Virgen de la Escalera de Miguel Ángel

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La "Madonna o Virgen de las Escaleras" es una obra emblemática del genio renacentista Miguel Ángel Buonarroti, creada entre 1490 y 1492 y que se exhibe actualmente en la Casa Buonarroti de Florencia, Italia. Esta escultura de mármol de Carrara en bajo relieve, que mide 56 x 40 cm, es una representación conmovedora de la Virgen María sosteniendo al Niño Jesús, capturando la devoción y la ternura materna con una maestría sin igual. La creación de esta obra maestra se enmarca en el período del Renacimiento italiano, un momento de gran efervescencia artística, intelectual y cultural en Europa. El Renacimiento fue testigo de un renacer del interés por la antigüedad clásica, así como un enfoque renovado en el estudio del ser humano y su entorno.

La nueva Facultad de Ciencias de la Salud de la UPNA, un proyecto eficiente y sostenible gracias a BIM

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Funcionalidad, sostenibilidad e integración con el entorno son los pilares de la nueva Facultad de Ciencias de la Salud de la Universidad Pública de Navarra, que abrirá sus puertas en septiembre de 2025 y en cuyo proceso de construcción se implementa la metodología BIM.

La nueva Facultad de Ciencias de la Salud que proyecta en Pamplona la Universidad Pública de Navarra (UPNA), un edificio de energía positiva, libre de combustibles fósiles y que utiliza tecnología BIM en todas las fases de su ciclo vital, será una realidad en septiembre de 2025. La metodología BIM (Building Information Modeling) tiene un papel protagonista en el diseño y construcción de unas instalaciones que aspiran a convertirse en un referente sostenible y eficiente.

La futura facultad, cuyo coste de adjudicación asciende a 30,2 millones de euros, se ubicará en el entorno del Hospital Universitario de Navarra, al lado de la actual facultad de Salud y del centro de investigación biomédica Navarrabiomed, lo que potenciará el ecosistema biosanitario público de la Comunidad Foral y permitirá atraer, retener y captar talento. En total, la capacidad máxima de las instalaciones rondará los 1.500 estudiantes y docentes, provenientes de los grados de Medicina, Enfermería y Psicología, así como de los másteres del ámbito sanitario.

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El edificio cuenta con una planta baja y cuatro alturas distribuidos en una superficie de 13.504 m2. Los accesos principales, la cafetería-comedor, el vestíbulo y el área de anatomía con un aula de docencia, se encontrarán en la planta baja. Las plantas, de la primera a la tercera, estarán dedicadas al uso docente e investigador, con aulas, doce laboratorios, sala de informática/microscopía, despachos, vestuarios y aseos. La primera planta, además, contará con una sala de grado (auditorio) para exposiciones magistrales. Por último, la cuarta planta será un espacio diáfano en la que se prevé crear un laboratorio de simulación para que los alumnos puedan practicar con maniquís.

Las obras de construcción del nuevo edificio, iniciadas en abril del pasado año, progresan sin incidencias en plazo y presupuesto. La unión temporal de empresas (UTE) integrada por Osés Construcción y Construcciones Mariezcurrena está al frente de los trabajos que, actualmente, se centran en uno de los elementos clave de este edificio, el montaje de la estructura de madera laminada. “Se ha ejecutado el 90% de la estructura de hormigón y el 25% de la estructura de madera”, comenta Javier Oficialdegui, BIM Manager del proyecto, en la entrega de AbiertoXObras en la que la empresa especializada Espacio BIM ha entrevistado a los estudios encargados del proyecto (VArquitectos y bryaxis arquitectos).

UN EDIFICIO HIJO DE SU TIEMPO


El diseño de este edificio también estuvo marcado por la pandemia, por lo que puede decirse que es “hijo de su tiempo”, tal y como lo define Sara Velázquez, Passivhaus Certifier (VArquitectos). “Cuando hicimos el concurso estábamos en pandemia, confinados cada miembro del equipo en su casa. Como os podéis imaginar, soñábamos con espacios al aire libre, sol y espacios de encuentro. El atrio central es el alma del edificio y refleja ese momento vital”, afirma. Del mismo modo, lo define como “un edificio del futuro” al ser “un edificio de energía positiva que no va a consumir combustibles fósiles” y que va a producir en el balance anual más energía de la que consuma en calefacción, refrigeración, ventilación e iluminación. Y, por último, cabe destacar el uso que se hace de la madera estructural de manera extensiva, “aportando un factor añadido de sostenibilidad y calidez”.

En definitiva, gracias al uso de la metodología BIM, la futura Facultad de Ciencias de la Salud de la UPNA será un referente en sostenibilidad y eficiencia. Y, conociendo todas las ventajas que su uso conlleva, no es de extrañar que cada vez más profesionales del sector busquen especializarse en ella con alguno de los cursos o máster BIM disponibles en el mercado. Una buena idea para empezar es realizar algún curso BIM gratis como el de la mencionada empresa especializada Espacio BIM.


Los Fusilamientos del 3 de mayo de Francisco De Goya, Museo del Prado, Madrid, España

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Goya y la Inmortalidad del Dolor: El 3 de mayo de 1808 en Madrid o Los Fusilamientos



En el lienzo monumental de la historia del arte, destaca una obra que trasciende las fronteras del tiempo: "El 3 de mayo de 1808 en Madrid, o Los fusilamientos", una creación magistral de Francisco de Goya. Este óleo, con dimensiones imponentes de 268 x 347 cm., reposa en el Museo del Prado de Madrid, como un testigo silente de un capítulo sombrío en la historia española.

En la efervescencia del Romanticismo, Goya desafió las convenciones artísticas para plasmar la brutalidad de la Guerra de la Independencia Española. El 3 de mayo de 1808 marcó un levantamiento en Madrid contra la ocupación francesa, un evento capturado de forma inmortal por Goya en su lienzo. La obra se centra en el momento exacto en que las tropas napoleónicas ejecutan a valientes ciudadanos que desafiaron la opresión extranjera.

El Discóbolo: Una Oda a la Perfección Atlética en la Antigua Grecia

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En el vasto panteón de obras maestras de la escultura clásica griega, resplandece el Discóbolo de Mirón, un testimonio atemporal de la gracia y la perfección física. Esta escultura, atribuida al talentoso escultor griego Mirón del siglo V a.C., ha transcendido el tiempo y la pérdida de su original, dejando su huella en la historia del arte.

La figura del Discóbolo, capturada en el acto efímero de lanzar un disco, evoca la esencia misma de la competencia atlética en la antigua Grecia. Los ideales estéticos de la época clásica se manifiestan en la armonía de sus formas y la representación magistral del cuerpo humano en movimiento. Este atleta eternizado no solo personifica la destreza física, sino que también proyecta la relevancia cultural y social de la actividad atlética en la antigua civilización griega.

La Integración de la Arquitectura Gaudiana y la Escultura en el Parque Güell

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Introducción:


Barcelona, España, es hogar de algunas de las obras arquitectónicas más emblemáticas del genio catalán Antoni Gaudí. En particular, el Parque Güell es una amalgama fascinante de arquitectura y arte, donde la visión de Gaudí se entrelaza con la escultura y la pintura para crear un espacio único y lleno de significado.


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La Visión de Gaudí:


Antoni Gaudí, un arquitecto conocido por su enfoque único y orgánico, llevó su visión artística más allá de las estructuras puramente arquitectónicas. Su filosofía, influenciada por la naturaleza y la espiritualidad, se refleja claramente en el diseño del Parque Güell. Gaudí buscaba la armonía entre la arquitectura y el entorno, y esta visión se convirtió en la piedra angular de su trabajo.

La Venus de Willendorf: Una Representación Femenina del Paleolítico Superior

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La Venus de Willendorf, descubierta en 1908 en Austria, se erige como una pequeña pero poderosa estatuilla que se remonta al Paleolítico Superior, específicamente entre el 28,000 y 25,000 a.C. Labrada con detalle en piedra caliza oolítica, esta obra maestra de apenas unos 11 cm. de altura se destaca por sus formas exageradas, dando prominencia a los atributos sexuales y reproductivos. Su diseño, con senos grandes, vientre abultado, caderas anchas y genitales detallados, proclama la fertilidad y la maternidad como elementos fundamentales de su simbolismo.

La falta de rasgos faciales detallados, con la cabeza cubierta por un tocado y la ausencia de ojos, nariz y boca, añade una capa adicional de misterio a la Venus de Willendorf. Esta ausencia de detalles ha generado interpretaciones sugerentes en torno a su posible uso en rituales simbólicos relacionados con la fertilidad. La estatuilla, más que una representación anatómica, se erige como una manifestación artística que enfatiza la importancia ritualista de la función reproductiva y la maternidad en las sociedades paleolíticas.

Las hilanderas o La fábula de Aracne, 1657, por Diego Velázquez, (Barroco español), Museo del Prado, Madrid, España


Explorando 'Las Hilanderas' de Velázquez: Entre el Arte y la Mitología



En el siglo XVII, el genio artístico de Diego Velázquez alcanzó su cúspide, y 'Las Hilanderas', también conocida como 'La fábula de Aracne', emana como un testimonio magistral de su habilidad y narrativa visual única. Esta obra, ahora resguardada en el Museo del Prado de Madrid, nos transporta al corazón de una fábrica de hilado, donde la maestría técnica y la mitología clásica se entrelazan en una sinfonía visual.

Jugadores de Cartas Cezanne



Los Jugadores de Cartas de Paul Cézanne: Una Inmersión en la Pintura Maestra


El artista Paul Cézanne, destacado pintor posimpresionista francés, dejó un legado artístico invaluable, y entre sus obras maestras resalta "Los Jugadores de Cartas". Esta pintura se erige como un pilar fundamental en la transición del arte tradicional hacia formas más abstractas y modernas, capturando la esencia de la vida rural en la Provenza. Creado entre 1890 y 1896, el cuadro "Los Jugadores de Cartas" surgió en un período de efervescencia artística y cambio social. Cézanne desafiaba las convenciones artísticas establecidas, destacándose con su estilo posimpresionista que elevó la pintura a nuevas alturas.

Descripción del Cuadro:


Cézanne infundió esta obra con su distintivo estilo geométrico y una paleta de colores terrosos. En la composición, las figuras humanas se presentan con una estructura sólida, marcando un alejamiento audaz de las representaciones convencionales. La interacción de los jugadores, sus gestos y posturas, se revela a través de trazos precisos que dan vida a la escena rural.

Explorando el Postimpresionismo: Un Viaje Más Allá de los Límites de la Pintura

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El Postimpresionismo, un fascinante movimiento artístico que floreció entre 1875 y 1900, marcó un emocionante paso más allá de las limitaciones del Impresionismo. Este período no solo fue un cambio estilístico, sino una evolución que abrazó la expresión individual y la experimentación artística a niveles aún más profundos. Veamos de cerca los rasgos distintivos y algunos de los artistas clave de este movimiento.

Características del Postimpresionismo:


Libertad Expresiva: A diferencia del Impresionismo, donde la captura de la luz era central, los artistas postimpresionistas como Van Gogh, Gauguin o Cézanne buscaron expresar emociones y conceptos más allá de la realidad visual inmediata.


La habitación de Van Gogh en Arlés, (1888)

Formas únicas de continuidad en el espacio, 1913, por Umberto Boccioni, Futurismo, MoMa - Museo de Arte Moderno de Nueva York




Formas únicas de continuidad en el espacio es una icónica escultura creada por el artista italiano Umberto Boccioni en 1913. Esta obra de arte es una representación destacada del movimiento artístico conocido como futurismo, que buscaba capturar la velocidad, la energía y la dinámica del mundo moderno en el arte. La escultura, fundida en bronce, mide 1,11 metros de altura. Representa una figura estilizada en movimiento, con una forma que evoca un cuerpo humano en movimiento a gran velocidad. La figura parece estar en constante transformación y cambio, lo que refleja el espíritu del futurismo y la obsesión de los futuristas con la representación del movimiento y la velocidad en el arte.

Formas únicas de continuidad en el espacio es una de las obras más famosas de Boccioni y una de las más importantes del futurismo en general. Se encuentra en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) en los Estados Unidos, donde sigue siendo una de las piezas más destacadas y admiradas en la exhibición de arte moderno e histórico. La escultura es un símbolo del arte vanguardista del siglo XX y ha influido en generaciones de artistas posteriores.

Desarrollo: Umberto Boccioni trabajó en esta escultura como parte de su exploración de la relación entre el espacio y el movimiento. Utilizó técnicas innovadoras para representar la fluidez y la transformación en la forma de la figura. La escultura parece desafiar la gravedad y, al mirarla desde diferentes ángulos, se pueden apreciar múltiples perspectivas en constante cambio.

El rapto de Proserpina Bernini




Plutón y Proserpina o El rapto de Proserpina, 1621-22, por Gian Lorenzo Bernini, escultura en mármol, Galería Borghese, Roma, Italia



Gian Lorenzo Bernini, el renombrado artista del barroco italiano, es conocido por sus obras maestras escultóricas que marcaron una era y redefinieron la concepción del arte en el siglo XVII, autor de el Éxtasis de Santa Teresa o la Beata Ludovica Albertoni, entre otras. Entre sus obras más destacadas se encuentra "Plutón y Proserpina," también conocida como "El Rapto de Proserpina," una escultura que representa la mitológica historia del dios Plutón (Hades en la mitología griega) y Proserpina (Perséfone en la mitología griega). La creación de esta impresionante escultura se encuentra enmarcada en la época en la que Bernini atravesaba un período tumultuoso en su vida personal y profesional. A pesar de las adversidades, Il Cavalieri (el Caballero) logró canalizar sus emociones y virtuosismo artístico en esta obra maestra que combina la exquisitez del mármol con una dramática narrativa.

La escultura creada por Bernini muestra el momento en que Plutón, el dios del inframundo, emerge de la tierra para raptar a Proserpina, la hija de Ceres, diosa de la agricultura. El momento capturado en mármol es de gran intensidad, ya que Plutón agarra a Proserpina por la cintura con una fuerza apasionada, mientras esta lucha por escapar de su abrazo. La habilidad de Bernini para dar vida y dinamismo a las figuras de mármol es evidente en cada detalle, desde el retorcimiento de los cuerpos hasta la textura de los tejidos.

Balsa de la medusa, por Théodore Géricault, Óleo sobre Lienzo, Museo del Louvre, París

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La Balsa de la Medusa (en francés, "Le Radeau de la Méduse") es una famosa pintura realizada por el artista francés Théodore Géricault. La obra, que se encuentra en el Museo del Louvre de París, fue completada en 1819 y 1820.

La pintura representa un trágico episodio histórico que ocurrió en 1816 cuando la fragata francesa "Méduse" naufragó frente a la costa de Mauritania en África. Debido a una serie de malas decisiones y la falta de botes salvavidas suficientes, más de 140 personas quedaron varadas en una balsa improvisada en medio del océano. La tripulación y los pasajeros lucharon por sobrevivir en condiciones extremas, enfrentando la deshidratación, el hambre y el canibalismo. Solo quince personas sobrevivieron a la tragedia.

Composición en rojo, azul y amarillo (1921), por Piet Mondrian, Arte Abstracto

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Piet Mondrian: Un Vanguardista de la Abstracción



En el tumultuoso mundo del arte del siglo XX, Piet Mondrian se alzó como un faro de vanguardia y abstracción. Nacido en los Países Bajos en 1872, Mondrian se convirtió en una figura fundamental en el movimiento De Stijl, que abogaba por la simplicidad y la geometría en el arte y la arquitectura. Su legado artístico perdura hasta nuestros días, y una de sus obras más emblemáticas, "Composición II en rojo, amarillo, y azul" de 1921, se destaca como un ejemplo cumbre de su estilo distintivo.

Composición en rojo, azul y amarillo (1921)



La "Composición en rojo, amarillo y azul" de Piet Mondrian es una pintura icónica que captura la esencia misma del movimiento De Stijl. En esta obra, Mondrian utiliza colores primarios (rojo, amarillo y azul) junto con el blanco y el negro para crear una composición de formas geométricas simples. Rectángulos y líneas rectas se entrelazan en una danza armoniosa, mientras que el espacio negativo se convierte en un elemento igualmente importante.

La precisión y el equilibrio de la composición II de Piet Mondrian son notables. Cada elemento parece estar colocado con una intención meticulosa, y la obra irradia una sensación de orden y serenidad. A través de esta obra, Mondrian buscaba expresar la universalidad y la espiritualidad a través de la simplificación de la forma y el color.

El Beso, 1907, por Constantin Brancusi, Arte Moderno y Contemporáneo, Centro Georges Pompidou, París, Francia



El Beso de Constantin Brancusi (Kiss Brancusi)



La escultura "El Beso" es una obra icónica del célebre escultor rumano Constantin Brancusi y creada en 1907. Actualmente, esta obra maestra del arte moderno y contemporáneo se encuentra en la colección permanente del Centro Georges Pompidou, que alberga el Museo Nacional de Arte Moderno en París, Francia.

El Beso es una de las contribuciones más destacadas de Brancusi al arte moderno y es ampliamente reconocida por su estilo simplificado y abstracto. Brancusi, considerado un artista fundamental en el movimiento de la escultura moderna, es a menudo elogiado por su enfoque abstracto y minimalista en la escultura.

La escuela de Atenas (Pinturas de Rafael Sanzio)

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Descubriendo "La Escuela de Atenas" de Rafael: Un Viaje por la Filosofía y el Renacimiento


Introducción:


La Escuela de Atenas es una obra maestra del arte renacentista creada por el genio italiano Rafael Sanzio, que sigue maravillando a los espectadores con su rica simbología, perspectiva arquitectónica y profundo significado. Pintada entre 1509 y 1511, esta obra icónica no solo captura el espíritu de la Antigua Grecia, sino que también encarna la esencia del Renacimiento, un período caracterizado por el resurgimiento del conocimiento y la creatividad, donde surgirán algunos de los más grandes artistas de todos los tiempos como Miguel Ángel Buonarroti o Leonardo da Vinci, entre otros.

Tondo Doni Michelangelo (Sagrada Familia), 1508, Miguel Ángel Buonarroti y el Renacimiento



La Elegancia del "Tondo Doni" de Miguel Ángel y su Maestría Circular


El "Tondo Doni", también conocido como "Sagrada Familia", es una obra maestra del genio artista multidisciplinar del Renacimiento italiano Miguel Ángel Buonarroti. Si bien Miguel Ángel es venerado principalmente por su excelencia en la escultura y la arquitectura con obras tan destacadas como El David o La Piedad del Vaticano, no debemos pasar por alto sus pinceladas maestras tanto en los frescos de la Capilla Sixtina como en este espléndido "Tondo Doni", pintado en 1508. La técnica utilizada por Miguel Ángel en esta ocasión fue al óleo sobre tabla, donde apreciamos el despliegue de una maravillosa representación circular a modo de "tondo" de la Sagrada Familia en el que vienen representados: la Virgen María, el Niño Jesús y San Juan Bautista. Como un hábil tejedor de emociones, Miguel Ángel sitúa a estos personajes en el centro mismo de su creación, envolviéndolos en una danza de figuras desnudas que evocan tanto lo bíblico como lo mitológico.

Almuerzo sobre la hierba (Le Déjeuner sur l'herbe), 1863, por Edouard Manet, óleo sobre lienzo, Musée d’Orsay, Paris, Francia

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Escándalo y Revolución: Análisis del Cuadro 'Almuerzo sobre la hierba' de Manet



En el vasto paisaje artístico del siglo XIX surge una obra que desafía las normas con un vigor revolucionario, El Almuerzo sobre la hierba de Édouard Manet. Este polémico cuadro se convierte en un faro de audacia y controversia en el horizonte del arte. Esta pintura al óleo sobre lienzo se encuentra en el Museo de Orsay de París, donde resplandece como un ícono perdurable de la innovación artística.

Concebida en el año 1863, "Almuerzo sobre la hierba" ofrece un vistazo en el alma artística de Manet. Aquí, un paisaje campestre es testigo de una escena que desafía todas las expectativas. En medio de la naturaleza, dos hombres elegantemente vestidos entablan una conversación con una mujer que, en contraste, está desnuda y mirando directamente hacia el espectador. Esta elección atrevida de representar la desnudez femenina en un contexto contemporáneo confundió y desafió las convenciones arraigadas de la época.

Por qué hacer un Máster BIM: Impulsando tu Carrera en el Sector AECO

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Introducción:


En el mundo de la arquitectura, ingeniería, construcción y operaciones (AECO), Building Information Modeling (BIM) o Modelado de Información para la Construcción ha emergido como una metodología revolucionaria. BIM se ha convertido en una herramienta imprescindible para mejorar la eficiencia, la colaboración y la calidad en cada etapa de un proyecto. En este artículo exploraremos las ventajas de formarse en BIM y por qué cada vez más profesionales eligen esta opción para potenciar su carrera en el sector AECO.

Ventajas de Formarse en BIM:


El conocimiento de BIM ofrece innumerables ventajas para los profesionales del sector AECO. Al trabajar con modelos 3D inteligentes y coordinados, los equipos pueden visualizar proyectos de manera más realista y analizar con mayor precisión los detalles técnicos antes de la construcción. Esto se traduce en una reducción de errores y costos en el proceso de edificación. Además, BIM permite una colaboración más fluida entre arquitectos, ingenieros y constructores, ya que todos los involucrados pueden acceder a la misma base de datos actualizada en tiempo real. La comunicación se agiliza, lo que se traduce en una mayor eficiencia y un mejor flujo de trabajo.

La Bonne Mère (La Buena Madre), 1870, por Eugène-Louis Lequesne, Cobre dorado, Basílica de Notre-Dame de la Garde, Marsella, Francia




La basílica de Notre-Dame de la Garde en Marsella, Francia, es conocida por su bella arquitectura, pero fundamentalmente por la majestuosa escultura que decora su torre. Se llama "La Bonne Mère", que en francés significa "La Buena Madre". La bellísima estatua dorada representa a la Virgen María sosteniendo al niño Jesús en sus brazos. La gigantesca escultura, creada por el escultor Eugène-Louis Lequesne, fue colocada en la cúpula de la basílica en 1870. La basílica se encuentra en una colina que domina la ciudad y es un importante lugar de peregrinación y turismo.

La escultura es icónica y se ha convertido en uno de los símbolos más reconocidos de Marsella. Se puede ver desde diferentes puntos de la ciudad y se ha convertido en un emblema de la fe y la protección para los marineros y los habitantes de Marsella. La estatua de La Bonne Mère es una imagen muy querida por los marselleses y ha sido objeto de devoción durante más de un siglo. La basílica de Notre-Dame de la Garde es uno de los lugares más visitados de Marsella y la escultura de La Bonne Mère es una de las atracciones principales que atrae a turistas de todo el mundo.

Dispone de 9 metros de altura y está hecha de cobre dorado. El cobre se ha tratado y dorado para darle un aspecto brillante y duradero. La escultura muestra a la Virgen María de pie, con una postura majestuosa y una expresión serena en su rostro. Sostiene al niño Jesús en sus brazos, quien también está representado con delicadeza y detalle.

La Virgen María luce un cabello ondulado y largo y está vestida con una túnica larga y fluida típica de las representaciones marianas. Lleva una corona en la cabeza, que está adornada con joyas y detalles ornamentales. La corona de la Virgen María posee incrustaciones de piedras preciosas y esmalte colorido para resaltar su belleza.

La escultura de "La Bonne Mère" de la basílica de Notre-Dame de la Garde en Marsella, Francia, se enmarca dentro del estilo artístico del neobizantino o neobizantinismo.

El neobizantinismo es un estilo arquitectónico y artístico que se desarrolló a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, principalmente en Europa. Este estilo fue influenciado por la arquitectura y el arte bizantino de la antigua Constantinopla (hoy Estambul) y la región del Mediterráneo oriental.

La escultura de La Bonne Mère presenta características propias del estilo neobizantino. Estas características incluyen:

Formas geométricas y simétricas: El neobizantinismo se caracteriza por el uso de formas geométricas simples y simétricas, lo cual se puede apreciar en la estatua de La Bonne Mère. Las líneas y contornos de la escultura son suaves y estilizados, siguiendo un equilibrio y simetría cuidadosos.

Detalles ornamentales: El estilo neobizantino es conocido por su rica ornamentación y detalles decorativos. En la escultura, se pueden encontrar elementos ornamentales como la corona de la Virgen María, que puede tener incrustaciones de piedras preciosas o esmalte.

Uso de materiales dorados: El cobre dorado utilizado en la escultura resalta la influencia del estilo bizantino, ya que en la antigua Constantinopla se utilizaba el oro y las hojas de oro en la decoración de iglesias y obras de arte religioso.

La escultura de La Bonne Mère es una representación artística impresionante y sorprendente de la Virgen María y el niño Jesús. Su tamaño imponente, el uso del cobre dorado y los detalles ornamentales la convierten en una pieza visualmente cautivadora y reverenciada en la basílica de Notre-Dame de la Garde, de obligada visita si algún día visitas Marsella.


Ugolino y sus hijos, 1861, por Jean-Baptiste Carpeaux, Mármol, (Romanticismo), Museo de Orsay, París, Francia

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La escultura "Ugolino y sus hijos" es una obra famosa creada por Jean-Baptiste Carpeaux, un escultor francés del siglo XIX. La obra representa un pasaje del "Infierno" de la Divina Comedia de Dante Alighieri, en el cual el conde Ugolino della Gherardesca es castigado en el último círculo del infierno. Ugolino era un noble italiano del siglo XIII que fue acusado de traición y encarcelado junto con sus hijos en una torre. La escultura muestra a Ugolino sentado y rodeado de sus cuatro hijos, quienes están desesperados y angustiados debido a la falta de comida. La obra captura la tensión emocional y la agonía física que experimentan los personajes.