EXPRESSIONISM / EXPRESIONISMO






EXPRESIONISMO (ARQUITECTURA)




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EXPRESIONISMO (ESCULTURA)




Mount Rushmore National Memorial
Pennington, South Dakota, USA
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El Pensador
Museo Rodin, París, Francia
Auguste Rodin








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Amedeo Modigliani
Pintor, Escultor, Dibujante,
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Pintor y Dibujante,
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El Pensador (Le Penseur), por Auguste Rodin, Bronce, 1903, Museo Rodin, París, Francia



Nombre: El Pensador
Material: Bronce
Dimensiones: 180 cm. x 98 cm. x 145 cm.
Peso: 650 Kg.
Tipología: Escultura-Monumento de bulto redondo
Estilo: Impresionismo; Expresionismo; Simbolismo
Aspecto inacabado de la obra: Impresionismo; Fuerza expresiva del personaje: Expresionismo; Escala monumental (dimensión universal): Simbolismo
Fecha de fundición: 1903
Ubicación originaria (Taller del artista-Meudon): Desde 1903 hasta 1906
Primera exposición al público (Delante del Panteón de París): Desde 1906 hasta 1922
Localización actual (Jardines del Museo Rodin de París): Desde 1922 hasta el presente
Concepción original: 1880, Escultura en yeso patinado de 70 cm. de altura para decorar la parte superior de la Puerta del Infierno (Puerta Monumental de acceso principal al nuevo Museo de Artes Decorativas de París)
Nombre anterior: El Poeta (Dante)
Primera ampliación (ya como obra autónoma sacada de la Puerta del Infierno): 1888
Segunda ampliación "Monumental": 1903


El famoso Pensador es la obra más célebre de Auguste Rodin (1840-1917), y una de las esculturas más geniales de todos los tiempos. Representa a Dante, el poeta que creó la "Divina Comedia", (el libro más famoso del autor), considerado obra maestra de la literatura italiana y universal, fundamental para entender la transición del pensamiento medieval al renacentista. La idea original de esta icónica escultura data de 1880, cuando el Estado francés encargó a Rodin una "Puerta Monumental" que debía convertirse en el acceso principal al nuevo Museo de Artes Decorativas de París, aunque con algunas condiciones. Las premisas del encargo consistían en que la obra debía estar decorada con once bajorrelieves representando la Divina Comedia de Dante. Para el personaje principal, el artista crea un primer modelo delgado y aislado del resto del monumento que no le convence, aunque más tarde nacerá su "Pensador". Titulado en un primer momento como "El Poeta" (en alusión a Dante), el personaje principal consistía en un modelo en yeso de unos 70 cm. de altura que iba a presidir el tremó (la parte superior) de la Puerta del Infierno (1880-1890). Rodin creó a un hombre desnudo sentado sobre una roca en actitud pensativa, con la tensión muscular omnipresente en toda la obra. « ...incluso en las obras en las que el aspecto de la acción no está en primer plano siempre me propuse enfatizar los gestos; muy rara vez representé el estado de la inmovilidad absoluta. Siempre he tratado de expresar los sentimientos internos a través de la tensión muscular...Sin la vida, el arte no existe. », Auguste Rodin.


arriba, La Puerta del Infierno de más de 6 m. de altura, por Auguste Rodin, Fundición en bronce de 1928 para los exteriores del Museo Rodin de París, (Simbolismo), 635 cm. x 400 cm. x 85 cm.; abajo, detalle.



Después de alcanzar el suficiente grado de madurez sobre el encargo de la Puerta del Infierno, el artista expresa su opinión sobre ello: « En el frente de esta puerta, pero sobre una roca, profundamente absorto en su meditación, Dante sacó a la ley las formas para su poema. Detrás de él están Francesca, Paolo y todos los personajes de la Divina Comedia. Este proyecto quedó anulado. Delgado y ascético en su sencilla bata y aislado dentro del conjunto, mi Dante no hubiese tenido significado. Siguiendo mi inspiración original, ejecuté otro "Pensador", un hombre desnudo sentado sobre una roca, los dedos de los pies agarrándose de los bordes extremos. Su cabeza sobre su puño, preguntándose. Pensamientos fértiles lentamente nacen en su mente. Él no es un soñador. Él es un creador. Durante un año entero viví con Dante, sólo con él, dibujando los círculos de su infierno. Al final de aquél año, comprendí que si bien mis dibujos representaban mi visión de Dante, se habían vuelto demasiado alejados de la realidad. Así que lo comencé todo de nuevo, trabajando del natural, con mis modelos. », Auguste Rodin


arriba, imagen del taller del artista en 1880, con "El Poeta" original de 70 cm. de altura, que más tarde sería rebautizado como "El Pensador"; abajo, espectacular vista contrapicado de la Puerta del Infierno. El Pensador (Dante-El Poeta) de Rodin se inclina hacia adelante (hacia el borde del abismo), para observar los (9) círculos del infierno, meditando sobre su obra.



El importante encargo de la Puerta del Infierno, —inspirado en la Puerta del Paraíso de Ghiberti (creado en el siglo XV para el Baptisterio de Florencia) y que finalmente no llegó a buen puerto—, vino motivado por el gran escándalo que se formó con una escultura previa a tamaño natural realizada en Bélgica -llamada la edad de bronce-, en la que Rodin había tomado como modelo al joven soldado belga de 22 años Auguste Neyt. Aunque fue mostrada en un principio en el Círculo artístico de Bruselas en 1877, el gran revuelo se produjo cuando fue presentado más tarde en el Salón de los Artistas franceses de París, ya que, debido a su gran plasticidad, realismo y perfección, fue objeto de una durísima crítica por parte del jurado, quien lo acusó de haber sacado los moldes directamente de un modelo vivo y no de una arcilla creada por el artista. Aunque este incidente le produjo una gran depresión, Rodin contó desde un principio con la ayuda incondicional de Edgar Degas, pintor y escultor maestro impresionista, y después de demostrar su inocencia, no sólo logró salir victorioso de la disputa, sino que su fama y prestigio no hicieron más que crecer, convirtiéndose inmediatamente en uno de los artistas más importantes de París. Después de adquirir tres años más tarde en 1880 la Edad de Bronce por un importe de 2000 francos, el Estado francés encargó a Rodin la Puerta del Infierno; ese es el origen de esta obra.


arriba, revelado a la goma bicromatada de 1902, maravilloso montaje fotográfico de 26 cm. x 32,2 cm. creado por Edward Steichen —por falta de espacio en el estudio de Rodin—, con el que quiso rendirle así su pequeño homenaje. En ella vemos al artista posando junto a dos de sus esculturas, el Monumento a Victor Hugo en el fondo, y el Pensador (El Poeta) original de 1880 que se sitúa frente a él.

« Cuando empiezo una figura miro primero la parte anterior, la posterior y los dos perfiles laterales, el derecho y el izquierdo, en otras palabras, considero sus contornos desde cuatro ángulos diferentes. Después, con el barro determino a grandes rasgos la disposición de la figura […] A continuación hago los perfiles que se ven desde un ángulo de tres cuartos. Después, girando a la par el barro y el modelo vivo, los comparo y voy perfeccionando la obra […] Luego giro mi asiento y la plataforma sobre la que se halla mi modelo hasta lograr un nuevo perfil. Después vuelvo a hacer lo mismo, y esto me lleva, progresivamente, a realizar un circuito completo del cuerpo. Entonces empiezo de nuevo, condensando y perfeccionando cada vez más los distintos perfiles. Y dado que el cuerpo humano posee un número infinito de perfiles, yo hago todos los que puedo o considero conveniente. », Auguste Rodin


arriba, detalle de El Pensador, jardines del Museo Rodin, París (FR). « Lo que hace que mi pensador piense, es que piensa no sólo con el cerebro, las cejas fruncidas, las aletas de la nariz distendidas y los labios apretados, sino también con cada músculo de los brazos, la espalda y las piernas, con los puños cerrados y los dedos de los pies encogidos. », Auguste Rodin; abajo, El Pensador el día de su inauguración el 21 de abril de 1906, delante del Panteón de París, en el que permanecerá hasta 1922, fecha en la que será trasladado al Museo Rodin.



Aunque sigue formando parte de la Puerta del Infierno, el moderno y vanguardista Pensador de Rodin, —aunque de mayores dimensiones—, se convierte en una obra autónoma a partir de 1888. En 1903 será ampliado nuevamente adquiriendo gran monumentalidad, debido a su 1,80 de altura (sentado), que incrementará aún más su popularidad, adquiriendo enseguida una dimensión universal, que motivará el reclamo de numerosas copias de la estatua (de diferentes tamaños) por todo el mundo. La obra más célebre de Rodin está inspirada en el Ugolino de Carpeaux, pero también en el Lorenzo de Médici de Miguel Ángel (ambas estatuas muestran una actitud pensativa). Rodin viajó a Italia en 1875-76 para estudiar la obra de Miguel Ángel Buonarroti, que será determinante para su trabajo posterior. « Mi liberación del academicismo me ha sobrevenido a través de Miguel Ángel. De él aprendí reglas diametralmente opuestas a las que me habían enseñado, y eso significó para mí una liberación. », Auguste Rodin. La icónica escultura de Rodin posee una gran plástica, naturalidad y fuerza expresiva, que ha sido labrada con un arte de gran calidad y perfección técnica, en la que el artista ha querido representar la profunda búsqueda interior del pensamiento humano.


arriba, izquierda, Ugolino y sus hijos, por Jean Baptiste Carpeaux, Mármol, 1861, (Romanticismo), Museo de Orsay, París, Francia; derecha, Tumba de Lorenzo de Médici al que acompañan dos alegorías: el crepúsculo y la aurora, por Miguel Ángel Buonarroti, Mármol, 1520-1534, Renacimiento Italiano (Cinquecento), Iglesia de San Lorenzo, Florencia, Italia

Varios estilos artísticos pueden convivir al mismo tiempo en una misma obra de arte, y sin duda El Pensador de Rodin es una muy buena muestra de ello. El efecto inacabado del material bien podría catalogarse de impresionista, la fuerte expresión del personaje en expresionista, y la enorme dimensión universal que adquiere la obra, -debido a su escala monumental-, en simbolista. Rodin dejó en la estatua un efecto como inacabado en el material, término italiano conocido como « non finito », en alusión a las numerosas obras inacabadas de Miguel Ángel, pero también a los grandes maestros impresionistas como Monet o Renoir, entre otros, que reflejaban rápidas pinceladas en sus lienzos para crear sus bonitas composiciones. La obra, fundida en bronce en 1903, ha adquirido con el paso del tiempo la pátina local (capa de óxido) con su característico color verde. Auguste Rodin, —considerado mejor escultor después de Gian Lorenzo Bernini—, rompe con los cánones de la escultura clásica aportando un nuevo giro en la concepción del monumento y la escultura pública (arte en el espacio público), concibiendo sus obras desde numerosos puntos de vista para explotar al máximo la expresividad del cuerpo humano. Por estos motivos, Rodin ha sido calificado en la historia del arte como « el primer moderno ».



Otras frases interesantes de Rodin en relación al Pensador:

« La forma desnuda del hombre no pertenece a ningún momento de la historia, sino que es eterno, y puede ser visto con alegría por la gente de todas las edades. »
« Tengo un verdadero culto por el desnudo. »
« Yo no soy un soñador, soy un matemático. Mi escultura es buena porque es geométrica. No niego que hay exaltación en mis obras, pero es porque hay en ellas verdad. Esa exaltación no está en mí, sino en la naturaleza en movimiento. »
« Aplico la ciencia del modelado a la ejecución de las figuras. En lugar de reproducir las diferentes partes del cuerpo como superficies más o menos planas, las represento como proyecciones de volúmenes interiores. Me obligo a expresar en cada protuberancia del torso o de los miembros la eflorescencia de un músculo o de un hueso, que están firmes bajo la piel. De esta manera la verdad de mis figuras, en lugar de ser meramente superficial, parece romper de dentro afuera, como la vida misma. »
« La escultura es el arte del agujero y la masa. »
« Lo más importante es emocionarse, amar, esperar, temblar, vivir. »
« Me remonto a la antigüedad más lejana. Deseo unir otra vez el pasado al presente, renovar el recuerdo, pasar juicio sobre él y, finalmente, transformarlo en una imagen completa. »
« Es muy sencillo, el día que el público reconozca mis esculturas y las de los otros jóvenes artistas influidos por mí, no valdrán un pepino las doctrinas de la Academia. »
« Un arte que tiene vida no restaura las cosas del pasado, las prosigue. »
« Figuraos las formas como si apuntaran hacia vosotros. Toda vida surge de un centro, luego germina y se expande de adentro hacia afuera. Del mismo modo, en toda bella escultura, se adivina siempre una potente impulsión interior. »
« El verdadero artista expresa siempre lo que piensa, aún a riesgo de hacer tambalear todos los prejuicios establecidos. »
« Todo es bello para el artista, puesto que en todo ser y en toda cosa, su penetrante mirada descubre el carácter, es decir la verdad interior que se encuentra bajo la forma. Y esta verdad, es la belleza misma...»
« (...) Ante todo estableced netamente los grandes planos de las figuras que vais a esculpir. Acentuad vigorosamente la orientación que vais a dar a cada parte del cuerpo, a la cabeza, a los hombros, a la pelvis, a las piernas. El arte exige decisión. Es por la bien acusada fuga de líneas, que os sumergiréis en el espacio y que os haréis dueños de la profundidad. Cuando nuestros planos estén definidos, todo habrá sido hallado. Vuestra estatua vive ya. Los detalles nacen y se disponen por sí mismos, de seguida. »
, Auguste Rodin


Mapa de localización, jardines del Museo Rodin, París, (FR)

Créditos fotográficos:
Fotos 1, 2, 7 y 8 © Museo Rodin
Foto 9a © Museo de Orsay
Foto 6 © Edward Steichen, Alfred Stieglitz Collection, 1949
Fotos 3, y 10 b-c Dominio Público
Fotos 4, 5, 9b y 10a Se desconoce la fuente
Texto © José Miguel Hernández Hernández
Editor, Escritor y Fotógrafo de Arquitectura
Todos los derechos reservados jmhdezhdez.com




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Victoria de Samotracia, Período Helenístico (Escuela de Rodas), 190 a. C., Museo del Louvre, París, Francia



Nombre Oficial: Victoria de Samotracia
Nombres alternativos: Victoria alada de Samotracia; Niké de Samotracia
Fecha de creación: 190 a. C.
Autor: Desconocido
Altura de la estatua (incluyendo las alas): 2,75 metros
Altura del pedestal: 2,01 metros
Altura total del monumento: 5,57 metros
Peso: 29 toneladas
Estilo: Grecia
Período: Barroco Helenístico (Escuela de Rodas)
Género: Mitológico
Tema: Conmemorativo (El monumento simboliza una Victoria naval)
Material de la estatua: Mármol blanco de Paros
Material del barco: Mármol gris de Rodas
Tipo: Escultura de bulto redondo o entero
Localización originaria: Santuario de los Grandes Dioses o Cabiros,
Isla de Samotracia, Nordeste del Mar Egeo, Tracia, Grecia
Localización actual (desde 1884): Escalera Daru, 1ª Planta, Ala Denon,
Museo del Louvre, París, Francia, Europa


La Victoria alada de Samotracia data del período helenístico (Escuela rodia), y fue creada entre el 220 y 185 a.C. por un artista desconocido que probablemente colaboró en la confección del bellísimo Altar de Zeus en Pérgamo. Representa a Niké, Diosa griega de la Victoria que se muestra espléndida sobre un pedestal que simboliza la proa de un navío. La sensual escultura femenina de bulto redondo, de la que lamentablemente no se han encontrado los brazos, la cabeza y el ala derecha, —que ha sido añadida íntegramente por los administradores del Museo del Louvre—, ha sido sometida a diversas restauraciones a lo largo del tiempo, ya que sus restos fueron encontrados por piezas en distintas expediciones llevadas a cabo en la isla de Samotracia, Grecia, donde fue descubierta y enviada posteriormente a París. Sin duda, gracias al gran esfuerzo llevado a cabo por el Museo del Louvre durante más de un siglo y medio mediante distintas restauraciones, recreaciones y adiciones en yeso, —además de la ayuda incondicional de numerosas donaciones de todo el mundo—, el bello monumento ha podido ser reconstruido tal y como lo conocemos a día de hoy, pasando a formar parte de la historia del arte como una de las piezas clave de la estatuaria griega.


arriba, emplazamiento-reconstrucción del antiguo Santuario de los Grandes Dioses de la isla de Samotracia a modo de polis (antigua ciudad griega); al suroeste, con el nº5, en los niveles superiores del Santuario, —entre el anfiteatro y el largo pórtico cubierto—, se encuentra la ubicación exacta de la fuente monumental que presidía la Victoria alada de Samotracia


Mapa actual de la localización originaria del monumento donde fue encontrada la Victoria alada de Samotracia, en el que se pueden intuir los restos del gran hallazgo arqueológico. Los espacios con ausencia de vegetación dibujan la antigua polis.





A la izquierda, Charles Champoiseau (1830-1909), el arqueólogo afortunado que descubrió la Victoria alada de Samotracia. El 15 de abril de 1863, en una carta dirigida al embajador de Francia en Constantinopla le anuncia: « He encontrado una estatua de la Victoria alada esculpida en mármol y de proporciones colosales. Desgraciadamente, no he encontrado ni la cabeza ni los brazos [...]. Pero el resto está casi intacto y ha sido labrado con un arte que ninguna de las obras griegas que conozco iguala »; abajo, dibujo reconstrucción de la "tumba" imaginada por Champoiseau donde fue encontrada -enterrada- la Victoria de Samotracia





Cronológicamente, la bellísima escultura alada fue descubierta el 15 de Abril de 1863 por Charles Champoiseau, vicecónsul francés en Edirne (Turquía), -arqueólogo diplomado-, encontrándose enterrada en el Santuario de los Grandes Dioses de la Isla de Samotracia, localizada al nordeste del Mar Egeo, Grecia, —al norte de la isla, muy cerquita del mar—, donde fue erigida como una ofrenda tras una victoria naval. No obstante, los primeros restos arqueológicos de la estatua no llegaron al Louvre hasta poco más de un año después, el 11 de Mayo de 1864; el busto, demasiado inestable, no pudo unirse y fue archivado con el ala izquierda. La majestuosa estatua fue expuesta al público por primera vez en la famosa sala de las cariátides en 1866, aunque todavía sin la base del barco ni el pecho. Años más tarde, en 1875, arqueólogos austriacos realizan una nueva expedición en la isla griega de Samotracia y descubren 23 bloques de la base del navío. Champoiseau, al enterarse de tal importante hallazgo, mueve hilos de inmediato para enviar los bloques a París. El primer intento de montaje del monumento se produjo en 1879 en la sala du Sphinx (uno de los patios del Louvre), ya con la base del navío y el pecho de la estatua. No será hasta el año 1884 cuando esta obra maestra de la estatuaria griega sea exhibida en lo alto de la escalera Daru del Museo del Louvre, ya con las dos alas. Algunos pedazos que faltaban fueron completados con yeso en el siglo 19 y la última restauración llevada a cabo durante 10 meses permitió integrar otros siete fragmentos de los 30 que guardaba el museo en sus depósitos, incluyendo tres plumas del ala izquierda.


El majestuoso espacio arquitectónico donde se inserta la Victoria alada de Samotracia, -que llena-, ha sido creado y pensado exclusivamente para acoger a esta bella estatua. No obstante, la escalera Daru ofrece también acceso a las galerías donde se exhiben la Gioconda o Mona Lisa de Leonardo da Vinci y la Venus de Milo, que juntas, están consideradas como las tres principales estrellas del museo.

La Diosa de la Victoria (Niké) se muestra con un sutil movimiento, en el momento previo a posarse sobre la proa del navío, con la pierna derecha ligeramente adelantada, pisando literalmente el barco, y con el pie izquierdo todavía en el aire. Este movimiento, de un gran dinamismo, se presenta como el foco de atención más fuerte en la composición. Destacan en gran medida las transparencias del ropaje, —al que azota la brisa marina y que deja entrever la sensual anatomía femenina—, que recuerda a la técnica conocida como "paños mojados" originaria de Fidias, autor del Partenón. Gracias a su delicada talla y a los numerosos detalles del ropaje y las alas, la convierten en uno de los mejores ejemplos del arte barroco helenístico, donde el virtuosismo y la teatralidad alcanzaron su máximo esplendor, rompiendo claramente con la estatuaria clásica. Las alas no sólo simbolizan velocidad, ascensión y vuelo, sino también grandiosidad, voluptuosidad y belleza, características esenciales de la obra. Para aumentar la monumentalidad y el colosalismo de la estatua, acorde con la importante victoria naval, el maestro antiguo talló la Victoria alada de Samotracia a una escala mayor que el natural, desafiando a la gravedad, y haciendo un auténtico alarde de habilidad y destreza con el dominio del mármol.


El gran pintor postimpresionista Paul Cézanne, autor de Los jugadores de cartas o Las grandes bañistas de 1906 dijo de ella: « Se trata de una idea, de todo un pueblo, de un momento heroico en la vida de un pueblo, el tejido se pega, las alas baten, los senos se inflaman. No necesito ver la cabeza para imaginar su mirada ».

Después del último y exhaustivo proceso de restauración llevado a cabo durante 10 meses, entre 2013 y 2014, que le devolvió la blancura original del mármol de Paros, los investigadores encontraron "ínfimos restos de color azul", invisibles para el ojo humano, que confirmaban, tal y como ya había ocurrido en el antiguo Egipto, que la Victoria alada de Samotracia fue en su día policromada para darle un mayor realismo. El policromado se refiere a "dar color a las vestimentas y a pintar o encarnar las partes del cuerpo de las imágenes como el rostro, el cabello, los brazos, piernas, etc.", por lo que sin duda su apariencia en la antigüedad presidiendo la fuente monumental en lo alto de la polis, debió ser realmente única, espectacular. A pesar de que se ha sugerido que la estatua podía haber sostenido en sus manos una trompeta —tal y como figura en las monedas antiguas (Tetradrachm) de la época— o una corona de flores, la mano encontrada en Samotracia en 1950 tenía la palma abierta y dos dedos extendidos, lo que hace suponer que la estatua hacía un gesto de saludo, como de celebración de la victoria. Sin duda, debido a la ausencia de la cabeza o los brazos, el misterio de esta obra maestra de la estatuaria helenística siempre estará presente.


arriba, vista de perfil (lado izquierdo) después de la última restauración. Junto con el Partenón de Atenas, el Discóbolo, el Altar de Pérgamo, la Venus de Milo o el famoso Laocoonte, la Victoria alada de Samotracia es uno de los más importantes vestigios del arte de la antigua Grecia; abajo, cara y cruz de un Tetradrachm, moneda de plata de la época de Demetrio I de Macedonia, —llamado Demetrio Poliorcetes—, 301-292 a. C., con Niké, la Diosa alada de la Victoria sobre la proa de un navío.



La bellísima escultura alada se erige espléndida sobre un pedestal que simboliza la proa de un barco de guerra de la época. El icónico monumento conmemora la victoria naval lograda por los rodios en Side sobre Antíoco III Megas (el Grande), "quienes debieron donarlo al Santuario de los Grandes Dioses de Samotracia y que les supuso, además del control de amplias comarcas de Caria y Licia, la alianza de numerosas ciudades e islas próximas. El período helenístico vio numerosas batallas navales entre los reinos heredados por los sucesores de Alejandro Magno en su lucha por el control del mar Egeo. Las flotas de batalla eran así en aquella época un recurso militar vital. La base de la Victoria de Samotracia representa la proa de un barco de guerra típica de una época que vio a muchos de los nuevos desarrollos de la arquitectura naval"; abajo, detalle de la mano derecha encontrada en la isla de Samotracia en 1950. Los dos dedos, pulgar y anular, fueron identificados en el Museo Kunsthistorisches de Viena. Hoy, ensamblados, se exhiben también en una vitrina en el Louvre.



Cronología de la Victoria alada de Samotracia:

190 a.C. Creación del monumento por un autor desconocido en el Período Helenístico (Escuela rodia o de Rodas), para conmemorar la victoria naval obtenida por los rodios en Side sobre Antíoco III Megas, que donarán posteriormente al lugar sagrado y de culto conocido como Santuario de los Grandes Dioses o Cabiros situado a los pies del Monte Phengari en su lado norte, frente al mar, en la isla griega de Samotracia, localizada al nordeste del Mar Egeo, Grecia.
1863 Descubrimiento de la estatua -enterrada- en el Santuario de los Grandes Dioses, sin brazos, cabeza y ala derecha, concretamente el 15 de Abril de 1863 por Charles Champoiseau, arqueólogo aficionado.
1864 El 11 de Mayo de 1864 llegaron las primeras piezas al Louvre; el busto, demasiado inestable, no puede unirse y se archiva con el ala izquierda.
1866 Primera exposición en la sala de las cariátides todavía sin la base del barco ni el pecho.
1875 Arqueólogos austriacos descubren los 23 bloques de mármol gris de la base del navío.
1879 Nueva expedición de Charles Champoiseau a la isla de Samotracia.
1879 Primer montaje del monumento en la sala du Sphinx (uno de los patios del Louvre) con la base del navío y el pecho de la estatua.
1880-1882 Se unen las piezas del monumento, estatua y navío
1883 Se produce una primera restauración.
1884 Se presenta por primera vez en la escalera Daru del Museo del Louvre, ya con las dos alas.
1891 Nueva expedición de Charles Champoiseau a la isla de Samotracia.
1934 Siguiente restauración (Escalera Daru).
1950 Descubrimiento de la mano derecha; dos dedos de esta mano, concretamente el pulgar y anular, fueron identificados en el Museo Kunsthistorisches de Viena. Hoy, ensamblados, se exhiben también en una vitrina en el Louvre.
2013 Expedición del Museo del Louvre a la isla de Samotracia para reconstruir el terreno donde se hallaba la estatua antiguamente.
2013-2014 Restauración de 10 meses de duración que devolvió a la estatua la blancura original del mármol de Paros.
2014 Exposición al público nuevamente en la Escalera Daru después de la última restauración que tuvo un coste total de 4.000.000 € recaudado a través de crowdfunding (micromecenazgo) y donaciones privadas.


arriba, precioso detalle de algunas de las plumas del ala izquierda, donde se puede apreciar la suave y delicada talla esculpida en el mármol blanco de Paros; abajo, dibujo de la reconstrucción completa del monumento, con la Diosa de la Victoria (Niké) posándose sobre la proa del navío, con el pie izquierdo todavía en el aire. La posición de los pies "se ha recreado gracias a la forma de la superficie donde habrían sido colocados".



Curiosidades y datos de interés:

-Según fuentes literarias antiguas, al Santuario de los Grandes Dioses de la Isla griega de Samotracia también se le conoce como de los "Cabiros".
-El monumento simboliza la victoria naval lograda por los rodios en Side sobre Antíoco III Megas (el Grande) de la dinastía Seléucida, rey de Siria desde el 223 a. C. al 187 a. C.
-La estatua alada de Samotracia —que se halló enterrada en una "tumba"— presidía en la antigüedad un gran estanque de forma rectangular situado al suroeste del Santuario, previsiblemente con una cascada de agua, que simbolizaba el mar.
-La figura femenina representa a Niké: Diosa griega de la Victoria.
-La base representa: La proa de un barco de guerra de la época.
-La Victoria de Samotracia es un perfecto ejemplo de la estatuaria helenística que rompe con la escultura clásica en muchos aspectos.
-El pie derecho se posa sobre la cubierta del barco, mientras que el izquierdo se encontraba todavía en el aire.
-Aunque al final de la Antigüedad el lugar quedó abandonado, la leyenda de que la isla escondía maravillosos tesoros sobrevivió. Y su eco, siglos después, llegó a oídos de Charles Champoiseau, que se decidió a investigar por su cuenta.
-Toda la estatua fue tallada por separado, incluyendo los pies, que nunca fueron encontrados. Tampoco se hallaron la cabeza, los brazos y el ala derecha, que fue creada en yeso en su totalidad por el Louvre a partir del ala izquierda.
-En la última restauración se suprimió el bloque moderno que separaba la estatua del navío y que eliminaba aún más la sensación de que la diosa se posaba literalmente sobre la proa del barco.
-Las calidades (formas y superficies) de la estatua tienen un determinado efecto psicológico sobre quien las contempla, efecto derivado de sus expresivas cualidades intrínsecas.
-La obra ha estado siempre rodeada de cierto misterio, debido a la ausencia de los brazos o la cabeza.
-Expediciones a Samotracia por Champoiseau: 1863, 1879, 1891.
-Expedición de arqueólogos austríacos: 1875.
-Presentaciones y restauraciones: 1866, 1883, 1934, 2014.
-La Victoria alada de Samotracia es, junto con la Gioconda o Mona Lisa de Leonardo da Vinci y la Venus de Milo, la gran estrella del Museo del Louvre de París.
-Debido a toda su historia y al largo y minucioso proceso de restauración llevado a cabo durante más de 150 años hasta alcanzar el resultado definitivo -que podemos admirar hoy en todo su esplendor-, habría que decir que la Victoria alada de Samotracia está estrictamente ligada al Museo del Louvre.
-Para acentuar la teatralidad y monumentalidad, acorde con el lugar donde se erigió, la Victoria de Samotracia fue tallada a una escala mayor que el natural.
-La estatua principal de la Cuádriga de la Puerta de Brandenburgo de Berlín también simboliza a Niké (Diosa de la Victoria)
-En su última restauración, tras volver a desmontar las piezas como un puzzle y retirados de su pedestal para poder ser limpiados, investigados y restaurados meticulosamente, los investigadores descubrieron "ínfimos restos de color azul", invisibles para el ojo por completo, que confirmaban que la estatua fue policromada (pintada) en la antigüedad.


Para concluir, (se puede profundizar todo lo que se quiera), me gustaría terminar con este precioso detalle del torso y una frase del célebre escultor Auguste Rodin, —uno de mis muchos artistas favoritos—, que se adapta enormemente al contenido de esta entrada: « Nada es tan bello como las ruinas de una cosa bella. »

+info Victoire de Samothrace







Créditos:
Fotos 1-4ab-5-6-7-8 y vídeos 1 y 2 © Museo del Louvre
Fotos 2 y 3 Dominio Público
Drawing 1 © New York University / J. Kurtisch
Drawing 2 Archivo Museos Nacionales, París, Francia
Drawing 3 © Valérie FORET, D.E.S.A. architect
Vídeo 3 © Art Graphique & Patrimoine
Texto © José Miguel Hernández Hernández
Editor, Escritor y Fotógrafo de Arquitectura
Todos los derechos reservados jmhdezhdez.com




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Cliente: Jean Bilhères de Lagraulas (Cardenal de Saint-Denis)
Escultor: Miguel Ángel Buonarroti (Artista Universal)
Nombre Oficial: Piedad (Pietà)
Nombres alternativos: Piedad del Vaticano; Virgen della Febbre
Fecha de creación: 1498-1499 (363 días)
Estilo: Renacimiento Italiano (Quattrocento)
Material: Mármol blanco (Alpes Apuanos-La Toscana)
Tema: Religioso
Dimensiones: 195 cm. ancho x 174 cm. alto
Planta: Elipsoidal
Único viaje de la Piedad: Feria Mundial de Nueva York en 1964
Restauración tras el ataque: 1972-73
Localización: Capilla del Crucifijo, 1ª Capilla a la derecha de la
Basílica de San Pedro del Vaticano, Roma, Italia


Aunque todavía desconocido para muchos, desde muy temprana edad Miguel Ángel Buonarroti ya destacaba enormemente por encima del resto de artistas, por lo que, durante su primera estancia en Roma, su grandioso arte llamó poderosamente la atención del cardenal de la Basílica de Saint-Denis, Jean Bilhères de Lagraulas, —embajador de Francia en la Santa Sede del Vaticano—, quien para dejar un digno recuerdo en esta famosa ciudad, encargó a Miguel Ángel una Piedad de bulto redondo, que, al concluirse, sería ubicada en San Pedro. No obstante, el encargo se llevó a cabo bajo algunas condiciones, ya que, tal y como figura en el contrato firmado en Roma, el 27 de Agosto de 1498, se trataría de « una Piedad de mármol, hecha con una Virgen María vestida sosteniendo en sus brazos a su hijo Jesucristo muerto, a escala natural ». El artista florentino conseguía así su primer encargo importante, por el que iba a cobrar 450 ducados de oro en moneda pontificia, y que debía realizar en el plazo de un año.


arriba, marina de Carrara, con los Alpes Apuanos al fondo, lugar de donde extrajo Miguel Ángel el bloque de mármol blanco en el que tallaría de forma magistral la bellísima Piedad del Vaticano.

Jacopo Galli, representante de Miguel Ángel en dicho contrato, aseguró al cardenal benedictino que la obra estaría concluida en el plazo de un año, y que sería « la escultura mas bella de toda Roma, ya que ninguno de los Maestros actuales serían capaces de superarla ». Tal y como era costumbre y gusto en el Renacimiento Italiano, Miguel Ángel Buonarroti talló la escultura de la Piedad de un sólo bloque de mármol. Para ello, el propio artista se personó en las canteras de los Alpes Apuanos, situadas al norte de la ciudad de Carrara, en la Toscana, donde eligió minuciosamente el bloque de mármol blanco en el que tallaría posteriormente la que se convertiría en su primera obra maestra, la Piedad del Vaticano. No obstante, uno de los debates muy interesantes que originó la maravillosa escultura creada por Miguel Ángel para San Pedro después de ser inaugurada la obra en 1499 fue la eterna juventud que presentaba la Virgen.


Cuando se le preguntó al maestro porqué había representado a la Virgen tan joven, éste contestó: « Las personas enamoradas de Dios no envejecen nunca. La Madre tenía que ser joven, más joven que el Hijo, para demostrarse eternamente Virgen; mientras que el Hijo, incorporado a nuestra naturaleza humana, debía aparecer como otro hombre cualquiera en sus despojos mortales. », Miguel Ángel Buonarroti

Una de las curiosidades del encargo de la Piedad de Miguel Ángel, —quien desde el principio se mostró bastante caprichoso y perfeccionista—, fue que el artista descubrió la obra tan sólo -2 días antes- de cumplirse el plazo, por lo que, el cardenal de Saint Denis, promotor de la obra y que lamentablemente había fallecido unos días antes, no pudo ver finalmente concluida la obra. Debido al fallecimiento del cardenal, la Piedad se emplazó en un primer momento en el sepulcro del eclesiástico, ubicado en la Capilla de Santa Petronila del Vaticano, tal y como había sido su deseo. Sin embargo, más tarde sería trasladada a la Capilla de San Pedro, posteriormente a la capilla della Febbre, (por este motivo también se la conoce como la Virgen della Febbre), y desde 1749 se exhibe en la capilla del Crucifijo, la 1ª capilla a la derecha de la Basílica San Pedro, donde puede admirarse hoy en todo su esplendor.



Otro de los debates que suscitó la bellísima obra creada por el gran Miguel Ángel para San Pedro fue su autoría, ya que, debido a su juventud, —contaba con tan sólo 23 años de edad—, resultaba prácticamente imposible que un artista tan joven pudiese haber tallado tal inmensa obra de arte de absoluta perfección, extrayéndola de un único bloque de mármol. De modo que otra de las curiosidades de la Piedad del Vaticano es que se trata de la única obra firmada por el artista. Tal y como describe Giorgio Vasari en la biografía de Michelangelo: «...un día, al entrar Miguel Ángel en la capilla donde está la Piedad, encontró allí a gran número de forasteros lombardos que alababan mucho la obra. Uno de ellos le preguntó a otro quién la había ejecutado y éste contestó: "Nuestro Gobbio, de Milán". Miguel Ángel nada dijo, pero le dolió que sus esfuerzos fuesen atribuidos a otro, de modo que una noche se encerró en la capilla con una luz y sus cinceles, y grabó su nombre en la obra ».


Para que no hubiese ninguna duda de su autoría, Miguel Ángel talló en la cinta que sostiene el manto de la Virgen la inscripción, « MICHEL A(N) GELUS BONAROTUS FLORENT(INUS FACIEBAT. », cuya traducción viene a decir: « Miguel Ángel Buonarroti, el florentino, la hizo. »

Antecedentes a la Piedad:

En 1488, con tan sólo 13 años de edad y por recomendación de Domenico Ghirlandaio, el jovencísimo Miguel Ángel entra como aprendiz en la escuela de escultura que "el Magnífico" Lorenzo de Médici había creado en los jardines florentinos de San Marco donde permaneció cuatro años, hasta 1492. Es durante estos años cuando esculpe los preciosos relieves de la Batalla de Hércules con los Centauros y la Virgen de las Escaleras, además de colaborar en la restauración de la escultura antigua del Hércules Farnesio, para el que también diseñó un nicho. « Ocurrió que los Médicis fueron expulsados de Florencia en Noviembre de 1494. Pocas semanas antes, Miguel Ángel había ido a Bolonia, y luego a Venecia, pues temía que, por ser íntimo de la familia, le ocurriera algo siniestro. Como en Venecia no encontró medios de existencia, regresó a Bolonia ». Es en esta ciudad donde, aparte de estudiar la obra de Jacopo della Quercia, —quien se le considera una de las referencias más importantes para Miguel Ángel—, el artista esculpe tres estatuas de mármol que faltaban en el Arca de la Basílica de Santo Domingo: San Petronio, San Próculo y un bellísimo Ángel con un candelabro.

Poco más de un año después de su estancia en Bolonia, Miguel Ángel siente que está perdiendo el tiempo, por lo que vuelve a Florencia. Es aquí donde realizará, para Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, un San Juan de mármol y un cupido dormido a tamaño natural. Gracias al revuelo que se formó con esta última escultura, que fue creada y envejecida a posta por Miguel Ángel para darle un mayor valor, éste consigue una importante recomendación para viajar por primera vez a Roma en julio de 1496. Será en esta famosa ciudad donde crea, para el banquero Messer Iacopo Galli, otro Cupido en mármol a tamaño natural y el Baco. El artista despierta inmediatamente gran interés y admiración por el cardenal de Saint Denis, —llamado también cardenal de Rohan—, quien para dejar un bonito recuerdo en esta famosa ciudad, le encarga al joven Miguel Ángel una Piedad en mármol que sería ubicada en la Basílica de San Pedro del Vaticano. Miguel Ángel permanecerá en Roma hasta 1501, fecha en la que regresa a Florencia, donde esculpirá, superando a los maestros antiguos, su siguiente obra maestra, el David.



Tres frases de "El Divino" Miguel Ángel en relación a la Piedad:

« La verdadera obra de arte no es más que una sombra de la perfección divina. »
« ¿Cómo puedo hacer una escultura? Simplemente retirando del bloque de mármol todo lo que no es necesario. »
« En cada bloque de mármol veo una estatua tan clara como si se pusiera delante de mí, en forma y acabado de actitud y acción. Sólo tengo que labrar fuera de las paredes rugosas que aprisionan la aparición preciosa para revelar a los otros ojos como los veo con los míos. »




Una Piedad es una « representación en pintura o escultura del dolor de la Virgen María al sostener el cadáver de Jesucristo descendido de la cruz ». Sin embargo, Miguel Ángel nos muestra en esta obra una belleza completamente neoplatónica; no existe en ambas figuras ningún tipo de dolor o sufrimiento. Si contemplamos la obra de frente, en la que Miguel Ángel hizo especial énfasis, —para que la obra fuese observada principalmente desde ese punto de vista, lo que se conoce como punto de vista único miguelangelesco—, el icónico grupo o conjunto escultórico presenta una composición piramidal, quedando las figuras inscritas en un triángulo equilátero. El gran realismo alcanzado por Miguel Ángel en la Piedad del Vaticano sólo fue posible gracias al estudio exhaustivo previo de la figura humana. Después de realizar un Crucifijo de madera para el altar mayor de la Iglesia de Santo Spirito de Florencia, agradó tanto al prior, que éste permitió a Miguel Ángel « el uso de locales en que, disecando cadáveres para estudiar la anatomía humana, empezó a dar perfección a su gran capacidad de dibujante ». El realismo y la perfección alcanzadas por Miguel Ángel están presentes en todas las partes de la obra, ya que las figuras no sólo están esculpidas a tamaño natural, sino que además, todos los miembros de Jesucristo y la Virgen, incluidos por supuesto los maravillosos pliegues del hábito y el velo, fueron tallados por el maestro de forma excepcional.


La bellísima Piedad creada por Miguel Ángel en su primera etapa clasicista queda representada por la Virgen María, quien, con la cabeza ligeramente inclinada, sostiene en su regazo a su hijo Jesucristo muerto; a la vez, con su mano izquierda extendida, la Virgen ruega una oración por su alma.

Memorias de Vasari sobre la Piedad de Miguel Ángel:

« Durante su estancia en Roma progresó tanto, que no se podía creer que tuviese pensamientos tan elevados y realizara con tanta facilidad difíciles proezas; asombraba tanto a los que no estaban acostumbrados a ver tales cosas, como a los que estaban acostumbrados a las buenas producciones, porque lo que los demás hacían parecía una nulidad comparado con lo de Miguel Ángel. Lo cual despertó en el cadernal de Saint-Denis, llamado cardenal de Rohan, un francés, el deseo de dejar, mediante tan excepcional artista, algún digno recuerdo de sí en tan famosa ciudad, y le encargó una Piedad en mármol, de bulto entero, la cual, una vez terminada, fue colocada en San Pedro, en la capilla de la Virgen María della Febre, en el templo de Marte.

A esa obra, nunca piense escultor o artista sobresaliente poder añadirle jamás mejor composición o mayor gracia, ni superarla en finura, pulido o delicada talla del mármol, porque en ella se resume todo el valor y toda la fuerza del arte. Entre las bellezas que allí se encuentran, aparte de los divinos drapeados, se destaca el Cristo muerto; en belleza de los miembros y arte en la representación del cuerpo, es un desnudo insuperable, bien estudiado en cuanto a músculos, venas, nervios y huesos y, además, no hay muerto que parezca más muerto que éste. La dulcísima expresión del rostro y la concordancia en las coyunturas de brazos, piernas y torso, el trabajo de las venas, todo causa maravilla, y se asombra uno de que la mano de un artista haya podido hacer en tan poco tiempo cosa tan admirable; porque ciertamente es un milagro que una piedra, en principio sin forma alguna, pueda ser llevada jamás a la perfección que la naturaleza, con esfuerzo, suele dar a la carne.

Esta Piedad le dio mucha fama y si bien algunos tontos dicen que hizo demasiado joven a la Virgen ¿no advierten ni saben que las personas vírgenes inmaculadas mantienen y conservan largo tiempo la expresión de su rostro sin alteración alguna, mientras que con los afligidos, como Cristo, ocurre lo contrario? De modo que esa obra agregó bastante más gloria y fama a su talento que todas las anteriores. »





Desafortunadamente, el 21 de mayo de 1972, un hecho trágico se producía en la Basílica de San Pedro de Roma. Un demente ocasionaba gravísimos daños a la Piedad de Miguel Ángel después de golpear la escultura con un martillo hasta 15 veces antes de ser reducido por el personal de seguridad. La primera obra maestra de Miguel Ángel Buonarroti quedaba seriamente dañada, afectando sobre todo a la nariz, los párpados y la mano izquierda de la Virgen, de la que se desprendieron en total 50 fragmentos. Debido a este gravísimo incidente, —son inconcebibles actos destructivos de este tipo ante una de las obras de arte más importantes de toda la historia de la humanidad—, la escultura fue sometida inmediatamente a una importante y exhaustiva restauración que duró casi un año, exponiéndose nuevamente al público en el mismo lugar en 1973, esta vez tras un cristal blindado.



Contrato para la Piedad del Vaticano:

ROMA, 27 Agosto 1498

Se hace saber a quién lee este contrato que Su Eminencia el Cardenal de San Dionisio ha llegado al siguiente acuerdo con Jacobo Galli, que representa al Maestro Miguel Ángel, escultor florentino, para que dicho escultor esculpa, a sus propias costas, una Piedad de mármol, hecha con una Virgen María vestida sosteniendo en sus brazos a su hijo Jesucristo muerto, a escala natural, pagando la cantidad de 450 ducados de oro en moneda pontificia, en el plazo de un año a contar del día en que se inicie la obra.

Su Eminencia efectuará el pago de la manera siguiente:

Entregará antes del comienzo del trabajo 150 ducados de oro en moneda pontificia. Una vez que haya comenzado la obra pagará al citado Miguel Ángel 100 ducados de oro de la misma moneda cada cuatro meses, de forma que los mencionados 450 ducados de oro en moneda pontificia estén satisfechos al plazo de un año si este encargo se ha realizado. Si la obra fuese concluida con antelación a esa fecha, Su Eminencia pagará entonces toda la suma.

Yo, Jacopo Galli, prometo a Su Eminencia el Cardenal que el susodicho Miguel Ángel terminará la obra en el plazo de un año y que será la escultura mas bella de Roma ya que ninguno de los Maestros actuales serían capaces de superarla.

Prometo, por otra parte al citado Miguel Ángel, que Su Eminencia el Cardenal satisfará el pago en la forma convenida.

Para dar fe de todo esto yo, Jacopo Galli he redactado de mi puño y letra el presente documento en el año, mes y día arriba indicados. Este contrato suspende y anula cualquier otro escrito por mi o por el mencionado Miguel Ángel, y solo el presente tiene valor legal. Así lo acuerdan ambas partes. Su Eminencia el Cardenal me entregó a mi, Jacobo Galli en fecha reciente, 100 ducados de oro en moneda pontificia, y hoy me entrega 50 ducados de oro de la misma moneda.

Joannes, Cardinalis s.Dyonisii
Jacobus Gallus, de su puño y letra.



Mapa de localización (Basílica de San Pedro del Vaticano, Roma, Italia)

Créditos Fotográficos:
Foto 1 © Stanislav Traykov
Foto 2 © Antonio Somoza
Resto de imágenes © Robert Hupka Web
Texto © José Miguel Hernández Hernández
Editor, Escritor y Fotógrafo de Arquitectura
Todos los derechos reservados jmhdezhdez.com




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