La Piedad de Miguel Ángel Buonarroti, Renacimiento Italiano, Basílica de San Pedro, Roma, Italia, 1498—1499



Cliente: Cardenal Saint-Denis (San Dionisio)
Escultor: Miguel Ángel Buonarroti (Artista Universal)
Nombre: Piedad (Pietà)
Fecha de creación: 1498-1499 (363 días)
Estilo: Renacimiento Italiano (Quattrocento)
Material: Mármol blanco
Tema: Religioso
Dimensiones: 195 cm. ancho x 174 cm. alto
Planta: Elipsoidal
Único viaje de la Piedad: Feria Mundial de Nueva York en 1964
Restauración tras el ataque: 1972-73
Localización: 1ª Capilla a la derecha de la
Basílica de San Pedro del Vaticano, Roma, Italia


Aunque todavía desconocido para muchos, desde muy temprana edad Miguel Ángel Buonarroti ya destacaba enormemente por encima del resto de artistas, por lo que, durante su primera estancia en Roma, su grandioso arte llamó poderosamente la atención del cardenal Saint-Denis, embajador de Francia en la Santa Sede del Vaticano, quien para dejar un digno recuerdo en esta famosa ciudad, encargó a Miguel Ángel una Piedad de bulto redondo, que, al concluirse, sería ubicada en San Pedro. No obstante, el encargo se llevó a cabo bajo algunas condiciones, ya que, tal y como figura en el contrato firmado en Roma, el 27 de Agosto de 1498, se trataría de « una Piedad de mármol, hecha con una Virgen María vestida sosteniendo en sus brazos a su hijo Jesucristo muerto, a escala natural ». El artista cobraría por el trabajo 450 ducados de oro en moneda pontificia, que debía realizar en el plazo de un año.


arriba, bonita marina de Carrara, con los Alpes Apuanos al fondo, lugar de donde extrajo Miguel Ángel el bloque de mármol blanco en el que tallaría de forma magistral la bellísima Piedad del Vaticano.

Jacopo Galli, representante de Miguel Ángel en dicho contrato, aseguró al cardenal benedictino que la obra estaría concluida en el plazo de un año, y que sería « la escultura mas bella de toda Roma, ya que ninguno de los Maestros actuales serían capaces de superarla ». Tal y como era costumbre y gusto en el Renacimiento Italiano, Miguel Ángel Buonarroti talló la escultura de la Piedad de un sólo bloque de mármol. Para ello, el propio artista se personó en las canteras de los Alpes Apuanos, situadas al norte de la ciudad de Carrara, en la Toscana, donde eligió minuciosamente el bloque de mármol blanco en el que tallaría posteriormente la que se convertiría en su primera obra maestra, la Piedad del Vaticano. No obstante, uno de los debates muy interesantes que originó la maravillosa escultura creada por Miguel Ángel para San Pedro después de ser inaugurada la obra en 1499 fue la eterna juventud que presentaba la Virgen.


Cuando se le preguntó al maestro porqué había representado a la Virgen tan joven, éste contestó: « Las personas enamoradas de Dios no envejecen nunca. La Madre tenía que ser joven, más joven que el Hijo, para demostrarse eternamente Virgen; mientras que el Hijo, incorporado a nuestra naturaleza humana, debía aparecer como otro hombre cualquiera en sus despojos mortales. », Miguel Ángel Buonarroti

Una de las curiosidades del encargo de la Piedad de Miguel Ángel, —quien desde el principio se mostró bastante caprichoso y perfeccionista—, fue que el artista descubrió la obra tan sólo -2 días antes- de cumplirse el plazo, por lo que, el cardenal francés Saint Denis (San Dionisio), promotor de la obra y que lamentablemente había fallecido unos días antes, no pudo ver finalmente concluida la obra. Debido al fallecimiento del cardenal, la Piedad se emplazó en un primer momento en el sepulcro del eclesiástico, ubicado en la Capilla de Santa Petronila del Vaticano, tal y como había sido su deseo. Sin embargo, más tarde sería trasladada a la Capilla de San Pedro, posteriormente a la capilla Della Febbre, (por este motivo también se la conoce como la Virgen Della Febbre), y desde 1749 se exhibe en la capilla del Crucifijo, la 1ª capilla a la derecha de la Basílica San Pedro, donde puede admirarse hoy en todo su esplendor.



Otro de los debates que suscitó la bellísima obra creada por el gran Miguel Ángel para San Pedro fue su autoría, ya que, debido a su juventud, —contaba con tan sólo 23 años de edad—, resultaba prácticamente imposible que un artista tan joven pudiese haber tallado tal inmensa obra de arte de absoluta perfección, extrayéndola de un único bloque de mármol. De modo que otra de las curiosidades de la Piedad del Vaticano es que se trata de la única obra firmada por el artista. Tal y como describe Giorgio Vasari en sus memorias: «...un día, al entrar Miguel Ángel en la capilla donde está la Piedad, encontró allí a gran número de forasteros lombardos que alababan mucho la obra. Uno de ellos le preguntó a otro quién la había ejecutado y éste contestó: "Nuestro Gobbio, de Milán". Miguel Ángel nada dijo, pero le dolió que sus esfuerzos fuesen atribuidos a otro, de modo que una noche se encerró en la capilla con una luz y sus cinceles, y grabó su nombre en la obra. ».


Para que no hubiese ninguna duda de su autoría, Miguel Ángel talló en la cinta que sostiene el manto de la Virgen la inscripción, « MICHEL A(N) GELUS BONAROTUS FLORENT(INUS FACIEBAT. », cuya traducción viene a decir: « Miguel Ángel Buonarroti, el florentino, la hizo. »

Antecedentes a la Piedad:

En 1488, con tan sólo 13 años de edad y por recomendación de Domenico Ghirlandaio, el jovencísimo Miguel Ángel entra como aprendiz en la escuela de escultura que "el Magnífico" Lorenzo de Médici había creado en los jardines florentinos de San Marco donde permaneció cuatro años, hasta 1492. Es durante estos años cuando esculpe los preciosos relieves de la Batalla de Hércules con los Centauros y la Virgen de las Escaleras, además de colaborar en la restauración de la escultura antigua del Hércules Farnesio, para el que también diseñó un nicho. "Ocurrió que los Médicis fueron expulsados de Florencia en Noviembre de 1494. Pocas semanas antes, Miguel Ángel había ido a Bolonia, y luego a Venecia, pues temía que, por ser íntimo de la familia, le ocurriera algo siniestro. Como en Venecia no encontró medios de existencia, regresó a Bolonia". Es en esta ciudad donde, aparte de estudiar la obra de Jacopo della Quercia, —quien se le considera una de las referencias más importantes para Miguel Ángel—, el artista esculpe tres estatuas de mármol que faltaban en el Arca de la Basílica de Santo Domingo: San Petronio, San Próculo y un bellísimo Ángel con un candelabro.

Poco más de un año después de su estancia en Bolonia, Miguel Ángel siente que está perdiendo el tiempo, por lo que vuelve a Florencia. Es aquí donde realizará, para Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, un San Juan de mármol y un cupido dormido a tamaño natural. Gracias al revuelo que se formó con esta última escultura, que fue creada y envejecida a posta por Miguel Ángel para darle un mayor valor, éste consigue una importante recomendación para viajar por primera vez a Roma en julio de 1496. Será en esta famosa ciudad donde crea, para el banquero Messer Iacopo Galli, otro Cupido en mármol a tamaño natural y el Baco. El artista despierta inmediatamente gran interés y admiración por el cardenal francés Saint Denis, —llamado cardenal de Rohan—, quien para dejar un bonito recuerdo en esta famosa ciudad, le encarga al joven Miguel Ángel una Piedad en mármol que sería ubicada en la Basílica de San Pedro del Vaticano. Miguel Ángel permanecerá en Roma hasta 1501, fecha en la que regresa a Florencia, donde esculpirá, superando a los maestros antiguos, su siguiente obra maestra, el David.



Una Piedad es una « representación en pintura o escultura del dolor de la Virgen María al sostener el cadáver de Jesucristo descendido de la cruz ». Sin embargo, Miguel Ángel nos muestra en esta obra una belleza completamente neoplatónica; no existe en ambas figuras ningún tipo de dolor o sufrimiento. Si contemplamos la obra de frente, en la que Miguel Ángel hizo especial énfasis, —para que la obra fuese observada principalmente desde ese punto de vista—, el icónico conjunto escultórico presenta una composición piramidal, quedando las figuras inscritas en un triángulo equilátero. El gran realismo alcanzado por Miguel Ángel en la Piedad del Vaticano sólo fue posible gracias al estudio exhaustivo previo de la figura humana. Después de realizar un Crucifijo de madera para el altar mayor de la Iglesia de Santo Spirito de Florencia, agradó tanto al prior, que éste permitió a Miguel Ángel « el uso de locales en que, disecando cadáveres para estudiar la anatomía humana, empezó a dar perfección a su gran capacidad de dibujante ». El realismo y la perfección alcanzadas por Miguel Ángel están presentes en todas las partes de la obra, ya que las figuras no sólo están esculpidas a tamaño natural, sino que además, todos los miembros de Jesucristo y la Virgen, incluidos por supuesto los maravillosos pliegues del hábito y el velo, fueron tallados por el maestro de forma excepcional.


La bellísima Piedad creada por Miguel Ángel en su primera etapa clasicista queda representada por la Virgen María, quien, con la cabeza ligeramente inclinada, sostiene en su regazo a su hijo Jesucristo muerto; a la vez, con su mano izquierda extendida, la Virgen ruega una oración por su alma.

Memorias de Vasari sobre la Piedad de Miguel Ángel:

« Durante su estancia en Roma progresó tanto, que no se podía creer que tuviese pensamientos tan elevados y realizara con tanta facilidad difíciles proezas; asombraba tanto a los que no estaban acostumbrados a ver tales cosas, como a los que estaban acostumbrados a las buenas producciones, porque lo que los demás hacían parecía una nulidad comparado con lo de Miguel Ángel. Lo cual despertó en el cadernal de Saint-Denis, llamado cardenal de Rohan, un francés, el deseo de dejar, mediante tan excepcional artista, algún digno recuerdo de sí en tan famosa ciudad, y le encargó una Piedad en mármol, de bulto entero, la cual, una vez terminada, fue colocada en San Pedro, en la capilla de la Virgen María della Febre, en el templo de Marte.

A esa obra, nunca piense escultor o artista sobresaliente poder añadirle jamás mejor composición o mayor gracia, ni superarla en finura, pulido o delicada talla del mármol, porque en ella se resume todo el valor y toda la fuerza del arte. Entre las bellezas que allí se encuentran, aparte de los divinos drapeados, se destaca el Cristo muerto; en belleza de los miembros y arte en la representación del cuerpo, es un desnudo insuperable, bien estudiado en cuanto a músculos, venas, nervios y huesos y, además, no hay muerto que parezca más muerto que éste. La dulcísima expresión del rostro y la concordancia en las coyunturas de brazos, piernas y torso, el trabajo de las venas, todo causa maravilla, y se asombra uno de que la mano de un artista haya podido hacer en tan poco tiempo cosa tan admirable; porque ciertamente es un milagro que una piedra, en principio sin forma alguna, pueda ser llevada jamás a la perfección que la naturaleza, con esfuerzo, suele dar a la carne.

Esta Piedad le dio mucha fama y si bien algunos tontos dicen que hizo demasiado joven a la Virgen ¿no advierten ni saben que las personas vírgenes inmaculadas mantienen y conservan largo tiempo la expresión de su rostro sin alteración alguna, mientras que con los afligidos, como Cristo, ocurre lo contrario? De modo que esa obra agregó bastante más gloria y fama a su talento que todas las anteriores. »





Tres frases de "El Divino" Miguel Ángel en relación a la Piedad:

« La verdadera obra de arte no es más que una sombra de la perfección divina. »
« ¿Cómo puedo hacer una escultura? Simplemente retirando del bloque de mármol todo lo que no es necesario. »
« En cada bloque de mármol veo una estatua tan clara como si se pusiera delante de mí, en forma y acabado de actitud y acción. Sólo tengo que labrar fuera de las paredes rugosas que aprisionan la aparición preciosa para revelar a los otros ojos como los veo con los míos. »




Desafortunadamente, el 21 de mayo de 1972, un hecho trágico se producía en Roma. Un demente ocasionaba gravísimos daños a la Piedad de Miguel Ángel después de golpear la escultura con un martillo hasta 15 veces antes de ser reducido por el personal de seguridad. La primera obra maestra de Miguel Ángel Buonarroti quedaba seriamente dañada, afectando sobre todo a la nariz, los párpados y la mano izquierda de la Virgen, de la que se desprendieron en total 50 fragmentos. Debido a este grave incidente, —son inconcebibles actos destructivos de este tipo ante una de las obras de arte más importantes de toda la historia de la humanidad—, la escultura fue sometida inmediatamente a una importante y exhaustiva restauración que duró casi un año, exponiéndose nuevamente al público en el mismo lugar en 1973, esta vez tras un cristal blindado.



Mapa de localización (Basílica de San Pedro del Vaticano, Roma, Italia)

Créditos Fotográficos:
Foto 1 © Dominio Público
Foto 2 Se desconoce la fuente
Resto de imágenes © Robert Hupka Web
Texto © José Miguel Hernández Hernández
Editor, Escritor y Fotógrafo de Arquitectura
Todos los derechos reservados jmhdezhdez.com




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¿Sabías qué...? de la semana: Tumba de Miguel Ángel Buonarroti en Santa Croce



Tumba de Michelangelo




¿Sabías qué...? Después de su muerte, —el 18 de febrero de 1564—, en un principio Miguel Ángel Buonarroti fue enterrado en la Basílica romana de los Santos Apóstoles (Santi Apostoli). Sin embargo, tres semanas después, ya en el mes de marzo, su sobrino Leonardo, aunque con permiso del papa, por orden del duque Cosme de Médicis trasladó en secreto sus restos mortales hasta la Basílica de la Santa Cruz (Santa Croce) de Florencia, tal y como era deseo del artista. No obstante, solemnes funerales fueron celebrados en la Iglesia en su memoria, siendo honrado por numerosos florentinos. El genio dejaba un importantísimo legado artístico, fundamentalmente en las ciudades de Roma y Florencia, pasando a convertirse en el "artista total" más importante de todos los tiempos.

El sepulcro de Miguel Ángel Buonarroti fue proyectado por su amigo, arquitecto y biógrafo Giorgio Vasari, quien además se encargó de La Piedad (pintada al fresco) que situó sobre el busto del artista. La ejecución de la obra fue encargada a Giovanni Battista Lorenzi, gran escultor florentino, quien además de esculpir el busto de Miguel Ángel, —realizado a partir de su máscara funeraria—, se encargó también de la escultura de la izquierda, que simboliza la pintura. La estatua central, que representa a la escultura, fue realizada por Valerio Cioli, y la de la derecha, que simboliza la arquitectura, fue esculpida por Giovanni dell'Opera. El conjunto del monumento se compone de dos triángulos equiláteros dispuestos sobre una fachada clásica de orden romano decorada con bellísimos frescos llenos de ángeles que velan por el alma del artista, y que recuerdan enormemente a los frescos de la Capilla Sixtina pintada por Michelangelo.

Las tres estatuas alegóricas que se sitúan bajo el busto de Miguel Ángel representan por tanto a las tres Bellas Artes por excelencia, como son la Pintura, la Escultura y la Arquitectura. El propio sepulcro en sí mismo ya representa a las tres bellas artes: los frescos a la pintura, las estatuas a la escultura, y la fachada que sirve de fondo a la arquitectura. Estas tres bellas artes hacen clara alusión al carácter multidisciplinar del gran maestro del Renacimiento Italiano (escultor, pintor, arquitecto, etc.), autor de La Piedad o El David (escultura), los Frescos de la Capilla Sixtina (pintura) o la Cúpula de San Pedro del Vaticano (arquitectura). Es también muy importante señalar que las cuatro estatuas, —el busto de Miguel Ángel y las tres alegorías—, fueron esculpidas a tamaño natural.



arriba, imagen de la Basílica de Santa Croce de Florencia de estilo Renacimiento, Gótico y Neoclásico, obra, entre otros, del propio Vasari, donde descansan los restos mortales del gran artista del Renacimiento Italiano Miguel Ángel Buonarroti.

Datos de interés:
Autores de la Tumba de Miguel Ángel Buonarroti:
Proyecto y Piedad (pintada al fresco): Giorgio Vasari
Ejecución de la obra, Escultura izq. (Pintura) y
busto de Miguel Ángel: Giovanni Battista Lorenzi
Estatua del centro (Escultura): Valerio Cioli
Escultura dcha. (Arquitectura): Giovanni dell'Opera
Fecha de creación: 1564-70
Características: Monumento funerario (Sepulcro-Tumba)
Estilo: Renacimiento Italiano (Cinquecento)
Materiales del sepulcro: Mármol y Pinturas al Fresco
Localización: 1ª Capilla de la nave lateral derecha
de la Iglesia de Santa Croce (Florencia, ITA)



arriba, zona central del bellísimo monumento homenaje a Miguel Ángel con las figuras principales. En su primera concepción del proyecto, Vasari contempló la posibilidad de incluir algunas esculturas del propio Michelangelo, sin embargo, debido a cambios posteriores de diseño, finalmente la idea fue descartada; abajo, precioso detalle de la alegoría central que simboliza la escultura, —obra de Valerio Cioli—, que consigue reflejar el dolor y la tristeza por la ausencia del genio artista.



Extracto del libro: "Vida de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue hasta nuestros tiempos", por Giorgio Vasari- 2ª Edición (1568)

« Un año antes de la muerte de Miguel Ángel, Vasari indujo secretamente al duque Cosme a lograr, por intermedio de Messer Averardo Serristori, su embajador, que el Papa hiciera vigilar a los que cuidaban del artista y trabajaban en su casa, pues Miguel Ángel estaba muy viejo y si le ocurría algún accidente, como suelen sufrirlos de pronto los ancianos, era preciso tomar disposiciones acerca de sus cosas, dibujos, modelos, cartones, dinero y demás bienes, que en caso de muerte debían ser inventariados y puestos en lugar seguro, para entregarlos oportunamente sea a la Fábrica de San Pedro, si le correspondían, o a la sacristía y biblioteca de San Lorenzo, en vez de desaparecer, como a menudo sucede. Fue útil esta gestión, pues todo eso se cumplió finalmente.

Deseaba Lionardo, sobrino de Miguel Ángel, ir a Roma para la Cuaresma siguiente, pues se adivinaba que el artista llegaba al fin de su vida. Y éste se alegraba de la prometida visita cuando enfermó de una fiebre lenta y en el acto hizo que Daniello le escribiera a su sobrino para llamarlo a su lado. Pero se agravó su mal y en presencia de Messer Federigo Donati, su médico, y otros amigos queridos que lo rodeaban, hizo con pleno conocimiento su testamento en tres frases: dejaba su alma en las manos de Dios, su cuerpo a la tierra y sus bienes a los deudos más próximos, pidiendo a los suyos que, al pasar de esta vida, le recordasen el padecimiento de Jesucristo. Y así, el 17 de febrero del año 1563, a las 23 horas, al uso florentino (que al romano sería 1564), expiró, pasando a mejor vida. Diose sepultura a Miguel Ángel con reverentes exequias y con participación de todos los artistas, sus amigos y la nación florentina. Sus restos fueron depositados en Santo Apóstolo en presencia de toda Roma, y Su Santidad expresó el propósito de hacerle construir un monumento funerario particular en la basílica de San Pedro.

Pero después de todos aquellos honores, el duque Cosme de Médicis ordenó que los restos de Miguel Ángel fueran transportados a Florencia y que se les diese sepultura honorable en Santa Croce, iglesia en que el artista deseaba descansar, por estar allí las tumbas de sus mayores. A Lionardo, sobrino de Miguel Ángel, que realizó el traslado de las cenizas con el consentimiento del Papa, Su Excelencia donó todos los mármoles para el mausoleo, que fue proyectado por Giorgio Vasari y encargado a Battista Lorenzi, notable escultor, junto con la cabeza de Miguel Ángel. Y como han de ponerse tres estatuas, las de la Pintura, la Escultura y la Arquitectura, una de éstas fue encargada a dicho Battista, otra a Giovanni dell'Opera y la última a Valerio Cioli, escultores florentinos, los cuales siguen trabajando en esas obras que pronto estarán terminadas y se colocarán en su lugar. Recibidos los mármoles del duque, paga los gastos Lionardo Buonarroti, pero Su Excelencia, para no dejar de tributar todas las honras debidas a semejante hombre, hará colocar el monumento con su nombre y su busto en la catedral, donde están los nombres y las efigies de los demás florentinos excelentes ».



Mapa de Localización (Basílica de Santa Croce, Florencia, ITA)



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Frases y citas célebres: Frank Lloyd Wright



Frank Lloyd Wright (1867-1959)




Arquitecto, Dibujante, Urbanista, Diseñador, Decorador de interiores, Escritor, Educador, Artista Universal (Arquitectura Orgánica) / Architect, Artist, Planner, Designer, Interior Decorator, Author, Educator, Universal Artist (Organic Architecture)




« Todo gran arquitecto, necesariamente, es un gran poeta. Debe ser un gran intérprete original de su tiempo, de sus días, de su época. » / « Every great architect, necessarily, a great poet. Should be a great original interpreter of his time, of his days, his time. »

« Yo conozco el precio del éxito: dedicación, trabajo duro y una devoción constante hacia las cosas que quieres que ocurran. » / « I know the price of success: dedication, hard work and constant devotion to the things you want to happen. »

« Los edificios, también, son hijos de la tierra y el sol. » / « Buildings, too, are children of the earth and sun. »

« La libertad viene de adentro. » / « Freedom comes from within. »

« El arquitecto debe ser un profeta... Un profeta en el verdadero sentido del término... Si no puede ver por lo menos diez años hacia adelante no lo llamen arquitecto. » / « The architect must be a prophet ... A prophet in the true sense of the term ... If you can not see at least ten years ahead do not call him an architect. »

« Lograr la individualidad es el logro supremo del alma humana, es la obra maestra del maestro. La individualidad es sagrada. » / « Achieve individuality is the supreme achievement of the human soul, is the masterpiece of the master. Individuality is sacred. »

« La arquitectura debe pertenecer al entorno donde va a situarse y adornar el paisaje en vez de desgraciarlo. » / « The architecture must be in the environment where it will lie and embellish the landscape instead spoiling it. »

« Un experto es un hombre que ha dejado de pensar; sabe. » / « An expert is a man who has stopped thinking; he knows. »

« La arquitectura es vida, o por lo menos es la vida misma tomando forma y por lo tanto es el documento más sincero de la vida tal como fue vivida siempre. » / « Architecture is life, or at least it is life itself taking form and therefore it is more honest document of life as it was lived long. »

« Temprano en la vida tuve que elegir entre la arrogancia honesta y la humildad hipócrita. Elegí lo primero y no he visto razón para cambiar. » / « Early in life I had to choose between honest arrogance and hypocritical humility. I chose the former and have seen no reason to change. »

« Un médico puede enterrar sus errores, pero un arquitecto apenas puede aconsejar a sus clientes que planten enredaderas. » / « A doctor can bury his mistakes but an architect can only advise his clients to plant vines. »

« Denme los lujos de la vida y con gusto prescindiré de las necesidades. » / « Give me the luxuries of life and willingly do without the necessities. »

« Un hombre es un tonto si bebe antes de los cincuenta, y otro tonto si no lo hace después. » / « A man is a fool if you drink before the fifties, and another fool if you do not after. »

«La juventud es una cualidad, no una cuestión de circunstancias. » / « Youth is a quality, not a matter of circumstances. »

« El arte por el arte es la filosofía de los bien alimentados. » / « Art for art is the philosophy of well-fed. »

« Una idea es la salvación por medio de la imaginación. » / « An idea is salvation by imagination. »

« Estoy por el completo a favor de mantener las armas peligrosas fuera del alcance de los tontos. Empecemos con la máquina de escribir. » / « I am for the full favor of keeping dangerous weapons out of the reach of fools. Let's start with the typewriter. »

« Lo que siempre pasa es aquello en lo que uno cree realmente; y creer en algo hace que pase. » / « What always happens is that in which you truly believe; and believing something makes pass. »

« Los edificios modernos son máquinas de cartón, mecánicas, amaneradas, artificiales, sin alma. » / « Modern buildings are board machines, mechanical, mannered, artificial, soulless. »

« El arquitecto debe esforzarse continuamente para simplificar; debe ser cuidadosamente considerado para que la comodidad y la utilidad puedan ir de la mano con la belleza. » / « The architect must continually strive to simplify; should be carefully considered for the comfort and utility can go hand in hand with beauty. »

« He cometido el pecado mortal de tener ideas en una democracia. » / « I have committed the mortal sin of having ideas in a democracy. »

« Yo nunca miro atrás. » / « I never look back. »

« El espacio interior se transforma en la realidad del edificio. » / « Becomes the interior space of the building in reality. »

« Los negocios son como andar en bicicleta. Ya sea mantenerse en movimiento o te caes. » / « Business is like riding a bicycle. Either keep moving or you fall. »

« La vida noble exige una arquitectura noble para usos nobles de los hombres nobles. La falta de cultura es lo que siempre ha significado la civilización innoble y por lo tanto la caída inminente. » / « The Noble life demands a noble architecture for noble uses of noble men. The lack of culture is what has always meant ignoble civilization and therefore imminent downfall. »

« Cada casa es una misión, yo estoy construyendo casas que predicen el fin del presente orden social. » / « Every home is a mission I'm building houses predicting the end of this social order. »

« Un gran arquitecto no se hace tanto por medio de un cerebro como por un corazón cultivado y enriquecido. » / « A great architect is not so much by a brain as a cultivated, enriched heart. »

« Consideren tan conveniente construir un gallinero que una catedral. » / « Considered as desirable to build a chicken coop a cathedral. »

« Los edificios, como las personas, deben ser en primer lugar sinceros, deben ser auténticos, y además tan atractivos y bonitos como sea posible. » / « Buildings, like people, must be sincere first place, must be authentic, and also as attractive and beautiful as possible. »

« Muchos de los ricos no son más que empleados de limpieza de sus posesiones. » / « Many of the rich are just janitors of their possessions. »

« Creo en Dios, sólo que lo llamo Naturaleza. » / « I believe in God, only I call it Nature. »

« La televisión es la goma de mascar para los ojos. » / « Television is chewing gum for the eyes. »

«Una América libre… quiere decir sólo esto: la libertad individual para todos, ricos o pobres, o de lo contrario este sistema de gobierno que llamamos democracia será sólo un recurso para esclavizar al hombre a la máquina y convertirlo en máquina. » / « A free America ... means just this: individual freedom for all, rich or poor, or else this system of government we call democracy is only a resource to enslave man to the machine and turn it into machine. »

« La arquitectura es la madre del arte. » / « Architecture is the mother of art. »

« La naturaleza es mi manifestación de Dios. Acudo a la naturaleza todos los días en busca de inspiración en el trabajo diario. Yo sigo en la construcción los principios que la naturaleza ha utilizado en su dominio. » / « Nature is my manifestation of God. I go to nature every day for inspiration in daily work. I keep on building the principles which nature has used in its domain. »

« Lo único malo de la arquitectura son los arquitectos. » / « The only bad architecture are the architects. »

« La verdad es más importante que los hechos. » / « The truth is more important than facts. »

« El científico ha tomado el lugar del poeta. Pero un día alguien va a encontrar la solución a los problemas del mundo y recuerda que será un poeta, no un científico. » / « The scientist has taken the place of the poet. But one day someone will find the solution to the world's problems and remember to be a poet, not a scientist. »

« El espacio es el soplo del arte. » / « Space is the breath of art. »

« La arquitectura es el triunfo de la Imaginación Humana sobre materias, métodos, y hombres, para poner al hombre en la posesión de su propio mundo. Es por lo menos el patrón geométrico de cosas, de la vida, del mundo humano y social. Es en el mejor de los casos ese marco mágico de la realidad que a veces rozamos cuando utilizamos la palabra "orden". » / « Architecture is the triumph of Human Imagination on materials, methods, and men, to put the man in possession of his own world. It is at least the geometric pattern of things, of life, of human and social world. It is in the best part of that magical reality that sometimes we touch when we use the word "order". »

« La ciudad de Nueva York es un gran monumento al poder del dinero y la codicia... Una carrera en pos de la renta. » / « The city of New York is a great monument to the power of money and greed ... A race for rent. »

« Orden a partir del caos. » / « Order out of chaos. »

« Para mí ser joven no tiene significado. Es algo que no puedes evitar, de ninguna manera. Porque ser joven es una cualidad, y si la tienes, nunca la pierdes. Y cuando te meten en la caja, ahí empieza tu inmortalidad. » / « For me being young does not have meaning. It's something you can not help in any way. Because being young is a quality, and if you do, never lose. And when you get into the box, then start your immortality. »

« Cuanto más vivo, más maravillosa se vuelve la vida. » / « The longer I live the more beautiful life becomes. »

« Si inviertes en belleza, permanecerá contigo toda la vida. » / « If you invest in beauty, it will remain with you forever. »

« La ciudad venidera dependerá de la carrera entre el automóvil y el elevador, y cualquiera que apueste por el elevador está loco... » / « The upcoming city depends on the race between the car and the elevator, and anyone who bet on the elevator is crazy ... »

« Lograr el todo con lo mismo. » / « Achieving all with the same. »

« El skyline de Nueva York es una atrocidad medieval. » / « The skyline of New York is a medieval atrocity. »

« Los médicos tapan sus errores con tierra, los abogados con papeles y los arquitectos aconsejan poner plantas. » / « Medical cover their mistakes with soil, lawyers and architects with papers advise putting plants. »

« Debido a esta seguridad interna de medios y de fines en arquitectura, como parte de mí mismo, a menudo he sido llamado arrogante. Creo que lo que parece arrogancia es sólo una irritación superficial. » / « Due to the internal security of means and ends in architecture, as part of myself, I have often been called arrogant. I think it looks arrogance is only a superficial irritation. »

« El espacio es la realidad de un edificio. » / « Space is the reality of a building. »

« Si la cosa sigue así, al hombre se le atrofiarán todos los miembros salvo el dedo de apretar botones. » / « If the thing keeps up, man will atrophy all members except finger pushing buttons. »

« La simplicidad y el reposo son las cualidades que miden el verdadero valor de cualquier obra de arte. » / « Simplicity and repose are the qualities that measure the true value of any work of art. »

« Una idea es la salvación por medio de la imaginación. » / « An idea is salvation by imagination. »

« El corazón es el principal rasgo de una mente funcional. » / « The heart is the main feature of a functional mind. »

« Tal vez podamos mostrar al gobierno cómo operar mejor como resultado de una mejor arquitectura. » / « Perhaps we can show the government how to operate better as a result of better architecture. »

« La juventud no es más que un estado de ánimo. » / « Youth is but a mood. »

« El gusto arquitectónico es una cuestión de ignorancia. » / « The architectural taste is a matter of ignorance. »

« Ninguna casa debería estar nunca sobre una colina ni sobre nada. Debería ser de la colina. Perteneciente a ella. Colina y casa deberían vivir juntas, cada una feliz de la otra. » / « No house should ever be on a hill or on anything. It should be of the hill. Belonging to it. Hill and house should live together, each happy in the other. »

« La forma sigue a la función –esto ha sido malinterpretado. Forma y función deberían ser una, unidas en una unión espiritual. » / « Form follows function-that has been misunderstood. Form and function should be one, joined in a spiritual union. »

« El museo tiene que ser la primera obra de arte. » / « The museum has to be the first work of art. »





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¿Sabías qué...? de la semana / Did you know...? of the week: Estatua de la Libertad del Capitolio de Washington D.C.



Statue of Freedom Capitolio




¿Sabías qué...? En lo alto de la cúpula del Capitolio de Washington D.C. luce espléndida una bellísima escultura llamada "Statue of Freedom" (Estatua de la Libertad). La obra, de casi 6 metros de altura y de estilo neoclásico realizada en bronce, fue creada por el artista Thomas Crawford. Se trata de una figura femenina clásica de pelo largo y suelto que luce un casco decorado con la cabeza de un águila, cresta y plumas, al que rodean 9 estrellas. La figura está vestida con un traje hasta los pies en el que destaca un broche bajo el pecho con la inscripción "US", en alusión a los Estados Unidos de Norteamérica. No obstante, su pose es serena y tranquila, pero a su vez espectante, como si tuviese su mirada fijada hacia el infinito.



The Statue of Freedom (La Estatua de la Libertad); Escultor-Artista: Thomas Crawford; Material: Bronce; Altura: 5,94 metros; Estilo: Neoclásico; Fundición en bronce: 1860 (montada en secciones); Colocación de la estatua sobre la cúpula del Capitolio: 1863; Restauración: 1993; Costo de la estatua: $23,796.82; Arquitecto de la cúpula del Capitolio US: Thomas Ustick Walter / The Statue of Freedom ; Sculptor-Artist: Thomas Crawford; Material: Bronze; Height: 5.94 meters; Style: Neoclassical; Cast in bronze: 1860 (mounted sections); Placement of the statue on the dome of the Capitol: 1863; Restoration: 1993; Statue Cost: $ 23,796.82; Architect of the Capitol dome US: Thomas Ustick Walter

La estatua porta en su mano derecha una espada envainada envuelta por un pañuelo, mientras, en su mano izquierda sostiene un escudo con la bandera de los Estados Unidos y una corona de laurel; además, 10 clavos de bronce con punta de platino repartidos por su tocado y hombros junto con el escudo, la protegen de posibles rayos. La escultura se erige espléndida a muchísima altura dominando el paisaje urbano de la ciudad de Washington D.C. sobre un pedestal de hierro fundido y un globo con el lema "E pluribus unum", frase en latín que se corresponde con uno de los principales lemas nacionales de los Estados Unidos, que significa « De muchos, uno » o también « Unidad en la Diversidad ».



arriba, imagen de los tres diseños llevados a cabo por el escultor Thomas Crawford hasta alcanzar el resultado definitivo que fueron realizados en barro en su taller de Roma; obviamente, los dos primeros modelos habían sido rechazados. / up image of the three designs carried out by the sculptor Thomas Crawford to reach the final outcome which were made of clay in his studio in Rome; obviously, the first two models had been rejected.

El artista murió repentinamente en 1857 antes de poder sacar la escultura de su taller y enviarla a Estados Unidos. No obstante, sí le dio tiempo a Crawford de convertir el modelo en yeso dividiéndolo en 5 piezas a tamaño natural. Fue su mujer quien se encargó de enviar por barco las 5 piezas de yeso hasta Washington posteriormente para fundirlas en bronce. El Capitolio se encuentra en la ciudad de Washington D.C, oficialmente denominado District of Columbia (Distrito de Columbia), y es un claro ejemplo de neoclasicismo arquitectónico estadounidense. Son varios los arquitectos que han colaborado en la construcción del edificio institucional que se desarrolló en diferentes fases, inaugurándose en 1800. La bellísima cúpula donde se asienta la Estatua de la Libertad, que finalizó en 1863, fue diseñada por el gran arquitecto Thomas Ustick Walter. El icónico edificio acoge las diferentes Cámaras del Congreso de los Estados Unidos, y es sin duda uno de los emblemas y símbolos del país.



arriba, tres obreros se retratan junto a la Estatua de la Libertad del Capitolio de Washington D.C. justo antes de su inauguración en 1863. Las piezas se fundieron en bronce en 1860, pero no fueron colocadas en lo alto de la Cúpula hasta diciembre de 1863. / above, three workers are portrayed by the Statue of Liberty Capitol Washington DC just before its opening in 1863. The pieces were cast in bronze in 1860, but were placed on top of the Dome until December 1863.

Al igual que ocurrió con la Estatua de la Libertad de Nueva York o la Cuádriga de la Puerta de Brandenburgo de Berlín, la estatua que corona el Capitolio de Washington D.C. ha adquirido con el paso del tiempo la pátina local (capa de óxido) con su característico color verde, ya que originariamente, al ser fundida en bronce, presentó color marrón. El monumento fue sometido a una exhaustiva restauración en 1993. Para ello, la escultura fue trasladada a las inmediaciones del Edificio del Capitolio en su lado este a nivel de la plaza para disfrute de los turistas mientras fueron llevadas a cabo las diferentes labores de limpieza.




Did you know...? At the top of the Capitol dome in Washington DC looks splendid a beautiful sculpture called "Statue of Freedom". The work, almost 6 meters high, made of bronze and neoclassical -work artist Thomas Crawford, is represented by a classical female figure hair long and loose. He wears a helmet decorated with the head of an eagle crest and feathers, around 9 stars. The figure is dressed in a suit to toe decorated with numerous balls that highlights a brooch on the chest with the inscription "US" referring to the United States; however, a coat resting on his left shoulder, matches the suit. His pose is serene and quiet, but in turn expectant, as if his eyes were fixed to infinity.




The statue carries in his right hand a sheathed sword wrapped in a handkerchief, while in his left hand holding a shield with the flag of the United States and a laurel wreath; plus 10 bronze nails platinum-tipped spread her headdress and shoulders with the shield, protect it from possible radiation. The sculpture stands tall Lovely lot dominate the cityscape of Washington DC on a pedestal made of cast iron and a balloon with the motto "E pluribus unum" Latin phrase which corresponds to a major national slogans of the United States, which means "Out of many, one" or even "Unity in diversity '.



A cast that had been stored for 25 years, was reassembled and restored to the basement of the office building Russell Senate, where publicly display again in January 1993. In late 2008 the plaster model was relocated the new Capitol Visitor Center, which looks splendid today in the Main Hall / Una réplica en yeso que había estado almacenada durante 25 años, fue vuelta a montar y restaurar en el sótano del Edificio de oficinas del Senado Russell, donde se volvió a exhibir públicamente en enero de 1993. A finales de 2008 el modelo en yeso fue reubicado al nuevo Centro de Visitantes del Capitolio, donde luce espléndido hoy en el Hall Principal



The artist died suddenly in 1857 before drawing the sculpture of his workshop and send it to the United States. However, it gave him time to Crawford to convert the plaster model by dividing it into five pieces at full size. It was his wife who was commissioned to send by ship 5 pieces of plaster to Washington later to merge them into bronze. The Capitol is located in Washington DC, officially called District of Columbia (DC), and is a clear example of American neo-classical architecture. Several architects have collaborated in building the institutional structure that developed in different phases, inaugurated in 1800. The beautiful dome where the Statue of Liberty, completed in 1863, sits was designed by the great architect Thomas Ustick Walter . The iconic building houses the various Houses of Congress of the United States, and is certainly one of the emblems and symbols of the country.



As happened with the Statue of Liberty in New York or the Quadriga of the Brandenburg Gate in Berlin, the statue overlooking the Capitol in Washington DC has acquired over time local patina (protective layer) with its characteristic green color, as originally to be cast in bronze, presented brown. The monument underwent a complete renovation in 1993. For this, the sculpture was moved to nearby Capitol Building on its east side to the plaza level for the enjoyment of tourists while you were held various cleanup.


Pictures Restoration process: / Imágenes del proceso de Restauración:







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Fuente de los Cuatro Ríos
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Gian Lorenzo Bernini










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Fuente del Tritón, por Gian Lorenzo Bernini, Barroco Italiano, Plaza Barberini, Roma, Italia, 1642—1643



Promotor: Urbano VIII (Maffeo Barberini)
Escultor: Gian Lorenzo Bernini (Artista Universal)
Nombre oficial: Fuente del Tritón (Fontana del Tritone)
Género: Mitológico
Material: Mármol de travertino
Altura: 6 metros
Fecha de realización: 1642-1643
Estilo: Barroco Italiano (Rococó)
Localización: Plaza Barberini, Roma, Italia
Restauraciones: 1932; 1998; 2014


Como culminación a la rehabilitación del Palacio Barberini anexo, que realiza con su habitual grupo de colaboradores, entre los que se encontraba su eterno rival, el arquitecto, sobrino de Maderno, Francesco Borromini, el papa Urbano VIII encargaba a Bernini allá por el año 1641 una fuente monumental que aportase identidad a la Plaza Barberini de Roma. La icónica fuente creada por Bernini, —que centra toda la atención de la Plaza Barberini de Roma—, está formada por un musculoso tritón, (Dios del Mar e hijo de Poseidón, que en la mitología aparece representado con un torso humano y cola de pez), que, arrodillado sobre una gran concha de molusco abierta, sostiene con sus manos una caracola que hace ademán de sonar y de la que fluye un chorro de agua, "para provocar tormentas o para modular una delicada melodía de paz". Sin duda la obra ha aportado gran prestigio a esta zona centro de Roma, convirtiéndose en un gran atractivo turístico para la ciudad.


arriba, detalle del tritón y boceto previo original realizado por Bernini con la técnica pictórica de sanguina sobre papel, proceso creativo que ya había empleado en el Renacimiento Italiano "El Divino" Miguel Ángel; de un dibujo hago una escultura...; abajo, Escudo representativo del Papa Urbano VIII, quien se convirtió no sólo en el principal mecenas de Bernini, sino también en su mejor amigo.



Debido a su colosalismo, junto con la Fontana de Trevi y la Fuente de los Cuatro Ríos, —obras donde intervino el gran artista multidisciplinar del barroco italiano Gian Lorenzo Bernini—, esta es sin duda una de las fuentes más famosas de Roma. 11 son los viaductos que llevaban agua hasta la ciudad de Roma y que se construyeron a lo largo de 500 años de historia. En el barroco italiano se pusieron muy de moda los concursos para la rehabilitación de edificios y espacios públicos, en particular las plazas y sobre todo las fuentes. La ingeniería hidráulica, unido a la gran vocación de los papas, hicieron posible construir fuentes monumentales en el punto final de cada viaducto en su conmemoración. Para mejorar el estado de conservación del bellísimo monumento creado por Bernini han sido necesarias llevar a cabo diferentes labores de restauración. Para ello, la Fuente del Tritón (Fontana del Tritone) ha sido restaurada hasta la fecha en tres ocasiones: 1932, 1998 y 2014.



Para la primera restauración, la más "traumática" y que fue concluida tan sólo dos años después de la inauguración del famoso Edificio Chrysler de Nueva York, fue necesario eliminar gruesas incrustaciones que habían ocasionado el transcurrir de los siglos. Una de las curiosidades de esta primera restauración llevada a cabo en 1932 fue que debido a la gran belleza y blancura del monumento, —parecía una obra totalmente nueva sacada directamente del taller—, alarmados, los propios medios de comunicación locales publicaban la noticia de que había ocurrido un hecho trágico en la ciudad de Roma, ya que dio la impresión de que hubiesen robado la mismísima escultura original tallada por Bernini, sustituyéndola por una copia. Después de la siguiente restauración llevada a cabo en 1998, el 19 de Noviembre de 2014, y gracias a once meses de duro trabajo, la hermosa Fuente del Tritón podía volver a disfrutarse de nuevo en todo su esplendor, ya que, aparte de eliminar las capas calcáreas y las pátinas biológicas que a menudo quedan mezcladas con la piedra caliza, se añadió un tratamiento especial de agua en el circuito cerrado, además de iluminación LED.



La última y exhaustiva restauración llevada a cabo entre los años 2013 y 2014, nos revela como Bernini talló la escultura en varios bloques de mármol, renunciando a la concepción escultórica renacentista, según la cual la escultura debía realizarse de un único bloque de mármol. Para la limpieza mecánica y química fueron utilizados diferentes materiales como martillo y cincel, chorro de arena, bisturí, y resinas de intercambio iónico. Los rellenos se hicieron con mortero de cal hidráulica, arena y polvo de mármol de colores y tamaños de grano apropiados para las áreas de intervención. Además, se restauraron también la bañera y la valla metálica de protección, muy dañada en los últimos años. Toda obra escultórica situada al aire libre va deteriorándose ineludiblemente con el transcurrir de los años, por lo que las labores de mantenimiento de este tipo de monumentos emblemáticos se hacen totalmente imprescindibles cada cierto tiempo; abajo, otros bonitos detalles y vista de perfil



La base de la monumental escultura está formada por el cuerpo de cuatro delfines, que se presentan con la boca abierta, —formando una especie de pedestal—, entre los que aparecen representados diferentes símbolos de los escudos del papado y la familia Barberini, como la corona, las llaves o las abejas, en alusión clara esta última al promotor de la obra, Maffeo Barberini (Urbano VIII); no obstante, el tamaño de los delfines es proporcional a la figura del tritón.



El encargo de la Fuente del Tritón se produce en una época verdaderamente trágica para Bernini, —que le dejarán sumido en una gran depresión—, ya que todavía le quedan grandes secuelas del proyecto fallido de las torres de San Pedro, además de la traición amorosa protagonizada por Constanza Bonarelli (su "eterna amada") y su hermano pequeño Luigi, que le dejaran marcado para siempre. La Fuente del Tritón de la Plaza Barberini de Roma es abastecida de agua por el Viaducto Aqua Felice (Agua Feliz), que reutiliza la ruta de un antiguo acueducto romano, el Aqua Alexandrina, que fue restaurado por el Papa Sixto V y concluido en 1587. Si estás pensando en viajar a la ciudad eterna, la famosa Fuente del Tritón de Gian Lorenzo Bernini debe ser sin duda una de las visitas obligadas a Roma.



Créditos Fotográficos:
Fotos Copyright © italianways.com Web
Drawing Escudo Urbano VIII © Creative Commons link
Texto © José Miguel Hernández Hernández
Editor, Escritor y Fotógrafo de Arquitectura
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