Frases y citas célebres: Jaume Plensa




Jaume Plensa (1955)



Escultor, Grabador, Dibujante, Escenógrafo, Poeta, Artista Universal

Arte moderno y contemporáneo



« Lo maravilloso de la escultura es la imposibilidad de describirla y la relación directa, primaria, con la materia; tocarla para hablar de cosas que están por encima de nosotros. »

« El arte no es para especialistas, es para el corazón. Un día, durante una conferencia, me pasé una hora hablando de lo que me gustaba que la gente interactuara con mi obra, entonces una señora me preguntó: "¿Cómo lo podemos hacer si delante de su escultura hay un letrero que pone no tocar?"... Y le respondí: El museo se ha olvidado el resto de la frase: por favor, no tocar, acariciar... »

« Me preocupa la opinión de cada uno. A veces parece que repitamos ecos que nos vienen de ideas de otros. A mi me interesa que piensa cada individuo. Yo creo que mi obra siempre ha tenido una voluntad enorme de dar valor al individuo, a cada uno, y cada uno dentro del grupo, dentro de la comunidad. »


« Lo mejor del arte es que no vale para nada. Y esa es su gran fuerza. Aunque lo quieran destruir o suprimir, siempre sobrevivirá porque es muy fuerte. Como una flor que muere en invierno pero en primavera vuelve a surgir. »

« Muchos de mis retratos tienen los ojos cerrados, porque es una forma de enfatizar el mundo interior, de invitar al otro a mirar hacia adentro. Por supuesto, el mundo está lleno de cosas bellísimas, pero el interior de cada persona está lleno, en rinconcitos, y tiene cosas maravillosas escondidas, que parece que nunca salgan a la luz. »

« El atractivo del espacio público es que es único e irrepetible. Cada lugar tiene necesidades distintas muy precisas. Siempre he defendido que el arte no sirve para nada, y que precisamente por eso es tan importante y tan poderoso; es una no funcionalidad poética y por eso es tan necesario. En el espacio público esta no utilidad adquiere una carga aún más fuerte porque supone reintroducción de belleza y regeneración. Los arquitectos hacen formas muy sofisticadas y de una gran belleza, pero a menudo sin alma. El artista tiene la capacidad de insuflar una vida, de darle la última pincelada a un paisaje. »


« La cabeza es el verdadero taller de un artista. »

« El cuerpo humano es mi referencia. No entiendo de muchas cosas, pero cada día me veo en el espejo y he sido niño, adolescente, maduro. El cuerpo es un lugar maravilloso de experiencias. Es muy bello leer un texto a los 15 años y volver a hacerlo a los 50, porque el libro es el mismo, pero tú no, por tanto es una nueva lectura. »

« Lo interesante no es el artista sino la persona. Es decir, yo he defendido muchas veces que para hacer un buen arte, tu has de crecer cómo persona. El arte es una consecuencia de ello. Entonces todo lo que pasa por cada uno de nosotros, hay gente que no necesita fijarlo de ninguna manera, que ya es suficiente para el viviendo cada experiencia, igual que la vive, desaparece. Y después hay un grupo de gente que podríamos llamar artistas que se obsesionan en congelar este momento, que se obsesionan con fijarlo de alguna manera. Fijarlo de alguna manera que deje de ser una experiencia personal, para pasar a ser una experiencia colectiva, y esto creo que es un momento muy bonito de la creación, cuando ya no es tuyo, sino que es de todos. »


« Hay una belleza oculta dentro de cada uno de nosotros que sería bueno mostrar más. La escultura es una excusa, es como un espejo que puedo plantar delante de la gente para destacar esa belleza interior y esculpirla. Mi escultura trata de generar ese silencio, casi como una paz y una quietud en la que algo hemos dado en llamar el espíritu y el alma que se pueda expandir de una forma natural. »

« La obra se puede considerar la totalidad, aunque siempre se piensa que la mejor es quizá la que todavía no has hecho. »

« Las grandes piezas tienen un enorme poder mediático, mucho más que las estampas, los dibujos, las fotos y las obras de menor escala. Su eco es mucho más inmediato y poderoso. No desdeño ninguna escala y mantengo mi trabajo en el taller con piezas de todas las dimensiones e intenciones. »


« De niño, mi casa estaba llena de libros, y en mi formación visual fue antes el texto que las imágenes de obras de arte o las fotografías. La letra es una metáfora del ser humano. Es como una célula cargada de memoria. Las letras pueden formar palabras, y éstas textos, cultura, y finalmente pensamiento. Es como el átomo generador de todo el universo. »

« Siempre he trabajado mucho más fuera que en España. »

« Es inevitable tener curiosidad, y más para un artista. Cada soporte te permite expresar un tipo de idea, pero cada vez me he ido centrando y focalizando más en este mundo del volumen, el que quizá mejor me permite expresar sentimientos y emociones. La escultura es un herramienta maravillosa para trabajar en esa dirección. »


« A veces lo que cambia no es tanto el material como la actitud respecto a ellos. En realidad, el gran material del arte son las ideas. »

« He defendido la intervención del artista en el espacio público desde hace muchos años. Había un malentendido con la escultura pública; parecía que era para decorar rotondas y esto no es exactamente así. La escultura en el espacio público tiene esa intención de salir del museo, de acercarse a la gente, de introducir belleza en su vida cotidiana. Otra función es la de regenerar el espacio. »

Recuerdo que Anthony Caro estaba muy preocupado por la escala. Me decía, «Jaume, hay tres cosas fundamentales en escultura: la escala, la escala y la escala». Estoy de acuerdo, aunque sólo en parte. Mi aproximación a la medida es más abstracta. Creo que las palabras son un contenedor perfecto, pues tienen físicamente la medida exacta de su contenido. La palabra proporciona un registro físico común, un lugar abstracto compartido al que cada cual puede acceder con su propia memoria. Del mismo modo, la música es un lugar privilegiado para la abstracción, pues no genera imágenes descriptivas que bloqueen la posibilidad de ir más allá, algo que a veces sucede en las artes visuales.


« La idea nace con una forma, un peso, una medida o una técnica. Lo que tú has de hacer es acompañarlas en su crecimiento. »

« Una exposición es lo mas frustrante que hay siempre, porque tienes que decidir qué expones y qué no, sabiendo, en el fondo, que cada pieza tiene unas necesidades dentro del grupo y que unas se alimentan de otras. Cada obra es una obra íntima que nace de mi, para mi y conmigo. Una exposición siempre es una pequeña mentira, en el sentido de que, tu verdad es siempre más amplia, pero no puedes enseñarla toda. »

He trabajado con letras y las comparaba con la gente. Una a, una b, una c, parecen nada, pero en asociación pueden formar una palabra, y una palabra con otra palabra un texto, y un texto con otro texto, cultura. Yo creo que el ser humano es muy parecido. Es riquísimo en contenidos, un individuo sólo, pero en asociación con otros es cuando pueden formar comunidad, grupos, familias, ciudades, países, continentes. Yo creo que el ser humano como esencia es extraordinario, y es un territorio infinito que nunca se agota.


« Lo más grande tiene más eco mediático. »

« Siempre he dado mucho valor al dibujo como estructura de pensamiento en la obra. No dibujo constantemente, ni cada día, no soy un artista compulsivo sino que necesito tener la energía necesaria para dibujar. »

La obra no es necesariamente un material, esa basada en una idea, y entonces la idea a veces para expresarse necesita soportes o materiales distintos. La técnica no es la finalidad de una obra, es simplemente un medio.


« Las palabras son una herramienta de comunicación y no son las culpables del conflicto semántico. Somos nosotros los que las usamos mal. Una letra, que sola no es nada, en combinación con otra puede producir textos. Es una metáfora del mundo celular, pero también de la sociedad; una persona puede ser nada, pero con otros, forma una sociedad. »

« Muchas veces he dicho que mi formación se la debo a los poetas y no a los artistas. Mi padre era un gran lector, y nuestra casa estaba toda inundada de libros, y de música, pues él también tocaba el piano. Esta presencia de la vibración y de la palabra ha acabado siendo clave en mi obra. Mas adelante he conocido personas con las que me he sentido muy próximo, y de hecho no han sido artistas visuales sino poetas como Baudelaire, Dante, William Blake, Shakespeare, Goethe, Ginsberg, Kerouac, William Carlos Williams que era un poeta fantástico, José Ángel Valente, y por supuesto Vicent Andrés Estellés, un poeta valenciano que me marcó muchísimo, quizá el que más profundamente me ha tocado el corazón. Recuerdo que yo vivía en Berlín cuando descubrí su poesía, y me fui en peregrinación a Valencia a conocerle. »

Me gusta que la gente toque mi obra, que disfrute de esa dimensión epitelial. Pero, paradójicamente, también me atrae la capacidad que tiene la escultura para fomentar la abstracción. La escultura forma parte de mi naturaleza y supongo que siempre acabo haciendo escultura, con independencia del medio que utilice.


« Tengo la sensación de que las palabras flotan, nos van tatuando como una tinta invisible y, de pronto, alguien lee en tu piel y pasa a convertirse en tu cuerpo, en tu amante. »

« Cuando sacas tu obra del contexto íntimo de tu lugar de trabajo siempre se produce una sorpresa. Siempre tengo la voluntad de integrar el objeto en el lugar donde se expone. »

No tuve una formación visual temprana y nunca me han obsesionado las imágenes. En cambio, con el paso de los años me he ido dando cuenta de que la música de piano que tocaba mi padre o los libros que había en mi casa me han dejado una huella importante. Distintos elementos que se han ido incorporando a mi obra de forma progresiva y natural tienen su origen en este mundo familiar volcado en la palabra y la música. En especial, recuerdo el olor del interior del piano, donde me metía cuando no me veía mi padre. Me fascinaba el polvo que se acumulaba allí y, sobre todo, el modo en que reverberaba. Después me he dado cuenta de que aquella vibración de la materia era pura escultura.


« Cada punto de soldadura es como las cicatrices. »

« Cuando hice la escultura-fuente en Chicago, donde sale agua de las bocas de las personas, les pedí que cerraran los ojos. Siempre estoy intentando dar énfasis al mundo interior que llevamos oculto. Y mis figuras suelen aparecer en posición fetal: todo sucede dentro. »

La anatomía me fascina. La anatomía se rige no sólo por elementos orgánicos, también por cosas inexplicables. Y estas son las cosas que me interesan.


« El arte siempre es público. Es mejor decir arte en el espacio público. Da un punto muy democrático a la obra. Es una responsabilidad colocar una para alguien que no te lo ha pedido. Estamos en un mundo en que se da valor a lo útil, o a lo que creemos que es útil. Y el arte es cero útil, por eso es tan necesario, aunque suene a paradoja. Porque el arte va impregnando la sociedad lentamente, como la lluvia va mojando la tierra hasta que un día algo florece. Hasta que llega un momento en que las obras de arte forman parte ya de nosotros sin darnos cuenta, sin que hayamos reflexionado sobre ello. »

« La escultura ofrece a los hombres una relación directa con la divinidad. »

El dibujo me interesa mucho conceptualmente. Si quisiera crear una gran colección, sería de dibujos. El dibujo es el lugar donde realmente se crean tus estructuras de futuro. Eso es lo que lo define y no la técnica utilizada. En realidad, el dibujo es un laboratorio, un espacio donde desarrollar ideas con inmediatez y verificar intuiciones sin ninguna presión de tiempo o de lugar.


« Llegué al metal a través de mi fascinación por la transformación de los elementos por el fuego. Fui a ver a un herrero, porque por aquel entonces yo deseaba forjar, y éste me dijo; 'Mira, tienes que hacer lo que hizo mi padre conmigo, tirarte todo un invierno pasando un hierro de redondo a cuadrado y de cuadrado a redondo, y cuando acabe el invierno sabrás forjar'. Y así fue cómo empecé. »

« El arte es simplemente una excusa para hacer más bello lo que nos rodea. »

La escultura es tan esencial como lo más primitivo de nuestro ser. Los niños empiezan enseguida a manipular las cosas con sus manos y, en la naturaleza, la formación de las montañas, las erupciones volcánicas, la solidificación de formas, la erosión o la transformación del paisaje… todo ello es escultura en estado puro. La escultura es de una gran simplicidad, es como si te miraras al espejo: tú y tu cuerpo.


« Han pasado años en los que el cuerpo humano no estaba, pero porque la obsesión era la ausencia. Estaba el volumen. Yo creo que a lo largo de la vida tenemos unas ideas, muy pocas, y nos pasamos todo el tiempo desarrollándolas. El camino es uno. No hay varias vidas, hay una. Y esta vida va describiendo círculos, pero no en paralelo, en espiral. A mí siempre me ha ido mejor cuando mejor he entendido mis límites. Cuando sabes dónde acaba tu geografía entiendes mejor la geografía de los otros y puedes intentar explorar esos otros territorios. Lo que mejor conozco es mi cuerpo, no solo el exterior, también el interior. A partir de aquí he desarrollado mi obra. »

« El arte siempre es público. El espacio público es un territorio extraordinario en el que el arte y la comunidad pueden compartir cosas muy próximas. Creo mucho en el arte acercándose a la gente. »

« Cuando el visitante entra en mi exposición parece que busque la manera de no ser tan ruidoso. El silencio no existe, es un deseo inalcanzable, porque hasta nuestro cuerpo en sí mismo es muy ruidoso. La escultura tiene las herramientas justas para hablar sobre ello. »


Yo he creído mucho siempre en el grabado. Aunque a veces se le ha dado menos importancia de la que tiene. Yo creo que el grabado es un lugar para la experimentación extraordinario. Cuando digo grabado, no necesariamente quiere incidir en la plancha, el grabado se ha abierto también a las nuevas tecnologías. Hay infinidad de procedimientos y posibilidades que artistas jóvenes pueden explorar. Yo creo que el grabado es el gran laboratorio.

« Cuando expongo, me encanta hablar con los vigilantes de los museos para que me cuenten las mínimas reacciones de los visitantes al ver mis obras. »

Valoro mucho la individualidad, que no el individualismo, el sentido de identidad personal. Nunca me ha interesado el grupo entendido gregariamente, sino como una asociación de individualidades. Me fascina vivir en una época en la que se habla de globalidad, por mucho que en ocasiones tenga connotaciones negativas: es un arma de futuro extraordinaria porque deja patente que el mundo es un mosaico de individualidades, como la propia naturaleza. Para mí, un lugar es un espacio donde ocurren cosas. Así que el cuerpo es un lugar porque las cosas que vives, sólo las vives tú. Veo a cada individuo como una geografía en tránsito, una isla con un perímetro de costas perfectamente delimitadas de las que se puede levantar una carta geográfica perfecta y que está en un océano común que permite navegar de una isla a otra.


« Una exposición en un museo o en una galería podría ser como editar un libro después de pasar años escribiéndolo. En ello hay un trabajo personal e íntimo, en principio dirigido a ti mismo, que de pronto alguien considera interesante mostrar a los demás. El espacio público es muy distinto, en él se suele invitar al artista a aportar soluciones a un lugar que aún no está resuelto o no existe. Esta aproximación que en muchos casos es imperfecta se ha ido mejorando con la experiencia. »

« La relación arquitecto-artista se está normalizando y cada vez es más fluida. No hay competición posible entre ambos, y esto está dando sus frutos. Si el arquitecto crea cuerpos de gran belleza formal, el artista puede insuflar vida y crear el alma. El político está entendiendo lentamente la importancia de esta aportación que como decía el poeta es un arma cargada de futuro, combinando el mundo práctico del arquitecto con el mundo espiritual del artista. Para penetrar en este espacio llamado público y articularlo, se debe pensar en quién, como y porqué van a utilizarlo. El espacio es un paisaje y la obra del artista, la última pincelada de un trabajo global. »

Yo tengo mis exposiciones en galerías y museos, pero me interesa mucho también el espacio público. Incluso he rozado piezas casi de arquitectura. Yo creo que es por el amor a la comunidad, a lo social, al ser humano.


« He llegado a dibujar incluso órganos imaginados. He trabajado mucho sobre el cerebro, que es la parte más salvaje, la que está más fuera de nuestro control, allí donde dos ideas pueden provocar un cortocircuito. Para mí, el cuerpo es una pequeña metáfora del cosmos. Me gusta la idea de ese paralelismo entre una célula del cuerpo y una partícula del universo. Siempre estás en lo más grande y en lo más pequeño, constantemente. »

« La escultura tiene mucho que aprender de la poesía. »

Uno sólo puede hablar desde su propia experiencia. He sido alumno en una escuela de arte y a mí no me funcionó. He sido profesor en la Escuela de Bellas Artes de París y tampoco me funcionó. Creo en relaciones más dinámicas como charlas, seminarios o encuentros. Es importante comunicarse con los demás, hablar con gente mayor o más joven que tú. Lo realmente bueno de una escuela de arte es que puede ser un lugar de encuentro para gente con intereses similares. Pero lo que se pretende aprender allí se puede encontrar en otros sitios. De todos modos, aunque dejé la escuela, no me puedo llamar autodidacta. Uno encuentra sus propios profesores y los míos han sido extraordinarios. Hay una historia taoísta sobre un profesor que está con sus alumnos frente a una bandera que ondea. «¿Qué veis?», pregunta el profesor. « Una bandera, el viento la mueve », responde un alumno. « No, el mástil se mueve y mueve la bandera », sigue otro. Al final, el profesor dice: « No, es vuestro corazón el que se mueve ». Shakespeare, Blake o Estellés me han ayudado a formarme. Han sido grandísimos profesores. Al igual que aquel herrero que me aconsejaba cómo forjar y que me explicó: « Cuando era niño mi padre me hizo estar todo un invierno pasando un hierro de cuadrado a redondo y de redondo a cuadrado ».


« Mi padre tocaba el piano. En un piano vertical, y yo de niño me escondía dentro. Como el arpa interior es triangular, había un espacio. A veces tocaba sin saber que yo estaba dentro. Ahí aprendí la idea de la vibración entre las cosas. Cuando todo vibra y tú lo haces con ello. Esto me conecta con Blake, que es uno de mis poetas preferidos: « Un pensamiento llena la inmensidad. »

« No sé cómo interpretar la acumulación de premios. La creación de un artista es algo completamente personal y parece un milagro que alguien lo comparta. Que haya gente que se sienta próxima. Es un milagro que sorprende. »

Soy escultor. Todo lo que sea tocable, es algo que me interesa, no necesariamente físico, puede ser sonido, luz, pero los que siempre he tenido la sensación de que son acariciables de alguna forma.


« Como artista me debo a los poetas. »

« Una de las obligaciones del artista es introducir belleza en el día a día de la gente. »

Mi obra ha ido transitando por distintos territorios técnicos en función de mis intereses conceptuales. El cuerpo siempre ha sido el lugar común. Ya fuera por referencia, por ausencia o por presencia visual, todo ha girado a su alrededor en esta evolución. Los materiales son vehículos que cambian según tu actitud hacia ellos. El hierro, tan oscuro y opaco, cuando es líquido pierde toda su pesadez y se vuelve sólo luz y energía.


« A veces pienso que el artista es como un niño que al soplar una vela está creando un huracán, que al llorar provoca inundaciones, que al reír ilumina ese mundo aparentemente incomprensible que los mayores se obstinan en ocultar. »

« Es tan peligroso el fracaso como el éxito. La obra del artista es como un atleta, se ha de entrenar constantemente, gane las carreras o las pierda. No hacemos arte para tener éxito, hacemos arte para trascender. Es una necesidad interior del creador. »

El día que el arte sirva para algo está perdido.


« Para hacer buen arte hay que crecer como persona. »

« Yo me fui a vivir a Berlín cuando todos se iban a Nueva York. Mi primera exposición la hice en Francia, luego en Alemania. Después me fui a vivir a Bruselas, y de ahí, a París, donde todavía mantengo lazos, antes de regresar a Barcelona. Mi obra se ha visto desplazada por el mercado hacia Estados Unidos, Inglaterra, Japón, países que quizá han entendido mejor mi sensibilidad. En el año 2000 hice una exposición en el Reina Sofía, en Madrid, pero hace tanto que ya nadie se acuerda. A mí me encanta vivir aquí, pero prácticamente toda mi producción se va fuera. Tengo galería en Nueva York, Chicago y París. »

Un proyecto en un espacio público es algo muy ambicioso que entraña una gran responsabilidad. Primero, porque la gente que de verdad lo va a utilizar no te lo ha pedido y, segundo, porque puede fomentar la regeneración y la relectura de un lugar. Un proyecto en el espacio público es como la base de un perfume. Como sabe, para que un perfume preserve su aroma se usan productos que fijan su olor. Del mismo modo, la obra de arte en el espacio público, puede ser el elemento que ayude a fijar el perfume evanescente de la sociedad, de la gente que lo ocupa. Tal vez por eso mis proyectos buscan la relación con la gente, crear lugares de encuentro, puntos de catalización que, además, puedan hacer sentir a la sociedad que los usa un cierto orgullo, el sentimiento de que también el espacio público es su hogar.


« Si yo expongo en una galería o en un museo, irás pensando en que vas a ver obras de arte, después te gustarán o no. Pero en un espacio público soy yo quien tengo que ganarme la consideración de la gente como artista. Y eso me apasiona. En la calle no estás arropado. Es todo más democrático. Un encargo de obra pública para mí es una gran responsabilidad, y también una fuente de satisfacción. »

« Del dibujo salen las medidas, las proporciones y los materiales. Por eso siempre llevo libretas de notas encima. Mi oficina viaja conmigo, pero la obra sale de la cabeza y del corazón. »

« La transparencia permite que puedas pensar el paisaje como si estuviera dentro de las cabezas. »


« Las piezas con manos que tapan los ojos, los oídos o la boca, responden a la voluntad de mostrar que muchas veces la vista entorpece la lectura correcta de las cosas. A veces confiamos demasiado en sentidos que no son los adecuados, y poco en aquellos que no se ven, pero que están. »

« Mi actitud con el arte siempre ha sido muy romántica y hoy disfruto enormemente contemplando mis obras, me gustan, son bellísimas, algunas incluso hasta las lágrimas. »

« Tú eres la rutina, cada día que te miras al espejo ya estás pensando. Siempre me ha encantado envejecer pues te liberas de tu ego, lo que pasa es que en la escultura las cosas tienen corporeidad y necesitas ayuda, esa es la razón de que tenga ayudantes. Pero el gran estudio lo tengo en la cabeza, lo demás son prolongaciones necesarias. »

« Cada persona es un artista en potencia, estoy convencido de esto porque soy un gran observador, miro a la gente, mi obra está muy dedicada a la gente, ¡me apasiona la gente! »


« El arte no es una dirección sino una consecuencia. Por eso me resulta difícil entender una escuela de Bellas Artes, en el sentido de ¿qué es lo que vas a enseñar?. Lo importante en un creador es su cuerpo, su persona, su alma, su cabeza, el resto si no lo sabes lo aprendes. Lo que no se estudia es a crecer, y crecer quiere decir, aprender a respirar normalmente... por eso es tan bonito embejecer, pero no gracias al arte, sino gracias a la vida de la que el arte es un complemento maravilloso, porque te da el privilegio de mirar. Como artista lo mejor que te ofrece tu propio trabajo es el lujo de que sabes mirar, o al menos lo intentas. »

« Este siglo que empezamos promete ser interesante en cuanto al replanteamiento de valores, redefinir el significado de palabras demasiado gastadas por el uso y sobre todo revisar de nuevo las actitudes. Si decíamos que el arte es una forma magnífica de preguntar, también lo es su función de puente sobre el que otros puedan pasar. Es una suerte vivir entre dos siglos. »

« Es muy importante creer en ti. Ya no hay «fueras» ni «dentros». O estás en todas partes o no estás. No creo en un arte local o internacional, creo en el arte. A veces oigo: «Si no hablan de ti, no existes...» Es una banalidad. Existes porque existes y esta reafirmación individual es la fuerza del artista y de la creación. Nunca se ha de esperar una respuesta en el arte. El arte nace y es inevitable y esta es su gran fuerza. »


« El artista debe introducir belleza día a día. »

« Cierto día estando en el Japón, en una región cubierta por la nieve, se me ocurrió inventar un palacio para los pájaros. Era el año 1993 y desde entonces he ido retomando de vez en cuando esta idea de arquitectura imposible, empleando materiales distintos, como el hierro, el latón, el aluminio o el acero inoxidable. »

« Disfruto mucho de mis obras, creo que son bellísimas. »


« En arte cada obra es un pequeño fracaso, y eso está bien, porque es lo que te empuja a la siguiente. Aunque más que un fracaso, yo diría que es un naufragio. »

« Mi palabra favorita es murmullo. Siento una gran admiración por un escritor que se llamaba Elías Canetti. Él siempre introducía este concepto, de que sería bueno intentar ser tan incomprensible como el murmullo de los ángeles. Creo que siempre ha sido una de mis líneas de trabajo, y si hay una palabra que me gustaría recordar siempre es esa, MURMULLO. »

« The Crown Fountain ha sido como un resumen de todos los proyectos que he hecho a lo largo de los años.»
















« Mi reto es esculpir el silencio. »

« Si el arte tiene fuerza, es porque no sirve para nada, lo que lo convierte en un huracán, en un tsunami. Cuando el arte es de verdad y sincero, fluye como la poesía. »

« Cuando soñamos todo es posible. », Jaume Plensa





Frases célebres escultores famosos

Santiago Calatrava, 1951
Arquitecto, Ingeniero, Escultor, Dibujante, Pintor, Diseñador, Urbanista, Escritor, Ceramista, Escenógrafo, Artista Universal
(Arquitectura postmoderna, Ingeniería Civil, Arte Moderno y Contemporáneo)







Constantin Brancusi, 1876-1957
Escultor, Dibujante, Artista Universal
(Escuela de París)






Auguste Rodin, 1840-1917
Escultor, Dibujante, Grabador,
Artista Universal
(Romanticismo, Impresionismo, Expresionismo, Simbolismo)





Gian Lorenzo Bernini, 1598-1680
Escultor, Arquitecto, Pintor,
Dibujante, Urbanista, Escenógrafo,
Alquimista, Escritor, Artista Universal
(Barroco Italiano)





Miguel Ángel, 1475-1564
Escultor, Dibujante, Pintor, Arquitecto, Urbanista, Ingeniero, Poeta, Artista Universal
(Renacimiento Italiano)




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Mano del desierto de Mario Irarrázabal por PROA


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Frase de la semana / Phrase of the week

Hay obras extraordinarias que dialogan entre sí y se complementan, la Ópera de Sídney con el Puente de la Bahía, el Puente Golden Gate con la Pirámide de Transamérica, el Edificio Chrysler con el Empire State, y así un largo etcétera. / There are extraordinary works that dialogue and complement each other, the Sydney Opera House with the Bay Bridge, the Golden Gate Bridge with the Transamerica Pyramid, the Chrysler Building with the Empire State, and so on., José Miguel Hernández Hernández



( Algunas de mis reflexiones y pensamientos / Some of my reflections and thoughts )




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Frase de la semana / Phrase of the week

« Tienes que tener un alto concepto, no de lo que estás haciendo, sino de lo que puedes llegar a hacer algún día: sin eso, no tiene sentido el trabajo. » / « You have to have a high concept, not of what you are doing, but of what you can get to do someday: without that, you have no sense of work. », Edgar Degas



( Phrases and Famous Quotations / Frases y Citas Célebres )




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EDAD MODERNA (1492-1789): DESDE EL DESCUBRIMIENTO DE AMÉRICA POR CRISTÓBAL COLÓN EN 1492 HASTA LA REVOLUCIÓN FRANCESA EN 1789. ESTILOS ARTÍSTICOS: RENACIMIENTO, MANIERISMO, BARROCO Y ROCOCÓ.



El David, Piazza della Signoria, Firenze, Italy, by jmhdezhdez

La Edad Moderna se corresponde con el tercer período de la Historia Universal, que se desarrolla a partir del año 1492 con el descubrimiento de América por Cristóbal Colón, hasta el estallido de la Revolución Francesa en 1789. Será durante esta época cuando surgirán sus dos estilos artísticos más importantes como son: El Renacimiento y El Barroco (1580-1680); el Manierismo (1560-1615), también conocido como Bajo Renacimiento, y no tan importante como los otros dos, se le considera puente y nexo de unión entre ambos. De hecho, en las últimas obras de Miguel Ángel se aprecia una clara apariencia manierista, con las formas de sus figuras mucho más estilizadas, tal y como podemos apreciar en una de sus últimas obras, la Piedad Rondanini. No obstante, tanto El Greco, como Giorgio Vasari, serán dos de las figuras clave en este período.


arriba, La Última Cena, 1495-97, por Leonardo da Vinci, Pintura al temple-Pintura mural, 480 x 880 cm., (Renacimiento Italiano), Iglesia de Santa Maria delle Grazie, Milán, Italia

El Renacimiento, y más particularmente el Italiano, alcanzará su mayor grado de esplendor con la aparición de sus dos más importantes artistas, como son, Leonardo da Vinci, uno de los más grandes genios de todos los tiempos, y Miguel Ángel Buonarroti, uno de los escultores y artistas más geniales de todos los tiempos. No obstante, es también importante citar a artistas destacados como Rafael o Tiziano, entre otros. Como curiosidad, será en pleno Renacimiento, concretamente el 14 de Enero de 1506, cuando fue descubierta la mítica escultura del grupo conocido como Laocoonte, considerada como una de las más grandes obras maestras de la estatuaria griega, y que inspiró, entre otros, al propio Miguel Ángel Buonarroti.


arriba, izq. El David de Miguel Ángel en la Plaza de la Señoría de Florencia y dcha. La Gioconda de Leonardo da Vinci, (Museo del Louvre), consideradas por los expertos como la pintura y la escultura más famosas de toda la historia.

"Alto Renacimiento, Renacimiento maduro, Renacimiento pleno o Renacimiento clásico, es el periodo culminante o de apogeo del Renacimiento, que comprende los años finales del siglo XV y las primeras décadas del siglo XVI. Pueden utilizarse como hitos históricos para delimitarlo el descubrimiento de América (1492) y el saco de Roma (1527); y como hitos artísticos, para iniciarlo La Última Cena de Leonardo da Vinci (1495-1497) y para terminarlo la muerte del propio Leonardo (1519), la de Rafael Sanzio (1520), o una obra culminante del tercero de los grandes protagonistas del período: la Capilla Medicea de Miguel Ángel (1520-1534)".


arriba, Piedad, 1498-99, por Miguel Ángel Buonarroti, escultura en mármol, 174 cm. de altura, Renacimiento Italiano (Quattrocento), Basílica de San Pedro del Vaticano, Roma, Italia; abajo, vista contrapicado de la bóveda de la Capilla Sixtina pintada por Miguel Ángel, 1508-1512, perteneciente al Alto Renacimiento o Renacimiento clásico, en donde se trataba de imitar a los maestros antiguos con los mismos medios.



En el Barroco Italiano tenemos que destacar por encima de todo al gran artista multidisciplinar Gian Lorenzo Bernini, —escultor, arquitecto, pintor, dibujante, urbanista, escenógrafo, alquimista, escritor—, con obras tan destacadas en Roma como la Fuente de los Cuatro Ríos de la Plaza Navona o el Éxtasis de Santa Teresa, así como el diseño de gran geometría pétrea para la Plaza de San Pedro. Asimismo, es también importante citar al gran arquitecto del Barroco Italiano Francesco Borromini, así como algunos pintores importantísimos en Europa como Caravaggio en Italia, Rembrandt y Vermeer en los Países Bajos, Rubens en Bélgica, o Velázquez en España.


Éxtasis de Santa Teresa, (1647-52), por Gian Lorenzo Bernini, Barroco Italiano, escultura en mármol y motivos en bronce, Capilla Cornaro, Iglesia de Santa Maria della Vittoria, Roma, Italia

El estilo Rococó, que nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI, es el último movimiento de los cuatro en este período, que se convertirá en la antesala del estilo Neoclásico. El Rococó está considerado como la culminación del barroco y surge como reacción al barroco clásico que había sido impuesto por la corte de Luis XIV. En Pintura, Diana en el baño, (1742), obra de François Boucher, o en escultura los preciosos Caballos de Marly, obra de Guillaume Cousteau, —actualmente en el Museo del Louvre de París—, son sin duda algunas de las obras más destacadas.


arriba, vista de la Fontana de Trevi (1732-1762), en Roma, Italia, obra de Bernini, Nicola Salvi y otros, considerada como la fuente más bella y famosa del mundo.

El fin de la Edad Moderna en América varía según los países, ya que por ejemplo terminará en Estados Unidos con la Independencia del País en 1776, en Hispanoamerica entre 1809 y 1824, así como en Brasil en 1822. A partir de este momento se desarrollará un nuevo estilo llamado Neoclasicismo, donde se buscarán nuevamente las referencias a la antigüedad clásica griega y latina, —aludiendo a obras como el Partenón de Atenas—, donde surgirán obras importantes como la Estatua de la Libertad de Nueva York y el Monumento a Washington en Estados Unidos, o en Europa la Puerta de Brandenburgo de Berlín o la escultura Eros y Psique de Antonio Cánova, entre otras.





RENACIMIENTO






Puente de Rialto
Venice, Italy
Antonio da Ponte








Tumba de Miguel Ángel
Basílica de Santa Croce, Florencia, Italia
Giorgio Vasari y otros







HH128-Cúpula de San Pedro
Michelangelo Buonarroti
Rome, Italy










Técnica del Sfumato
Leonardo da Vinci









Frescos de la Capilla Sixtina
Rome, Italy
Michelangelo Buonarroti







El David
Piazza della Signoria, Florence, Italy
Michelangelo Buonarroti







Piedad
Basílica de San Pedro, Roma, Italia
Michelangelo Buonarroti





Frases Michelangelo Buonarroti
Italian Renaissance





Frases célebres Leonardo da Vinci
Italian Renaissance








BARROCO





Fontana de Trevi
Roma, Itala
Bernini y otros




Éxtasis Beata Ludovica Albertoni
Capilla Altieri, Iglesia de San Francesco a Ripa, Roma, Italia
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Moáis de la Isla de Pascua, (Easter Island) RAPA NUI



Autores: Étnia Rapa Nui
Fecha de creación: Entre el 400-1600 d.C.
Material: Piedra volcánica del lugar
Nombre oficial de las estatuas: Moái (Escultura en el lenguaje Rapa Nui)
Nombres Alternativos: Aringa Ora o Te Tupuna (En el lenguaje Rapa Nui significa Rostros vivos o Rostros vivientes de los antepasados)
Tipos de Moáis: Escoria Roja; Tuturi o Tukuturi (arrodillado);
Ahu Vai Uri; Ko Te Riku; Ahu Tongariki; Paro; Rano Raraku (Terminal)
Producción aproximada de Moáis: 1000; 300 de ellos localizados en la cantera Rano Raraku a medio terminar (algunos de hasta 20 m. de longitud, con un peso estimado en 200 toneladas)
Herramientas empleadas en su talla: Utensilios afilados de basalto y obsidiana;
también troncos de madera (árboles) y cuerdas para transportarlos de pie
Descubrimiento: Domingo de Pascua (de ahí su nombre), el 5 de abril de 1722 por navegantes europeos capitaneados por el marino neerlandés Jakob Roggeveen
Nombre oficial: Isla de Pascua; también Rapa Nui, que significa Isla Grande
Nombre alternativo: Isla de San Carlos (en deshuso)
Localización: Parque Nacional Rapa Nui, Isla de Pascua, Valparaíso, Chile
Declarada Territorio Especial desde julio de 2007


La isla de Pascua sigue siendo a día de hoy uno de los lugares más recónditos y misteriosos de nuestro planeta. No obstante, gracias a arqueólogos locales como Sergio Rapu, poco a poco vamos descubriendo algunos de los enigmas que rodean a las gigantescas estatuas denominadas moáis que habitan en la isla, y que tanto han dado que hablar. Lo que sí ya sabemos con certeza es que hace relativamente poco tiempo se ha descubierto que algunas de estas esculturas monumentales se encontraban semi-enterradas, en algunos casos hasta ocho metros de profundidad bajo tierra, con la particularidad de poseer diversas inscripciones líticas, (llamadas comúnmente "petroglifos" -en el argot arqueológico-), que todavía están siendo descifradas. Si para los expertos en la materia era ya muy difícil vaticinar la fecha aproximada del origen de la civilización Rapa Nui que las creó, este último e importante descubrimiento hace todavía más difícil si cabe la aclaración de este gran hallazgo histórico tan interesante y lleno de misterio. Sin duda los moáis de la Isla de Pascua están considerados como uno de los monumentos más famosos y queridos en todo el mundo, siendo un auténtico reclamo turístico para miles de turistas que visitan la isla cada año.


arriba, mapa de la isla de Pascua con el gráfico de los numerosos moáis que se encuentran localizados en las inmediaciones de la costa por prácticamente todo el perímetro de la isla, en el Océano Pacífico; abajo, bandera representativa

La Easter Island (Isla de Pascua), también conocida como "el ombligo del mundo" (Te Pito te Henua), -dada su lejanía con otras regiones y su localización geográfica-, que tiene una superficie de 163,6 kilómetros cuadrados o 63,2 millas cuadradas, —muy similar a las dimensiones de la ciudad americana de Washington D.C.—, se encuentra en el Océano Pacífico Sur, a unos 3750 km. o 2330 millas al oeste de la costa de Chile. No obstante, la tierra más cercana a la Isla de Pascua se corresponde geográficamente con la Isla Ducie, perteneciente al territorio británico de las Islas Pitcarn, que se encuentran localizadas a unos 2.075 Km. hacia el oeste.



La isla se formó hace 0,7 millones de años gracias a sus tres volcanes principales, Terevaka (el punto más alto de la isla), Poike, (el volcán más antiguo), y el Rano Kau (el cráter volcánico más grande y la maravilla natural más asombrosa, imagen superior), respectivamente. Además, hay que destacar también al volcán Rano Raraku, ya que fue la cantera de donde salieron todos los moáis. Las rocas de la isla se componen principalmente de hawaiitas y basaltos, ambas ricas en fierro y con afinidades a las islas Galápago (Archipiélago de Colón). Asimismo, también abundan las rocas piroclásticas como la toba volcánica, de las cuales están hechos la mayor parte de los moáis. El material utilizado para confeccionar los característicos sombreros de color rojo denominados pukao, fue extraído del pequeño volcán Puna Pau, que significa manantial seco, por lo que previsiblemente este lugar tuvo que tener agua en la antigüedad. Éste, se encuentra localizado al suroeste de la Isla de Pascua, muy cerquita de Hanga Roa. Se trata de un tipo de piedra volcánica de color rojo (también llamada escoria roja), que se caracteriza por ser muy blanda y fácil de tallar con un alto contenido en hierro, que le da ese color rojizo tan peculiar.



Las dimensiones de los pukao variaban en función de la altura o del tipo de moai al que iría destinado. No obstante, la media es de 2 metros de diámetro y 2 metros de altura. Algunos de los pukao que todavía se encuentran en la cantera Panu Pau y que seguramente irían destinados a alguno de los moais que se encuentran semienterrados en Rano Raraku, miden hasta 3 metros de diámetro, con un peso estimado de 12 toneladas. La aparición de los pukao fue muy tardía, ya que se comenzaron a introducir entre los siglos XV y XVI, siendo destinados a los moais de mayor envergadura y máximo apogeo de la cultura Rapa Nui. Su construcción era muy similar al método utilizado para esculpir las gigantescas estatuas, ya que se tallaban en la cantera con los mismos utensilios afilados de basalto y obsidiana, y con la particularidad de que, al tener forma redonda, se trasladaban haciéndolos rodar hasta su destino final. El pukao se colocaba en la cabeza del moái, justo antes de ponerlo de pie sobre la plataforma. Existen unos 100 pukaos por los 1000 moais existentes aproximadamente que se encuentran repartidos al pie de la costa por prácticamente toda la geografía de la isla. Tal y cómo ya se ha sugerido, en los pukao se ha encontrado cierta similitud con los tocados o el pelo largo de los antiguos sacerdotes que habitaban el lugar (los antiguos jefes de cada tribu), quienes se lo enrrollaban en la cabeza como una especie de moño.



Las icónicas esculturas creadas por los indígenas de la civilización Rapa Nui talladas en roca volcánica que superan en algunos casos las 80 toneladas de peso, fueron repartidas al pie de la costa, por prácticamente todo el perímetro de la isla; cada Moái, que representa los ancestros (a una familia de la etnia Rapa Nui), se erigía de espaldas al océano pacífico, para que pudiese ser admirado por el pueblo, que se situaba justo a sus pies. El nombre de "moái" significa en el lenguaje Rapa Nui, "escultura".


arriba, el Ahu Tongariki con los 15 moáis, sin duda uno de los más famosos y representativos de la Isla de Pascua. El único moái con Pukao, esa especie de sombrero de color rojo, tiene una altura de nada menos que 14 metros. Para poder apreciar mejor las enormes dimensiones de los moáis que se encuentran en esta plataforma, es interesante caminar por detrás de la misma.

"Como sucedió con los demás ahus, en algún momento de la historia, los Rapa Nui derribaron los moáis de Tongariki. Pero además de esto, el terremoto de 9,5 puntos en la escala de Richter, que en 1960 asoló la costa chilena de Valdivia, provocó un gran tsunami en el Pacífico con olas que en la Isla de Pascua alcanzaron hasta los 11 metros de altura, olas que impactaron de lleno en este ahu y arrastraron a los moáis hasta 100 metros tierra adentro, dañándolos muchísimo". En un primer momento se pensó que los pobladores encontrados en la isla procedían de América del Sur, sin embargo, recientes pruebas de adn han demostrado que los pobladores de la isla eran polinesios.


Triángulo Polinesio. 1. Hawai; 2. Nueva Zelanda; 3. Isla de Pascua; 4. Samoa; 5. Tahití. Mil años antes que Colón, los polinesios conquistaron hacia el este las islas más grandes en un radio de dos millones de millas cuadradas, lo que se conoce como el triángulo polinesio; desde Samoa a Hawai y Nueva Zelanda, pasando por Tahití y finalmente llegando a Easter Island (la Isla de Pascua). Aprovechando las corrientes marinas, los navegantes polinesios llegaron a la Isla de Pascua en canoas en algún momento entre los años 400-800 d.C., por lo que resulta realmente sorprendente que la etnia Rapa Nui pudiese haber subsistido -más de mil años- en la isla hasta que llegaran los primeros navegantes europeos.



Tipos principales de Moáis: (nombre/zona/altura)
A) Moái Escoria Roja (Tahai) 2,5 m.
B) Moái Tuturi o Tukuturi -arrodillado- (Rano Raraku) 3,00 m.
C) Moái Ahu Vai Uri (Tahai) 4 m.
D) Moái Ko Te Riku (Tahai) 5,5 m.
E) Moái Ahu Tongariki (Hotu Iti) 7 m.
F) Moái Paro (Ahu Te Pito Kura) 9 m.
G) Moái Rano Raraku -Terminal- (Rano Raraku) 10 m.


arriba, bellísima imagen de los numerosos Moáis que fueron abandonados al pie de la cantera por la imposibilidad de transportarlos debido a su gran tamaño. Algunos de ellos, debido a sus grandes dimensiones, ni siquiera pudieron ser colocados en pie.

Debido a las grandes dimensiones de los moáis, recientes estudios han demostrado que las gigantestas estatuas, —de entre 2,5 y 14 metros de altura y hasta 80 toneladas de peso—, podrían haber sido transportadas "de pie" desde la cantera Rano Raraku por varios grupos de trabajadores mediante fuertes cuerdas en algunos casos hasta 18 Km. de distancia hasta los Ahu, unas plataformas de piedra donde finalmente se emplazaban a los moáis. Es muy importante señalar que con la plataforma se ganaba altura, de forma que los moáis adquirían un mayor protagonismo, ya que podían destacar y ser mejor observados y admirados por el pueblo. Hasta el momento, dos eran las hipótesis que se barajaban en relación a cómo pudieron haber sido transportados los moáis desde la cantera Rano Raraku hasta llegar a su lugar de destino. La primera, de forma horizontal, (con la ayuda de troncos de madera), y la otra en vertical, (de pie), previsiblemente a día de hoy la teoría más probable.


arriba, interesantísimo experimento llevado a cabo en la isla de Hawai por National Geographic bajo la supervisión de los arquéologos Terry Hunt y Carl Lipo, en el que se demostró que los moáis pudieron "caminar" por la Isla de Pascua.

Los recientes estudios llevados a cabo en 2012 por los investigadores Terry Hunt y Carl Lipo, -con el apoyo incondicional de National Geographic-, para el que se creó la réplica de un moái de 3 metros de altura y 5 toneladas de peso mediante una impresora 3D específicamente destinado para este proyecto, se pudo demostrar que las gigantescas estatuas pudieron haber "caminado" literalmente por la isla con la ayuda de fuertes cuerdas y tres grupos de personas.


arriba, imagen del moái tuturi o tukuturi, también conocido como "moái arrodillado", (el único de la isla), —de 3 metros de altura—, con el famoso Ahu Tongariki, al fondo de la imagen

La base de los primeros moáis, los más pequeños —de entre 2,5 y 3 metros de altura—, los indígenas los tallaban de forma convexa. Sin embargo, recientes estudios (verificados por el prestigioso arqueólogo local Rapa Nui Sergio Rapu Haoa), afirman, que la base de los últimos moáis eran tallados de forma cóncava, de manera que los moáis pudieron caminar "con relativa facilidad" por la isla hasta los Ahu, las plataformas ceremoniales donde se enterraba a los ancestros, en algunos casos hasta 20 Km. de distancia desde el lugar de origen (la cantera). Es importante señalar que el centro de gravedad de los primeros moáis, -los más pequeños-, se situaba en la parte superior de las estatuas, más o menos a la altura del pecho, mientras que en el caso de los últimos moáis, (los terminales, los que se encuentran semi-enterrados en la ladera de la cantera del volcán Rano Raraku), el centro de gravedad baja.

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arriba, ojo de moái encontrado en la Playa de Anakena, trozos de coral blanco para el globo ocular y piedra circular de roca volcánica en color rojo -similar a los Pukao (sombreros de los moáis)- para representar el iris y la pupila, Museo Isla de Pascua.

Otro de los hallazgos interesantes descubiertos en 1978 por el propio Sergio Rapu, es que después de encontrar 57 fragmentos de coral blanco, finalmente, uniendo cuatro de ellos, se demostró que coincidían y formaban parte del rostro de un moái que afortunadamente yacía boca arriba, y cuya cara había quedado protegida por la arena. Esto venía a corroborar el término conocido como "Aringa Ora" en la tradición oral del lenguaje Rapa Nui, que se podría traducir como "rostros vivos" o "rostros vivientes de los antepasados", los cuales daban vida propia a los moáis.


Después de realizar las excavaciones, sorprende enormemente, no sólo la enorme altura de los moáis, —en algunos casos enterrados hasta ocho metros de profundidad—, sino además, las diversas inscripciones líticas (Petroglifos) halladas prácticamente intactas por encontrarse bajo tierra. La erosión de la cabeza situada a la intemperie durante siglos, contrasta en gran medida con el material enterrado de color más claro.




12 fueron las tribus Rapa Nui que vivieron en la Isla de Pascua durante más de un milenio. Éstas, que delimitaron su propio terreno, tuvieron siempre su porción de mar. El ecosistema de la isla fue muy bueno al llegar, lleno de vegetación con numerosos árboles. Alrededor del año 1600 d.C se produjo una deforestación de la isla, los pobladores se quedaron sin recursos y se produjeron las primeras guerras entre las tribus, fundamentalmente por la ausencia de alimentos; durante estas guerras, algunos de los moáis fueron seriamente dañados.



Con el fin de terminar con años de lucha y lograr la paz en la isla, los Rapa Nui crearon el ritual del culto al hombre pájaro. Esta difícil prueba consistía en encontrar los nidos y recoger el primer huevo de la camada del ave manutara que habitaba en el islote Motu Nui, el más grande de los tres. Una vez al año, un representante de cada tribu, llamado comúnmente en el lenguaje Rapa Nui Hopo Manu, debía descender por los peligrosos acantilados de Orongo de nada menos que 324 metros de altura, —la misma que posee hoy la Torre Eiffel de París—, y nadar unos 2 Km. entre tiburones hasta el mismo para recogerlo.


Antes de participar en la ceremonia del Hombre-Pájaro, los Hopo Manu (Competidores) celebraban una comida ritual llamada "Umu Tahu" y pintaban sus cuerpos con "Kitea", pigmentos minerales de diferentes colores que extraían de los propios acantilados de la isla.



Cada competidor (Hopo Manu), debía volver nadando y subir el acantilado de Orongo hasta la cima con el huevo del ave manutara intacto atado a la frente. El primer Hopo Manu en entregarlo a su Arakiri (Rey), era convertido en Tangata manu (Hombre-Pájaro), el Jefe Religioso y Político de la isla durante un año. De esta forma, con un único líder, podía reinar por fin nuevamente la paz en la isla. El manutara, que era considerado un ave sagrado y sus huevos un símbolo de poder y fertilidad, fue una de las pocas especies de aves que siguió emigrando a Easter Island después de que desaparecieran los árboles.

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arriba, símbolo del hombre pájaro. Ésta bellísima inscripción aparece representada no sólo en algunas rocas del acantilado de Orongo, así como en algunas piedras elipsoidales encontradas en la isla, sino además, en la propia espalda de numerosos moáis; abajo, tres Hopo Manu (competidores) nadando sobre poras o tablas de juncos simulando hoy en día la competición del hombre pájaro.



La isla fue descubierta por navegantes europeos holandeses capitaneados por el marino neerlandés Jakob Roggeveen un domingo de Pascua, concretamente el 5 de abril de 1722, de ahí su nombre. Alrededor de 4.000 Rapa Nui habrían vivido en la isla hasta la llegada de los primeros europeos en el siglo XVIII. Con la llegada de los colonizadores llegaron las armas de fuego, la esclavitud y las enfermedades como la viruela y la tuberculosis, de modo que a finales del siglo XIX ya sólo quedaban en la Isla de Pascua 111 Rapa Nui, de los cuales sólo 36 tuvieron descendencia.


Los últimos moáis, los más altos, aunque mucho más estilizados que las primeras creaciones, a mi juicio fueron abandonados a los pies de la cantera del Volcán Rano Raraku por la imposibilidad de transportarlos debido a su gran tamaño. La imagen superior demuestra que algunas esculturas se caían boca abajo al intentar llevárselas hacia el pueblo de cada tribu por los diferentes caminos que existían antiguamente.

Los moáis que yacen semi-enterrados poseen diversas inscripciones líticas que todavía están siendo descifradas. A éstas inscripciones se las conoce como Petroglifos. Según la RAE, la Real Academia Española de la lengua, un petroglifo es una "figura hecha por incisión en roca, especialmente la realizada por pueblos prehistóricos". Otra de las curiosidades interesantes que se pueden deducir es que los Rapa Nui fueron mejorando y perfeccionando los moáis consiguiendo cada vez mayor altura y mejores acabados mediante formas más estilizadas; no obstante, es importante señalar que las tribus también compitieron por construir el moái más alto. Tal y ya como se ha sugerido, el jefe religioso y político de cada tribu, (los sacerdotes), motivaban a su tribu para competir y construir los moáis cada vez más grandes y estilizados, pero también más bellos.



Las esculturas se remataban en la parte superior con un pukao, una especie de sombrero realizado en piedra volcánica de color rojo. Además, los ojos de las estatuas se decoraban con placas de coral blanco, lo que convertía las esculturas en rostros vivos, que se conocen como Aringa Ora. La isla también recibió el sobre-nombre de isla de San Carlos por el navegante español Felipe González Ahedo, que la denominó así en honor al rey Carlos III de España. Sin embargo, dicho nombre cayó rápidamente en desuso; abajo, imagen del Ahu Tongariki, el mayor de la isla y de toda la Polinesia en este género. Un triste terremoto y tsunami ocurrido en 1960 derribó los 15 moáis pertenecientes a esta majestuosa plataforma ceremonial de 220 metros de longitud total. Las gigantescas estatuas habían caído hacia el interior de la isla. Años más tarde, gracias a una grúa japonesa, los 15 enormes moáis pudieron ser colocados en pie.


arriba, uno de los mejores ejemplos de Ahu (plataforma ceremonial) lo podemos encontrar en Hanga Nui, al sudeste de la isla, -muy cerquita de la cantera del volcán Rano Raraku-, donde se erigen espléndidos de espaldas al océano pacífico 15 Moáis Tongariki. Su longitud total, de 220 metros, lo convierten en la estructura más grande de esta naturaleza en toda la Polinesia. El pueblo de cada tribu, que se situaba justo a sus pies, contemplaba cada día la escena atónito.



En la actualidad, con una población de algo más de 5.000 habitantes que viven del turismo y la pesca, los Rapa Nui viven en Hanga Roa, el único núcleo de población de la isla; éste, que se sitúa en la zona sur-oeste, cuenta con su propio puerto, aeropuerto, numerosos hoteles y restaurantes. La realidad es que un gran barco lleno de turistas llega casi cada día a la Isla de Pascua. Los famosos moáis son el auténtico reclamo turístico de la isla, que hacen que aproximadamente unas 50.000 personas la visiten cada año. Como curiosidad, el primer vuelo a la isla de Pascua se produjo el 20 de Enero de 1951 con el avión llamado "Manutara", en honor al ave que habitaba el islote Motu Nui.



Después de esculpir gran parte del moái directamente sobre la roca mediante utensilios afilados de basalto y obsidiana, se extraía de la misma boca arriba; posteriormente, se hacía deslizar acostado por la ladera con la ayuda de unas cuerdas hasta desembarcar en un foso. Después de poner el moái en pie, se terminaba de esculpir la espalda, perfilándose también los brazos y demás acabados, incluyendo las distintas inscripciones. Una vez concluido el moái, se transportaba hasta su lugar de destino por medio de uno de los tres caminos principales que existían antiguamente. Este procedimiento demuestra que los Rapa Nui pasaron gran parte de su tiempo en la cantera esculpiendo numerosos moáis.



La Isla de Pascua forma, junto con la deshabitada Isla de Salas y Gómez, una de las ocho provincias de Valparaíso, Chile. Sin embargo, para proteger el gran hallazgo histórico de los Moáis, en Julio de 2007 la Isla de Pascua fue declarada Territorio Especial, de modo que su Gobierno y Administración son regidos actualmente por un Estatuto Especial. Para preservar los bellísimos restos arqueológicos de este mágico lugar, se creó el Parque Nacional Rapa Nui, que fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1995. Además, el conjunto de las casi mil estatuas de moáis que se encuentran en la isla de Pascua, fueron finalistas en el concurso internacional muy importante celebrado en 2007, que consistía en elegir a las Nuevas 7 Maravillas del Mundo por votación popular.


arriba, preciosa imagen del famoso moái hundido. Este moái es falso, y fue creado en 1994 para una película de Hollywood que posteriormente tiraron al mar. A pesar de este hecho, las aguas cristalinas de la isla gozan de una increíble salud.

Al no poder llevarse los últimos Moáis después de deslizarlos por la ladera de la cantera, los Rapa Nui tallaron distintas inscripciones en ellos y luego los semi-enterraron; no hay que olvidar que los moáis representaban a una familia de la etnia Rapa Nui. Cuando una persona muere, normalmente se la entierra como a un difunto. El hecho de dejar la cara al descubierto era una forma de poder reconocerlos. Dada la lejanía de la Isla de Pascua con otras regiones, y con el fin de seguir preservando su ya debilitado ecosistema, —los moáis se están deteriorando cada vez más rápido—, se ha planteado por parte de las autoridades locales que sean los mismos turistas los que se lleven consigo la propia basura que estos generen.



Me gustaría destacar que los famosos moáis creados por la civilización Rapa Nui, —que aportan auténtica identidad propia a la isla—, junto con los últimos pobladores de la etnia que aún habitan en Hanga Roa, forman parte del vivo testimonio de una civilización admirable que vivió aislada del resto del mundo durante más de -mil años-, que supo salir adelante por sí misma mediante los recursos que obtuvieron de la propia isla y el mar, convirtiéndose en un grandísimo ejemplo de supervivencia, esfuerzo y superación.

Dibujos / Ilustraciones / Drawings (© José Miguel Hernández Hernández, No usar sin permiso en ningún medio, Todos los derechos reservados jmhdezhdez.com)

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MOAI KO TE RIKU (AHU TAHAI)


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MOAI DE LA PLAYA DE ANAKENA (AHU NAU NAU)


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MOAI HOA HAKANANAI'A (TAURA RENGA)
(ALDEA CEREMONIAL DE ORONGO-VOLCÁN RANO KAU)
DESDE 1869 EN EL MUSEO BRITÁNICO DE LONDRES


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MOAI PARO (AHU KO TE PITO KURA)


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MOAI AHU TONGARIKI (HANGA NUI)


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MOAI RANO RARAKU (TERMINAL)


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SÍMBOLO DEL HOMBRE PÁJARO ESTILO POLINESIA


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DÍPTICO EASTER ISLAND ILLUSTRATION CONTRASTE CYAN-NARANJA



Mapa


Texto, Ilustraciones finales y Edición:
© José Miguel Hernández Hernández
Todos los derechos reservados jmhdezhdez.com

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Sergio Rapu Haoa, prestigioso arqueólogo local Rapa Nui




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