístico sobre la representación de conflictos bélicos”. Para ponernos en antecedente, el Gobierno Republicano encarga a Picasso un gran lienzo de 11 metros para el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París de 1937 previsto para el verano de ese año, ese es el origen de la obra. Sin embargo, esto ocurre cuatro meses antes del bombardeo de la ciudad de Guernica, en diciembre de 1936. El artista, que en ese momento está atravesando una crisis personal y creativa, sigue trabajando en otros proyectos y encargos particulares, y no será hasta finales de abril del año siguiente tras el incidente, cuando Picasso toma la tragedia de Guernica para llevar a cabo su más grande obra maestra. Como denuncia a la barbarie y el terror ocasionado por la guerra, Picasso toma este suceso para crear esta enorme y sobrecogedora tela de estilo surrealista y cubista que sorprendió al mundo.
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